tag:blogger.com,1999:blog-24477480526816617292012-02-14T06:05:10.455-08:00textos sobre artes visuales fotografía-plástica-cine-videoVMhttp://www.blogger.com/profile/06552472015193873616noreply@blogger.comBlogger271100tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-32594571490380494462008-09-11T14:44:00.000-07:002008-09-11T14:58:14.367-07:00<span style="font-style: italic;"><br /></span><div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-3259457149038049446?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>claudio zamoranohttp://www.blogger.com/profile/02854520947900682653noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-70209467393521377712007-12-09T09:55:00.000-08:002007-12-09T10:01:26.949-08:00<a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/ontologa-de-lo-anlogo-aun-incompleto.html">La Imagen Desechable </a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este trabajo es lo siguiente:<br /></em><br />En cuanto a la distribución de las secciones del texto, encuentro que hay algunas como “Los comienzos” o “ya no se puede fiar en lo que uno ve”; como que no encajan muy bien en el texto.<br /><br />Respecto a la entrevista del inventor de la cámara digital encuentro que esta muy larga, si bien hay aspectos importantes que tienen que estar se puede resumir un poco más.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Encuentro que al entrevistar a diferentes personas, tal como esta hecho en este trabajo, le da al proyecto variadas visiones dándole un respaldo más creíble y respaldable.<br /><br />La reacción en su trabajo la encuentro bastante buena, hay coherencia.<br /><br /><strong></strong><br /><strong>La manipulación de la imagen en el periodismo actual</strong><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este texto es lo siguiente:</em><br /><br />Encuentro que esta demás explicar al comienzo del capitulo denominado “La manipulación, historia de una manipulación, en que va a consistir este capitulo, ya que con el titulo se da por entendido de que se trata el capitulo. Tal como esta hecho en los demás capítulos.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:<br /></em><br />Buena redacción, coherencia.<br /><br />En el texto siempre el autor esta entregando su opinión personal respecto a lo que se esta hablando, encuentro que ese punto le da al trabajo que sea mas dinámico.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/voyeurismo-en-la-actualidad.html">Voyeurismo en la actualidad</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este texto es lo siguiente:</em><br /><br />Personalmente no le cambiaria nada, lo encuentro bastante bien como esta.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Buena redacción, se entiende lo que se plantea y es coherente.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/acto-de-fotografiar.html">Acto de Fotografiar</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este trabajo es lo siguiente:<br /></em><br />La redacción, se repiten mucho las palabras lo que hace muy reiterativo el texto en variadas ocasiones.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Lo encuentro bastante original. Varias veces dentro del texto plantea su opinión personal frente al tema que se expone, dándole dinamismo y nuevas miradas al trabajo; las cuales hacen que el trabajo sea más interesante.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/hombre-memoria-y-fotografa.html">Hombre, Memoria y Fotografía</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />En varias ocasiones las palabras se repiten lo que lleva a transformar reiterativo al texto.<br /><br />En la conclusión pondría una opinión más personal<br /><br /><em>Lo que rescato de sete trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Es interesante.<br /><br />Se entiende lo que se plantea.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/artistas-fotografos-chilenos.html">Artistas fotógrafos chilenos</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este trabajo es lo siguiente:<br /></em><br />Encuentro que en la redacción hay algunas partes, generalmente en los paréntesis, donde es demasiado personal (informal), no creo que este totalmente mal, pero por ejemplo colocar en una pregunta los dos signos de interrogación que corresponden, no solamente uno; o también colocar fotografía en vez de foto, entre otras cosas.<br /><br />Hay partes en donde están mal ubicadas las comas, puntos seguidos o apartes y también el orden de algunas palabras, que hacen que en algunas partes no se explique muy bien lo que se quiere decir.<br /><br /><em>L o que rescato de este trabajo es lo siguiente:<br /></em><br />Encuentro que al dar su opinión personal dentro del texto le da dinamismo y una nueva mirada frente al tema planteado.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/12/la-imagen-fotografica-y-la-realidad.html">La Imagen fotográfica y la realidad soñada</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este trabajo es lo siguiente:</em><br />Personalmente no le cambiaria nada, encuentro que esta muy bien.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Buen uso del lenguaje, coherente.<br /><br /><br /><strong>El morbo, el erotismo y la transgresión<br /><br /></strong><strong></strong><em>Lo que se debería mejorar en este texto es lo siguiente:</em><br /><br />En la primera parte del trabajo, donde se donde se da las definiciones de autorretrato, barroco, entre otras; encuentro que el trabajo queda demasiado cortado, se podría quizás colocar todo junto, sin dividirlo tanto y lograr así hilar mejor el tema.<br /><br /><em>Lo que rescato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Existe coherencia, buena redacción.<br /><br /><br /><a href="http://textoscriticos.blogspot.com/2007/11/kitsch-en-la-fotografa-latinoamericana.html">Kitsch en la Fotografía Latinoamericana</a><br /><br /><em>Lo que se debería mejorar en este texto es lo siguiente:</em><br /><br />Encuentro que esta demás explicar al comienzo del capitulo denominado “¿Qué es el kitsch?, definiciones del kitsch, en que va a consistir este capitulo, ya que con el titulo se da por entendido de que se trata el capitulo. Tal como esta hecho en los demás capítulos.<br /><br /><em>Lo que recato de este trabajo es lo siguiente:</em><br /><br />Encuentro que en la parte donde habla de cada lo fotógrafo, el ponerle fotografías de sus trabajos le da al lector una visión mucho mas clara del trabajo que realizan cada uno de ellos.<br /><br />La redacción es buena y coherente.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-7020946739352137771?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Taniahttp://www.blogger.com/profile/17547584408079642355noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-7663246334705168242007-12-08T14:58:00.000-08:002007-12-08T15:06:54.586-08:00<strong>INDICE<br /></strong><br />· Introducción<br /><br />· Historia de la fotografía<br /><br />· Historia de la fotografía en Chile<br /><br />· La fotografía actualmente en nuestro país<br /><br />· La evolución histórica de la formación educativa del fotógrafo profesional en Chile hasta nuestros días<br /><br />· Comparación de instituciones<br /><br />· Conclusiones<br /><br /><br /><strong>INTRODUCCION</strong><br /><br />Para introducirnos en el tema de la fotografía se hará una pequeña reseña sobre la historia de la fotografía universal y de Chile.<br /><br />Luego nos adentraremos en profundad dentro de la evolución histórica de la carrera de fotografía de nuestro país.<br /><br />En un comienzo no existía la carrera de fotografía. Había pequeños cursos que se cursaban en lugares de arte, los cuales eran bastante cortos. Se podía encontrar también, la posibilidad de entrar estudiar arte y salir con la especificación en Fotografía (hasta el día de hoy existe esta posibilidad en varias universidades).<br /><br />Con este proyecto quiero contar de cómo se ha impartido la formación del fotógrafo chileno durante la historia. Investigare y analizare los distintos lugares donde se estudia y/o estudiaba fotografía y la evolución de estos.<br /><br />Si uno se pone a analizar la educación que tuvieron los fotógrafos hace unos 25 años atrás, uno puede darse cuenta que ninguno de ellos estudio fotografía propiamente tal, sino que todo lo contrario, la gran mayoría de ellos estudiaron algo bastante distinto a la fotografía, tales como Ingeniería, Análisis de Sistemas, entre otros.<br /><br />Gracias a estos fotógrafos, con su pasión y dedicación de sacar la fotografía adelante e implantarla como una disciplina autónoma, se logro que hoy en día tenga bastante valor y que exista la educación integral de esta disciplina, llegando al nivel de profesional. Una de las importantes asociaciones que analizaremos en este trabajo es la AFI que tiene gran valor para el mundo de la fotografía.<br /><br />Si bien, en nuestros días, en la mayoría de los centros de educación superior donde se imparte la carrera, es más bien de nivel técnico, también se puede encontrar nivel profesional como también técnico profesional.<br /><br />Cada año la fotografía en Chile toma mayor valor. Se ha implementado la fotoamerica, el día nacional de la fotografía. También no solamente en sus aspectos patrimoniales y como testimonio de hechos sociales e históricos es valorada, sino también como fenómeno visual que expresa diversas problemáticas en cuanto a su producción y circulación, así como en sus aspectos estéticos y simbólicos.<br /><br />En los últimos diez años ha aumentado en forma significativa la cantidad de centros de educación superior (institutos y universidades) que imparten fotografía como carrera profesional, y que asimismo, ha aumentado gradual y significativamente el número de interesados y matriculados.<br /><br />La fotografía es identificada y reconocida como una opción vocacional válida, con un campo laboral propio. Se podría también afirmar también, que hay mayor información, comprensión y cultura social del rol profesional que le compete. Dado lo reciente de este incremento se puede suponer que el nicho profesional está todavía por explorar y desarrollar.<br /><br />Otro punto que se hablara es como la sociedad valora la fotografía en la actualidad, si bien ha avanzado significativamente existen serias falencias en algunos ámbitos.<br />La sociedad hoy en día valora mucho mas la fotografía y al fotógrafo lo ve con otros ojos, como un profesional que no solamente se dedica apretar el botón, sino que es un generador de imágenes.<br /><br /><strong>HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA</strong><br /><br />La palabra fotografía es de origen griego. Se divide en dos: foto (luz), y grafía (escritura). Por lo tanto, quiere decir escribir con la luz.<br /><br />La fotografía nace como consecuencia de varios experimentos realizados por personas hace siglos atrás. Se lograron con éxito 2 de ellos (también los podemos llamar técnicas). La primera era en el siglo XVI donde se utilizaba el hecho del paso de un ligero rayo de luz por un orificio pequeño en la pared de un cuadro. Luego el orificio se reemplaza por un lente, por lo cual se logran fotografías mucho más luminosas y nítidas. Ya en el siglo XVIII se reemplazo el cuarto oscuro por una caja portátil. La segunda técnica era química. En 1727 Johann Heinrich descubrió que ciertos químicos se oscurecían cuando se exponían a la luz.La maquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada muchos años antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.<br /><br />Hacia la mitad del siglo XVII se invento una mesa de dibujo portátil siguiendo con el principio de la cámara oscura. Era una caja de madera, cuyo lado delantero estaba cerrado por un lente. El artista ponía la caja hacia donde quería y copiaba la imagen fotografiada sobre una cartulina semitransparente, apoyándola en un cristal puesto en la parte superior.<br /><br />A finales de 1829 Daguerre y Niepce formaron una sociedad en donde se reconoce a este último como inventor del Daguerrotipo.<br /><br />En los lugares donde se desarrollaba la técnica del Daguerrotipo se realizaban en estudios sin luz eléctrica. Eran grandes naves de armazón metálico donde las cúpulas de cristal hacían que estas estuvieran llenas de luz natural.<br /><br />El daguerrotipo se expandió por muchos países, incluido Chile, pero lamentablemente por su difícil manipulación estaba destinada a desaparecer.<br /><br />Talbot produjo una imagen negativa en papel, estas se grabaron como figuras oscuras las luces y lo oscuro se grabo como luz. Lo único malo que tenían estas copias era que su tamaño era extremadamente pequeño. Pero a finales de 1840 modifico su técnica la cual denomino Calotipo.<br /><br />La gracia de este invento fue que uno podía reproducir la imagen muchas veces con una nitidez bastante buena, transformándose como la herramienta de comunicación más poderosa desde la invención de la escritura.<br /><br />Los procesos que se realizaban en unos comienzos para hacer fotografías eran muy fáciles de aprender, por lo cual se esparció rápidamente por los distintos continentes. Las personas que realizaban fotografías más que fotógrafos, eran inventores aficionados.<br /><br />Los primeros fotógrafos al no tener una formación académica para su profesión ni sus productos eran demandados en forma comercial, las dos primeras décadas estuvieron mas destinadas a la experimentación. Las imágenes que estos fotógrafos realizaban frecuentemente eran de lugares importantes y monumentos históricos, a veces para el gobierno, pero a parte de realizar estos trabajos no dejaban de lado la experimentación con la fotografía.<br /><br />En 1850 en Inlaterra se comenzaron a producir distintas formas de arte con los procesos de reproducción de la fotografía como era la formación de cuadro con los negativos, lo cual resulto ser un fracaso total.<br /><br />Uno de los mas grandes documentos fotográficos de la historia es uno de los primeros cuadros de la Guerra Civil Norteamericana, que fueron hechos por alrededor de 20 fotógrafos, la mayor parte de ellos dirigidos inicialmente por Mathew B. Brandy. Estos fotógrafos, con su precario equipo no podían capturar aun la acción de batalla, pero las vistas de paisajes junto con los muertos, dejaban en claro los horrores de la guerra. Las facciones brutales de la fotografía eran impresionantes y persuasivas que la romántica ficción.<br /><br />El afán por buscar un soporte mas práctico que el cristal, hace que el colodión y otros similares nos lleve hasta 1886 donde aparece la celulosa como superficie fotográfica y con excelentes resultados.<br /><br />Años más tarde el acetato de celulosa sustituyo al celuloide. Las emulsiones se relacionaban según los diferentes tipos de sensibilidad, la exposición a la luz y el soporte de la emulsión. Estos tipos de sensibilidad se conocen actualmente como Din o Iso/Asa.<br /><br />En 1884 George Eatsman (Americano), fabrico la primera película de 24 exposiciones. En 1888 lanzo al mercado otro aparato revolucionario de pequeñas dimensiones que estaba provisto con un cargador de 100 exposiciones. Tenía un foco fijo y una velocidad de obturación de 1/25 segundos. Después de realizar el último disparo, se enviaba al lugar donde se compro, allí se revelaban las 100 fotografías y se volvía a cargar el aparato de nuevo con un carrete de 100 exposiciones.<br /><br />En 1889 Pedro Henry Emerson fijo las bases para la distinción entre fotografía artística y el trabajo practico, exclusivo de profesionales.<br /><br />A principios del siglo XX se formaron sociedades dedicadas exclusivamente a la fotografía artística. Estas sociedades crearon un movimiento estético que rechazo la verdad a favor de la belleza, es decir, rechazo con desprecio la habilidad fotográfica descriptiva a favor de las fotografías elegantes basadas en pinturas.<br /><br />Los avances en cuanto a los objetivos llegaron a partir del año 1903 con los fabricados por Zeiss.<br /><br />Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma y otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H. Cook en 1865.<br /><br />En 1907 se pusieron a disposición de todo público los primeros materiales comerciales de la película en color, estos consistían en unas placas de cristal. En esta época las fotografías en color se realizaban con cámaras de 3 exposiciones.<br /><br />Años después se comenzó a utilizar la fotografía en la imprenta para la ilustración de textos y revistas, lo cual genero una gran demanda de fotógrafos para las ilustraciones publicitarias.<br /><br />Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, con la posibilidad de revelar la película en el interior del aparato. La fotografía instantánea se hizo realidad el año 1947 con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.<br /><br />En 1990 la fotografía, como en otras artes, se ha marcado por una diversidad considerable de estilo y preocupación. Seria imposible resumir el mejor trabajo en solamente unos pocos lideres de la fotografía.<br /><br />La fotografía digital ha venido a solucionar uno de los verdaderos problemas de los fotógrafos ubicados en lugares remotos, como los corresponsales, que no tenían acceso a laboratorios fotográficos. En el año 1990 aparece la primera cámara digital. En un comienzo tenia un valor inalcanzable para la gran mayoría de los fotógrafos, pero a medida del paso de los años se ha ido acentuando este valor llegando hoy en día a ser accesible para los profesionales.<br /><br /><strong>HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA EN CHILE<br /></strong> <br />Es difícil encontrar lo que realmente paso con la fotografía en Chile a lo largo de nuestra historia. Hay datos, pero muy aislados unos con otros que nos dejan con grandes vacios en ella.<br /><br />El daguerrotipo llego a las antiguas colonias de América del Sur gracias a los profesionales norteamericanos que viajaron con su cámara hasta nuestras tierras.<br /><br />Estos daguerrotipistas tenían un sistema de trabajo bastante precario. Cuando se acababa la atracción en un lugar se trasladaban a otro. Hubo también excepciones en donde se instalaban a trabajar permanentemente en la capital, creándose un gran prestigio entre la población local.<br /><br />La noticia de la invención del daguerrotipo llego rápidamente a nuestro país. El 1 de junio de 1840 se inicia esta técnica en Chile.<br /><br />El daguerrotipo en Chile se produjo entre los años 1843 hasta 1860 aproximadamente. En todo este periodo trabajaron en nuestro país 50 profesionales; el 90% de estos fueron extranjeros, y solo un 10% eran chilenos.<br /><br />A comienzos de 1841 llegaba a Santiago la primera cámara de daguerrotipo mandada por el ministro chileno en Francia. Su destino era el instituto nacional. Lamentablemente la cámara llego con graves roturas causadas por el viaje y nunca pudo ser ocupada.<br /><br />Con el paso de los años vinieron profesionales extranjeros para desarrollar esta técnica, en su mayoría eran franceses, ingleses, alemanes y norteamericanos. La mayoría de ellos se establecieron en las grandes ciudades de nuestro país, como Santiago, Valparaíso, Concepción, Copiapó y Coquimbo.<br /> <br /> Robert H. Vance norteamericano, llego al puerto de Valparaíso a fines de febrero de 1847. Días después junto con otro profesional de apellido Hoytt se asocian y se dan a conocer como retratistas a la población local. Ellos al ver que existía una gran competencia con daguerrotipo en la capital, decidieron astutamente arrendar un estudio de un daguerrotista famoso, específicamente a Charles V. y Jacob Ward. Gracias a ello rápidamente se encontraban con un gran reconocimiento en la alta sociedad y sus nombres resonaban no tan solo en la capital, sino también en provincias.<br /> <br /> Vance no solo se quedo en la capital, sino que también viajó a lo largo del país haciendo un registro fotográfico importante para Chile. Uno de estos trabajos fue en Copiapó, llamada en ese entonces “La California”. El autor al ver que Copiapó y California eran tan parecidas en la búsqueda enloquecida de la plata y el oro, quiso reproducir en placa entera sobre esta realidad; esta saga irrepetible de la eterna ambición humana.<br /> <br /> Lo extraño fue que Vance nunca ofreció vender sus imágenes de Copiapó ni de las distintas ciudades que fotografió; como lo hacían sus colegas.<br /> <br />En 1991 el historiador Peter E. Palmanist demostró que Vance no vendió sus fotografías p<br />orque era una estrategia comercial. El único fin de las imágenes era llevarlas a Estados Unidos para ser incluidas en un espectáculo visual. Este hecho fue importante porque fue uno de los primeros daguerrotipistas que mostro en los Estados Unidos la realidad de Latinoamérica, y lo hizo públicamente a través de las fotografías insobornables del llamado “espejo con memoria”.<br /> <br /> Robert H. Vance estuvo en Chile desde marzo de 1847 hasta agosto de 1850.<br /> <br /> Lo malo que tuvo el daguerrotipo en América Latina fue que estaba manejado por pequeños grupo de personas de la alta sociedad, jefes militares, sacerdotes y ricos comerciantes.<br />Años más tarde en Chile se consolida un grupo de fotógrafos conocido como “Los Fundadores” que realizaban fotografía étnica. Ellos se dedicaron especialmente a fotografiar el mundo mapuche (costumbres, tradiciones). Las cuales realizaron en sus estudios o en improvisados escenarios exteriores.<br /><br />Uno de estos fotógrafos fue Christián Enrique Valck fotógrafo pionero en Valdivia. Nació en Hassel, Alemania. Llego al puerto de Corral (X Región de Chile), en el velero victoria en diciembre de 1852. Se establece en la cuidad de Valdivia convirtiéndose en uno de los primeros fotógrafos reconocidos en el sur de nuestro país. Su amplia producción destaca extraordinariamente por sus contenidos estéticos y sociales, pero es en el retrato de la sociedad de la época donde alcanza su mejor realización como fotógrafo.<br />Otro fotógrafo de “Los Fundadores” fue Gustavo Milet retratista en Traiguen. Nació en Valparaíso. Alrededor de 1890 se instala en Traiguen donde realiza su mayor actividad fotográfica a personajes y familias de la sociedad local, así como paisajes de la zona. Su intención fotográfica es claramente retratista y su mayor logro fue la cantidad de retratos araucanos que realizo en formato Cabinet, y que en la actualidad se conservan en varios museos de Chile y del extranjero. Otra cualidad de este fotógrafo que no hay que dejar de mencionar es la estética y planteamiento poético y evocativo propio que lo constituye a partir de la creación de una atmosfera expresiva de acuerdo a un montaje cuidadosamente elaborado.<br /><br />Por ultimo tenemos a Obder Heffer. Nació en Canadá. Llego a Chile el año 1886, contratado por Félix Leblanc, uno de los iniciadores de la actividad fotográfica en nuestro país. Las imágenes de este autor son prolífica y diversas, incluyendo numerosas visitas urbanas de Santiago de comienzos del siglo XX, as como paisajes lejanos y agrestes de la cordillera de los Andes y del centro sur de Chile. Uno de los aportes mas significativos a nuestro patrimonio fotográfico que realizo Heffer fue las numerosas imágenes del mundo mapuche que realizo en sus viajes al sur, siempre de acuerdo a la estética propia de las fotografías de fines del siglo XIX.<br /><br />El legado de las fotografías de este grupo de fotógrafos presenta varios elementos constitutivos en común. Además de ser de la misma época, comparten también una mirada y una manera de plasmar una realidad.<br /><br />Uno de los primeros fotógrafos en realizar fotoperiodismo fue William Henry Oliver, quien en 1862 sorprendió con sus fotografías sobre el bombardeo en Valparaíso, que fue tal vez la primera acción de guerra directa fotografiada en el mundo. Su trabajos nos revela, sin lugar a dudas un autentico fotoperiodista.<br /><br />La burguesía chilena de ese entonces, interesada en lo moderno encuentra en la fotografía un medio de difusión de gran importancia.<br /><br />A fines del siglo XIX, se realizan notables trabajos documentales sobre la vida de las salitreras, encargados a Tomas Caballero, un fotógrafo español y del catalán Arsenio Bequin. Desde 1890 en adelante, la explosión de revistas ilustradas en el país será la base de un periodismo grafico notable.<br /><br />Es un error sostener que la primera fotografía periodística impresa aparece en “El diario Ilustrado” en el año 1902. Este hecho solamente constituye a un hito en cuanto a una publicación diaria.<br /><br />En los inicios del siglo XX la revista “Zig-Zag”, creada por Agustín Edwards R., incorpora la fotografía como elemento básico de la información. El nivel de esta revista desde el punto de vista grafico fue similar técnica y conceptualmente, al de las revistas norteamericanas y europeas. Las fotografías eran en un comienzo encargadas a fotógrafos profesionales, establecidos comercialmente en la plaza, normalmente dueños de un estudio comercial. No era usual colocar el nombre del reportero grafico en las imágenes, salvo en el caso de colaboradores destacados.<br /><br />Las empresas editoriales “Zig-Zag” y “Universo”, dan origen a las numerosas revistas, que incorporan el reportaje fotográfico, como elemento protagonista de la información.<br />Tras la “Zig-Zag” aparece “La Familia”, publicación dedicada al mundo femenino; la excelente revista “Selecta”, especializada en el ámbito artístico cultural. Con mayor tiraje que “Zig-Zag”, aunque de formato mas pequeño, destaca la revista “Sucesos”, inicialmente creada en Valparaíso por la imprenta “Universo”.<br /><br />En la década de los ’20, la mayor cantidad de asignaciones fotográficas se centraba en los acontecimientos sociales, políticos, deportivos y policiales.<br /><br />En la década de los ’30, se hace inminente la profesionalización de los fotógrafos, razón por la cual don Carlos Eatsman, decide importar cámaras de los Estados Unidos y convertir a sus jóvenes en reporteros gráficos, consolidado así, el primer grupo de hombres nacidos oficialmente como “reporteros gráficos” y no como “fotógrafos”.<br /><br />También en esta década, aunque algo tardío, nació la organización gremial que cobija a los hombres de la cámara.<br /><br />Roberto Aspée fue el decano de los fundadores de la “Unión de Reporteros Gráficos” el 2 de enero del año 1938.<br /><br /><br /><strong>LA FOTOGRAFIA ACTUALMENTE EN NUESTRO PAIS<br /></strong><br />Actualmente la sociedad chilena no ve a la fotografía como una disciplina autónoma, sino que la ve como artes visuales.<br /><br />Hasta la década de los años ’70 costaba mucho para que hubiera alguna exposición exclusivamente fotográfica en los museos, como por ejemplo el Bellas Artes. Excepcionalmente hubo algunas. Estas fueron las de Opazo en la década de los ’40, luego trabajos de Sergio Larraín y también Quintana con el “Rostro de Chile”.<br /><br />También en esta década llegan las cámaras poket que hace que la fotografía en Chile se democratice, ya que todos pueden sacar fotografías.<br /><br />A medida que se instala la fotografía en el mundo en los circuitos de arte, como una expresión contemporánea (Europa, Estados Unidos); esto influencia a las personas que toman decisiones en Chile, como podría ser un director de un museo, ya que mira lo que esta pasando en el mundo con respecto a que esta pasando con la fotografía y lo incorpora a su criterio para tomar nuevas decisiones frente al tema de la fotografía.<br /><br />El nivel de la fotografía chilena desde hace unos 20 años atrás ha avanzado bastante. Esto tiene como consecuencia en las personas que toman las decisiones (exposiciones de museos), vean a la fotografía como una expresión de arte.<br /><br />Gran influencia tuvieron los fotógrafos que constituían la AFI (asociación de fotógrafos independientes), a principios de los años 80. Sus trabajos tenían un fuerte contenido visual los cuales fueron vistos en Europa con otros ojos. Este suceso hizo que empezara a cambiar la visión que se tenía hasta entonces de fotografía en Chile.<br /><br />Dos grandes motivos tuvieron los fotógrafos de la AFI para establecer esta asociación. Uno fue generar una fuerza gremial. Y por otro lado también hacer opinión con respecto a lo que sucedía políticamente (en esos años), en el país. <br /><br />Con los años esta asociación comienza a tener más fuerza y a desarrollarse, llegando a transformarse realmente, más que una institución que abrigue fines tan gremiales, sino que básicamente en transformarse en una plataforma de donde la fotografía podría plantear su compromiso con la realidad social y política que vivimos sobretodo contra la dictadura. Por esta razón juega un rol muy importante esta asociación ya que se logro mostrar a través de imágenes tanto dentro como fuera del país la realidad política que se estaba viviendo en el periodo de la dictadura.<br /><br />Con los avances tecnológicos y en las comunicaciones que hay actualmente en nuestro país y en el mundo entero se puede acceder mucho mas rápido a los avances y nuevos autores en el ámbito fotográfico, este suceso permite que en Chile este al día en un lapsus de tiempo mucho menos en comparación con años anteriores que era un proceso que tardaba años en llegar a nuestro país.<br /><br />Con la tecnología digital la fotografía se hace más accesible a las personas, hace que sea más democrática, ya que los costos son mucho menores; lo cual repercute enormemente sobre el discurso fotográfico.<br /><br />Con el pasar de los años, cada vez son más los jóvenes interesados en estudiar la carrera de fotografía, ya sea profesional o técnica. Esto se debe porque a los jóvenes se le dan oportunidades de estudiar carreras más creativas que no necesariamente impliquen un talento mayor, también las posibilidades de desarrollo personal son mejores y es un campo que no esta saturados como las carreras tradicionales, vale decir ingeniería, construcción, derecho, entre otras. También influye bastante la libertad en el trabajo, ya que generalmente el trabajo no necesariamente tiene que ser en una oficina y si fuera en una oficina no implica tener que estar con corbata o pelo corto, entre otros.<br /><br />Actualmente existe en nuestro país la Fotoamerica es un espacio importante para la fotografía en Chile ya que implica exposiciones, reflexión de temas fotográficos que implica un desarrollo para la fotografía en nuestro país.<br /><br /><br /><strong>LA EVOLUCION HISTORICA DE LA FORMACION EDUCATIVA DEL FOTOGRAFO TECNICO Y PROFESIONAL EN CHILE HASTA NUESTROS DIAS<br /></strong><br />ANTES DE LA DECADA DE LOS OCHENTA<br /><br />La educación que recibían los fotógrafos antes de esta década era en institutos o pequeños cursos, como también hay algunos casos en donde se formaba con un fotógrafo con experiencia.<br />La escuela de FotoArte y el Foto Cine Club eran las dos instituciones que existían hasta esta fecha en donde se podía estudiar fotografía. A continuación detallare las características de la carrera de fotografia de estas dos escuelas.<br />- <br /> ESCUELA DE FOTO ARTE DE CHILE<br />Duración del curso: 2 años Horario de clases: Matinal, tarde, vespertino, 9 horas semanales cada unoRequisitos para Ingreso: Licencia secundaria o equivalente, entrevista personal documentación de la escuelaNivel de estudios: Profesional SuperiorDedicación de la institución a la fotografía: ExclusivoNumero de ramos: 12Numero de Profesores: 8Grado que se obtiene: Certificado de capacitación básica o Titulo Fotógrafo Profesional, nivel superiorEvaluación para la obtención de grado: Aprobación laboratorios, exámenes por ramos, dos portafolios, memoria final<br /><br />- FOTO CINE CLUB DE CHILE<br />Duración del curso: Primer nivel 3 meses, Segundo nivel 6 meses, Tercer nivel 1 año (este nivel a partir de 1981)Horario de clases: 20 a 22 horasRequisitos para Ingreso: Primer nivel ninguno, Segundo y tercer nivel haber aprobado los anteriores.Nivel de estudios: básico, medio, avanzadoDedicación de la institución a la fotografía: ExclusivoNumero de ramos: Primer nivel 4, segundo nivel 5Numero de Profesores: básico 4, segundo 5Grado que se obtiene: Diploma por aprobación de nivelesEvaluación para la obtención de grado: 75% asistencia, evaluación por niveles, test final<br /><br />DECADA DE LOS OCHENTA<br /><br />La educación del fotógrafo a nivel profesional en nuestro país se empezó a realizar a en la década de los ’80.<br />A continuación detallare los lugares de la región metropolitana en donde se enseñaba fotografía hasta el año 1980. Estos son los siguientes:<br /><br />- A.I.E.P<br />Duración del curso: 1 año académico (10 meses)Horario de clases: 2 horas, 2 veces de la semanaRequisitos para Ingreso: Licencia secundaria, 3 fotos carnet, maquina fotografiacaNivel de estudios: ProfesionalDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: GlobalNumero de Profesores: 1Grado que se obtiene: Fotógrafo ProfesionalEvaluación para la obtención de grado: Examen fina, 2 ampliaciones, álbum fotográfico<br /><br />- ARTERAPIA<br />Duración del curso: 3 etapas de 3 meses cada unaHorario de clases: 2 horas, 2 veces de la semanaRequisitos para Ingreso: NingunoNivel de estudios: Básico AvanzadoDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: GlobalNumero de Profesores: 1Grado que se obtiene: Certificado, capacitación, diplomaEvaluación para la obtención de grado: Promedio de notas y evaluación del profesor<br /><br />- INSTITUTO AZOCAR<br />Duración del curso: 1 año Horario de clases: Elección del alumno, 4 horas semanalesRequisitos para Ingreso: Documentación de garantíaNivel de estudios: ProfesionalDedicación de la institución a la fotografía: ExclusivaNumero de ramos: Global 2 ciclosNumero de Profesores: 3Grado que se obtiene: Diploma ProfesionalEvaluación para la obtención de grado: Prueba final teórica y practica de laboratorio<br /><br />- C.E.S.I<br />Duración del curso: 1 año de diseño 6 meses de fotografíaHorario de clases: DiurnoRequisitos para Ingreso: Licencia media o equivalente, entrevista personal, examen de matemáticasNivel de estudios: ProfesionalDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: 12 de diseño, 1 global de fotografíaNumero de Profesores: 1, resto para diseñoGrado que se obtiene: Fotógrafo ProfesionalEvaluación para la obtención de grado: Aprobación de asignaturas de diseño y fotografía practica.<br /><br />- GASTONA COLLEGE<br />Duración del curso: 1 año académico (10 meses)Horario de clases: Vespertino 2.5 horas 2 veces por semanaRequisitos para Ingreso: NingunoNivel de estudios: Seminario BásicoDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: GlobalNumero de Profesores: 1Grado que se obtiene: Certificado de asistenciaEvaluación para la obtención de grado: Ninguno<br /><br />- ACADEMIA HELEN<br />Duración del curso: 2 Etapas de 65 horas cada unaHorario de clases: 4 horas semanalesRequisitos para Ingreso: Segundo medioNivel de estudios: Elemental y avanzadoDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: GlobalNumero de Profesores: 1Grado que se obtiene: Diploma y certificado de notasEvaluación para la obtención de grado: 100% asistencia y evaluación de trabajos<br /><br />- I.N.C.A-C.E.A.<br />Duración del curso: 2 años (fotografía esta incorporada a publicidad o diseño)Horario de clases: Varios horarios según especialidadRequisitos para Ingreso: Licencia secundaria Nivel de estudios: BásicoDedicación de la institución a la fotografía: ParcialNumero de ramos: GlobalNumero de Profesores: 1 fotografía el resto de publicidadGrado que se obtiene: Técnico diseño publicitario o técnico en publicidadEvaluación para la obtención de grado: Aprobación de asignaturas y practica posterior<br /><br />- ESCUELA REIFSCHNEIDER<br />Duración del curso: Básico, medio y avanzadoHorario de clases: Matinales y VespertinosRequisitos para Ingreso: NingunoNivel de estudios: Básico, medio y avanzadoDedicación de la institución a la fotografía: ExclusivoNumero de ramos: Depende los cursosNumero de Profesores: 2 por nivelGrado que se obtiene: DiplomaEvaluación para la obtención de grado: Promedio de notas y asistencias<br /><br />- ESCUELA FOTO ZEISS<br />Duración del curso: 3 mesesHorario de clases: diario de 16 a 18 horas y de 18:30 a 20:30 horasRequisitos para Ingreso: NingunoNivel de estudios: BásicoDedicación de la institución a la fotografía: ExclusivoNumero de ramos: 5Numero de Profesores: 5Grado que se obtiene: Certificado de asistenciaEvaluación para la obtención de grado: Aprobación de ramos<br /><br />Las instituciones que seriamente abarcaron el ámbito académico la fotografía fueron: FotoForum a principio de los años 80, luego Escuela de FotoArte, después Alpes y por ultimo ARCOS el año 1989.<br /><br />La escuela que existía hasta entonces como Reifschneider solo funciono unos años y luego se independizo, naciendo así la una nueva escuela de fotografía que se llamo FotoForum. La característica que tenía esta institución es que tenía una línea totalmente distinta a la que había hasta aquel entonces, en otras palabras, abrió las posibilidades creativas frente a la fotografía; a diferencias de las demás que dictaban la carrera de fotografía que eran de una línea más clásica, más estricta y apegadas a la norma tradicional de fotografía.<br /><br />Esta escuela tenía muchas falencias técnicas, ya que en ese tiempo era muy costoso tener el equipo adecuado, funcionaba con lo mínimo, llegando en algunos casos que los mismos profesores llevaban a los alumnos a sus propios estudios.<br /><br />FotoForum era un núcleo de la fotografía, ya que sucedían situaciones importantes respecto a la fotografía como por ejemplo se realizo la primera reunión de la AFI.<br /><br />La carrera tenía una duración de dos años y medio. En este intertanto también existían talleres que servían para complementar la formación inicial. La carrera se impartía de forma diurna y vespertina.Ya en los años 1990, 1991 viene una crisis económica fuerte y la escuela cierra.<br /><br />Esta escuela en su época era muy prestigiada, tenia una gran cantidad de alumnos. Con el cierre de la escuela gran parte de los alumnos y profesores se van al Instituto ARCOS. Este instituto empieza a tener un desarrollo de la carrera muy rápido y esto hace que haya más tecnología, más equipamiento para los alumnos.El FotoForum y el FotoArte no alcanzan a tener un nivel estrictamente profesional.<br /><br /><strong>INSTITUCIONES QUE IMPARTEN LA CARRERA EN LA ACTUALIDAD A NIVEL TECNICO Y PROFESIONAL<br /></strong><br />Actualmente las instituciones que brindan la carrera de fotografía a nivel técnico son las siguientes:<br /><br />La escuela de FotoArte, la cual se funda el primero de Marzo de 1973 para ofrecer una solución al abismante desconocimiento profesional de la especialidad existente en esa época, así como actualización artística contemporánea para el nivel nacional.Se dicta la Carrera de Fotografía Profesional de Nivel Superior de 2 años y medio, entregando al país una nueva profesión Integral en la que se vierte la experiencia consultada en Estados Unidos y Europa (Alemania, Francia e Inglaterra), y adaptada a las exigencias y Características de Chile.<br />La línea de orientación de esta escuela es formar un profesional independiente que gane una buena renta, es decir, impartir la carrera de manera artística y también la fotografía como documentación. <br /><br />Por otra parte tenemos al Instituto ALPES el cual se funda el año 1976. Este tiene como objetivo ofrecer una formación superior que se fundamenta en una visión humanista, integral.<br /><br />En este instituto se dictan la carrera de fotografía publicitaria y fotografía periodística. En el caso de la primera (fotografía publicitaria) el perfil es formar un profesional en el ámbito técnico e integral, con solidez en los aspectos creativos y tecnológicos que plantea la imagen fotográfica según los requerimientos de los medios publicitarios. Es decir, que sea capaz de resolver problemas fotográficos en la publicidad, proponer soluciones de forma eficaz, calificada y creativa, de acuerdo a las necesidades del mercado y al desarrollo de las nuevas tecnologías. El titulo que se logra es Técnico de Nivel Superior Fotógrafo Publicitario, el cual tiene una duración de dos años y medio, en otras palabras, 5 semestres. En el caso de la fotografía periodística el perfil es inculcar conocimientos de fotografía, en el ámbito técnico como en su historia, personas que sean capaces de registrar los hechos y acontecimientos documentándolos e interpretándolos mediante un lenguaje plástico y narrativo; este lenguaje es en las áreas de política, deporte, evento, entrevista, espectáculo y reportaje. El titulo que se logra es Técnico de Nivel Superior Fotógrafo Reportero Grafico, el cual tiene una duración de dos años y medios, vale decir, 5 semestres.<br /><br />Otra institución en donde se imparte la carrera de fotografía es la Universidad del Pacifico la cual fue fundada el año 1976 en donde se enfocaba exclusivamente en el ámbito publicitario. Paralelamente se crea el Instituto Profesional del pacifico, creándose nuevas carreras como Diseño Grafico, Relaciones Publicas, Educación Parvularia entre otras. Este instituto duro alrededor de 20 años. Ya en 1990 se consolida la universidad del pacifico y se agregan las carreras técnicas como Comunicación Multimedia, Fotografía, Ejecutivo en Ventas, entre otros. La misión que tiene esta universidad es crear profesionales y graduados comprometidos con el desarrollo de su comunidad, sobre la base del respeto, la responsabilidad, la honestidad, y con actitud de liderazgo emprendedor.<br /><br />La carrera de fotografía que imparte esta universidad tiene una duración de cuatro semestres mas la actividad de titulación y el titulo es Técnico de Nivel superior en Fotografía.<br /><br />También tenemos al Instituto Profesional INCA-CEA el cual es fundado el año 1963 con el nombre de Instituto de Ciencias y Artes. La característica de este instituto es que fue el primero en instaurar en Chile el concepto Europeo-Americano de las carreras intensivas y concentradas. Luego este se fusiona con el Centro de Estudios Aplicados, CEA; donde dan origen a Instituto que hoy se conoce como INCA-CEA.<br /><br />Este instituto actualmente tiene una sede en Santiago y otra en Viña del Mar, en esta última se imparte la carrera de Fotografía. Esta institución desarrolla en el alumno la comprensión del significado de la fotografía, entendiéndola como una tecnología comunicacional altamente efectiva y universal, que se constituye como parte central del lenguaje visual y de intercambio de información tanto para la sociedad como para cada individuo como tal.También les entrega a los alumnos el conocimiento, comprensión y dominio de los aspectos técnicos comunicacionales y de nuevas tecnologías que les permitan utilizar el medio fotográfico como un instrumento de expresión, formulación y concresión de propósitos.<br /><br />Facilita la producción fotográfica a partir del manejo del lenguaje visual, el desarrollo de la creatividad, la autonomía y el pensamiento crítico, para uso comercial, informativo, artístico y cultural.<br /><br />Esta carrera tiene una duración de 5 semestres, y uno puede salir con mención publicitaria, reportaje o documental.Actualmente son tres las instituciones que dan la carrera de Fotografía a nivel Profesional, estas son el Instituto Profesional ARCOS, Instituto Profesional Los Leones y la Universidad Arcis.Hoy en día Chile no esta muy bien en el ámbito de la educación del fotógrafo profesional. Principalmente porque la única escuela que había de fotografía durante dos décadas era el Instituto ARCOS.El Instituto ARCOS es el primero en instaurar la carrera de fotografía profesional con duración de 4 años.Este Instituto imparte la carrera de fotografía desde el año 1989. Desde sus inicios hasta nuestros días la carrera ha ido en aumento el numero de matriculados y teniendo una media de ingreso de alumnos entre 60 y 70. El numero de titulados durante todos estos años es de alrededor de 80 alumnos.La duración de la carrera de fotografía profesional de este instituto dura 8 semestres y el titulo es Fotógrafo Profesional.<br /><br />La línea de orientación de este instituto es formar un profesional ampliamente calificado en materias técnicas, teóricas y practicas de la fotografía con un fuerte aditivo en los aspectos creativos.<br /><br />Una ventaja que tiene el instituto ARCOS son la cantidad de años que lleva impartiendo la carrera de fotografía, esto le ha permitido hacer los cambios correspondiente en la malla curricular, ir mejorando año a año planes y programas.<br /><br />En los últimos años este instituto ha comenzado a impartir carreras de fotografía a nivel técnico periodística como también publicitaria. Estas tienen una duración de 4 semestres y el titulo es Técnico Superior en Fotografía Periodística o Técnico Superior en Fotografía Publicitaria según sea el caso.<br /><br />Otra institución que imparte la carrera es el Instituto Profesional Los Leones desde el año 1999. En primera instancia esta carrera era de nivel técnico y se dividía en dos: Fotografía Periodística y Fotografía Publicitaria. Luego, en el año 2005, esta carrera se implanta como profesional.<br /><br />En la carrera de Fotografía Profesional Periodística y Publicitaria los alumnos salen capacitados para crear e implementar proyectos fotográficos para los variados campos que abarca la fotografía. La formación del alumno es a nivel análogo como digital.<br /><br />La duración de esta carrera es de ocho semestres, incluido el proceso de titulación. El titulo es de nivel profesional.<br /><br />Por ultimo tenemos a la Universidad ARCIS. Esta es la única que estrega una licenciatura en fotografía.<br /><br />Jaime muñoz con Luis Torres forman el la Universidad Arcis. En un momento los que formaban el directorio (son 3), pelean porque no estaban de acuerdo en que convertir esta institución, habían 3 posiciones distintas, estas eran: Uno quería una institución para ganar plata, el otro no quería arriesgarse y dejarla tal cual y por ultimo otro quería algo totalmente anti dictadura. Como no llegan a ningún acuerdo se separan y generan instituciones cada uno por su parte. De esta división nace el ARCOS, la Uniac y la Arcis.<br /><br />La Universidad Arcis comienza a dictar la carrera de fotografía el año 2004. La primera promoción de titulados va a ser el año 2007 alrededor de 8 personas de 23 alumnos que entraron. Durante estos años la cantidad de matriculados en la carrera de fotografía se ha mantenido (de 30 a 35 alumnos).<br /><br />La línea de orientación de esta Universidad es tratar de implicar lo fotográfico y la imagen. Una carrera que no sea solo de técnica, sino tener una formación teórica y lograr así que el profesional salga calificado en lo fotográfico como también en el ámbito de la imagen; logrando razonar, reflexionar, analizar, profundizar en la imagen y lo que la imagen constituye como uso social.<br /><br />La carrera de fotografía que imparte esta universidad dura 8 semestres. El titulo es Fotógrafo Profesional y el grado académico es Licenciado en Fotografía e Imagen.<br /><br />El elemento de proyección que tiene en este momento la universidad ARCIS es academizar la fotografía y así poder logar que la fotografía tenga importancia y se valore realmente.<br /><br /><strong>COMPARACION DE INSTITUCIONES<br /></strong><br />Instituto Profesional ARCOS versus Instituto Profesional Los Leones<br /><br />Los laboratorios y estudios de Los Leones son muy pequeños para la cantidad de alumnos que estudia en aquel instituto, en cambio, en el ARCOS tiene gran espacio en los laboratorios y estudios, como también en la cantidad de estos es adecuada a la cantidad de alumnos que estudia en él.<br /><br />La calidad de los docentes del ARCOS es de muy bien nivel, en el ámbito de la fotografía los profesores de los ramos mas importantes son grandes y reconocidos fotógrafos que les enseñan todos los conocimientos a los alumnos, en cambio, en Los Leones esta calidad de docentes no existe.<br /><br />La cantidad de equipamiento tanto en los estudios como en los laboratorios en Los Leones eran insuficientes para la demanda de alumnos, en cambio, en el ARCOS existe una gran cantidad de equipamiento que es de acuerdo a la demanda de alumnos.<br /><br />La exigencia tanto en Los Leones como en el ARCOS es bastante similar.<br /><br /><em><strong>FALTA COMPLETAR ESTE CAPITULO</strong></em><br /><br /><strong>CONCLUSIONES<br /></strong><br />Una de las cosas que mas me llama la atención es que a pesar de que algunas instituciones, (a excepción del Instituto Profesional ARCOS), llevan años impartiendo la carrera de fotografía a nivel técnico se queden en dicho nivel y no a nivel profesional. Si bien todos los años que llevan impartiendo la carrera de fotografía le sirven como experiencias para seguir avanzando y perfeccionándose; deberían ver la posibilidad de dar, a parte de las carreras a nivel técnico, también una carrera a nivel profesional. Con esto existirá en Chile una competencia importante lo cual seria bueno, ya que al haber una competencia el nivel de exigencia de cada institución seria mejor porque se compararían constantemente unas con otras y al tratar de ser la mejor se perfeccionarían ya que con ello se ganarían mas alumnos para la institución.<br /><br />Cada año son más los jóvenes interesados en estudiar la carrera de fotografía, ya sea esta de nivel técnico o profesional. Este aumento personalmente pienso que se debe gran parte a la fotografía digital. En el año 1990 aparece la primera cámara digital, si bien para ese entonces para gran parte de la población mundial era algo inalcanzable, en estos dos últimos años la baja en los precios de estos aparatos ha experimentado un gran descenso. Actualmente gran parte de la población chilena tiene su propia cámara digital. Consecuencia de ello las personas están mucho más cercanas al ámbito fotográfico, ya que las personas sacan muchos mas fotografías que hace unos 20 o 30 años atrás. Gracias a esto cada vez son mas los jóvenes que sienten que la fotografía es un medio de expresión, sea este artístico, periodístico o publicitario; el cual esta al alcance de sus bolsillos y esperando por ser desarrollado y explotado.<br /><br />El valor de la fotografía en la sociedad chilena ha aumentado considerablemente. Antes se consideraba que la fotografía era parte de las artes visuales. Gracias a los fotógrafos de años anteriores y a la AFI, (asociación de fotógrafos independientes), que lucharon para que la fotografía se valorara realmente como una disciplina autónoma, en la actualidad ya es una realidad. La fotografía ya es considerada como una disciplina autónoma, podemos ver que en los grandes museos que tenemos en Santiago (Bellas Artes, Mac, etc.) constantes exposiciones de fotografías, cosa que antes era algo que no se veía. La sociedad se ha dado cuenta que la fotografía es un medio de expresión de gran valor. Si bien en algunos ámbitos tenemos serios problemas como por ejemplo que no existen parámetros establecidos para cobrar los trabajos, se ha conseguido un paso muy importante y así como vamos cada vez la fotografía va a hacer más importante.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-766324633470516824?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Taniahttp://www.blogger.com/profile/17547584408079642355noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-71352809247801788502007-12-07T10:36:00.000-08:002007-12-11T12:54:52.959-08:00INDICE<br /><br />- Introducción<br /><br />- Los comienzos<br /><br />- Ventajas y desventajas<br /><br />- Ya no se puede confiar en lo que uno ve<br /><br />- Sobre el Lenguaje y el Tiempo<br /><br />- Conclusión<br /><br />- Anexo: Entrevista al inventor de la cámara digital<br /><br />- Bibliografía<br /><br />INTRODUCCIÓN<br /><br /><br />El mundo se mueve, y como todo, el mundo de la imagen ha sufrido un cambio importante y sorprendente. Este texto es un análisis sobre la fotografía digital. Los comienzos, usos y grandes ventajas que ha traído. Pero también la inseguridad que acarrea esta misma consigo.<br /><br />Como todo periodo de transición, a partir de este cambio surgen muchas dudas. ¿Se mantendrá el lenguaje de la fotografía? ¿Cuáles son las principales incertidumbres que traerá esta nueva tecnología? ¿Cuáles los temores? ¿Qué le depara el futuro a la imagen?<br /><br />Ciertas claves con las que se construía la fotografía en el siglo XX, están hoy en tela de juicio. No estamos en la actualidad solamente enfrentados a un tema de cambio de tecnología, ni al cambio de instrumentos solamente. Estamos hoy enfrentados a una lógica distinta en cuanto a la captura de imágenes. El principal problema son los efectos que la imagen ha tenido y va a tener sobre la gente. Cambiar el modo de ver la fotografía es uno de los principales problemas. Esta ya no pertenece, de cierta manera a una elite que determina, entonces la fotografía entra culturalmente de otra manera, ya que ahora nos pertenece a todos.<br /><br />Es cierto que todos los adelantos que nos ha traído esta nueva forma de hacer fotografía nos han facilitado la tarea de una manera impresionante. Podemos concentrarnos precisamente en el acto de fotografiar y no ya en los químicos ni otras tareas que por muy románticas que fueran, eran una gran perdida de tiempo. La fascinación que producía la primitiva cámara de daguerrotipo cedió su lugar a la reflexión sobre los problemas preceptuales de la fotografía. Y ya no dejamos de capturar imágenes de cierto estilo para hacer las otras del nuevo estilo digital. Ahora podemos hacer con la misma cámara cualquier estilo que deseemos. Cualquier estilo puede ser producido por medios digitales. Las historias serán las mismas, solo que serán contadas de nuevas y distintas maneras. Entonces, ¿qué es lo que cambió en la arquitectura de la fotografía?<br /><br />Estas, y muchas otras inquietudes, sin duda nos desconciertan.<br /><br />Este es un texto de reflexiones y distintos puntos de vista sobre la tecnología de hoy. ¿En qué consiste esta nueva fotografía? ¿Cuáles son los beneficios que nos trae? Comparto la opinión de algunos fotógrafos de la actualidad, que se dedican a capturar imágenes de distinta manera. Su visión, sus temores y su percepción sobre lo que estamos viviendo. También la mía.<br /><br />José Pablo Concha, Jorge Brantmayer, Héctor López, Jorge Aceituno, Guillermo Novoa, Leonora Vicuña, Rodrigo Gómez-Rovira y Germán Muñoz.<br /><br /><br />Los Comienzos<br /><br /><br />Le debemos el nombre fotografía al Señor John Herschell, quien fue el primero en usar éste término en 1839. Éste fue el año en que la fotografía comenzó a ser pública. La palabra fotografía deriva del griego y viene de la luz y el dibujo.<br /><br />Existe una leyenda muy sorprendente que escribió un Señor llamado de la Roche entre los años 1729 y 1774. En este cuento de hadas existe una premonición impresionante dicha por este hombre. Cuenta la leyenda que<br />“…era posible capturar imágenes de la naturaleza en una tela cubierta por una sustancia pegajosa. Esta tela no solo simulaba ser un espejo de la realidad, sino que era posible, luego de que la imagen se secara en la oscuridad, que quedara permanente en ella”.<br />El autor, en ese entonces ni se imaginaba la premonición que su cuento trajo, el cual se hizo realidad solo dos décadas después de su muerte.<br /><br />En el descubrimiento de la fotografía existen dos procesos que se combinaron para hacerla posible. Cada uno por separado se inventó mucho antes. Tanto, que parece sorprendente que ésta no saliera a la luz antes de lo que lo hizo.<br />El primero de estos es óptico, la cámara oscura, la cual existe hace por lo menos cuatrocientos años. Hay un dibujo, hecho por Leonardo Da Vinci en el año 1519 con la cámara oscura.<br />El segundo proceso es químico. Antes de éste proceso, algunos ya habían descubierto que ciertos elementos químicos en contacto con el aire oscurecían, pero creían que era el aire y no la luz, la provocante de esto. A comienzos del siglo XIX, Thomas Wedgwood había logrado satisfactoriamente capturar imágenes, pero no conocía la manera de fijarlas.<br /><br />La primera fotografía se realizó en junio o julio de 1827 por José Nicéforo Niepce. Esta fotografía necesitó de ocho horas de exposición.<br />El 4 de enero de 1829, éste decidió asociarse con Daguerre, pero Niepce murió solo 4 años después de esto. Daguerre continuó con la investigación y descubrió la manera de reducir estas ocho horas de exposición a solo media hora. También descubrió que las imágenes podían ser fijadas sumergiéndolas en sal.<br /><br />El gobierno francés compró los derechos de este descubrimiento en julio de 1839. Los detalles del proceso se hicieron públicos el 19 de agosto de 1839 y el descubrimiento de Louis Jacques Mandé Daguerre pasó a nombrarse daguerrotipo.<br />Los grandes y pequeños personajes de la época se interesaron por ser retratados, para lo cual debían mantenerse inmóviles por varios minutos. Era la exigencia de esta nueva técnica.<br />El anuncio de que el daguerrotipo no requería conocimientos sobre dibujo y que cualquiera podía tener las mismas destrezas que su inventor, pasó a ser una locura de muchos fanáticos.<br /><br />Como todas las nuevas ideas e invenciones, también para esto existieron las posturas oponentes. Decían que hacer una copia de la realidad era un invento del diablo.<br /><br />El proceso de daguerrotipo era muy caro. De hecho, para el que quería hacerse un retrato era una inversión de una completa semana de trabajo. El que poseía una copia de un daguerrotipo, sabía que tenía una pieza única, la cual no podía ser duplicada. La única manera de obtener una copia, era utilizando una segunda cámara lado a lado. Pero seguía existiendo la necesidad de obtener copias extras, lo cual el daguerrotipo no podía satisfacer.<br /><br />El que hizo realidad esta necesidad, fue William Henry Fox Talbot con el denominado calotipo o talbotipo. Talbot inventó un negativo de menor tamaño y de forma cuadrada, y en 1844 hizo un libro ilustrado con fotografías titulado “The Pencil of Nature” (El lápiz de la naturaleza).<br />La calidad en la imagen del invento de Talbot, era notoriamente inferior. La gran ventaja que este traía, era que se podían hacer innumerables positivos de la misma imagen. De hecho, la fotografía análoga de hoy en día se basa en los mismos principios que el talbotipo.<br /><br />Luego, en 1851, una nueva era en fotografía fue introducida por Frederick Scott Archer, con el proceso colodión. Este era mucho más rápido, ya que redujo el tiempo de exposición hasta dos o tres segundos. Pero este proceso de colodión húmedo necesitaba mucho equipo en terreno y era muy aparatoso, por lo tanto ese era su mayor problema.<br /><br />Desde ahí se pusieron de moda las tarjetas de visita por André Disdéri, lo que se convirtió en otra manía de la fotografía.<br /><br />El siguiente gran paso en la fotografía fue en 1871, por Richard Maddox quien descubrió una forma de usar gelatina en vez de vidrio como soporte en la placa fotográfica. La introducción de este nuevo descubrimiento dio un giro en el avance de la fotografía. Ya no se necesitaban las placas húmedas como soporte de la imagen ni tampoco una tienda oscura y todos esos aparatos que antes eran necesarios. Estaban ya muy cerca de que la fotografía no requiriera conocimientos específicos en el tema. Pronto, todos podrían ser capaces de tomar una fotografía.<br /><br />Aquí comienza el gran salto del que ahora todos conocemos. George Eastman fue quien en definitiva dio el impulso final para hacer popular la toma de fotografías. La puso al alcance del público general.<br />En el año 1884, Eastman patentó su nuevo descubrimiento, al que llamó American Film, la cual consistía en una larga tira de papel que se cubría con dos capas de gelatina, en una de las cuales estaba impregnada la emulsión sensible. Después de impresionada y revelada, la capa sensible se separaba del soporte de papel y se adhería a una nueva película de gelatina, recubriéndola posteriormente con dos capas llamadas colodión.<br />La industria de Eastman fue creciendo poco a poco, entonces buscó para ella un nombre. Encontró uno que no tenía mayor significado pero que era fácil de recordar. De aquí nació Kodak, el nombre salió del sonido del obturador de las máquinas que producía la incipiente compañía.<br />La primera cámara Kodak apareció a la venta en 1888 y consistía en un cajoncito que era entregado con una carga para cien fotografías circulares. Luego de tomarse las cien fotografías, se llevaba la cámara a la fabrica Kodak de Rochester donde se revelaban los negativos. Posteriormente se le entregaba a los clientes una copia positiva de cada uno de ellos, y se devolvía la cámara con una nueva carga para otras cien fotos. Durante el primer año de su fabricación, se vendieron más de trece mil cámaras Kodak Nº1.<br />“You press de button, we do the rest”, esta era la publicidad que empleaba Kodak para atraer a sus clientes. Pero luego, en 1895 comenzaron a venderse los primeros rollos para cargar las cámaras, parecidos a los que ahora conocemos y utilizamos. La conocida Kodak Brownie, salió a la venta en 1901 para luego ser sucedida por la Kodak Vest Pocket.<br /><br />Kodak ha fabricado muchos tipos de cámaras y películas a través del tiempo, y ha sido la primera en desarrollar el sensor fotográfico digital (CCD), a comienzos de los años noventa.<br /><br />Un aporte importante a la fotografía análoga lo hizo el ingeniero alemán Oscar Barnack. Aficionado a la fotografía y al cine, presentó el primer prototipo de la cámara Leica que comenzó su fabricación después de la primera guerra mundial, en 1923.<br />Esta fue la primera cámara profesional de formato pequeño y se caracterizó por su gran presición mecánica y excelente calidad óptica. Se puede afirmar que las mejores fotografías aparecidas en los diarios y revistas fueron tomadas con Leicas que usaban películas de 35mm.<br /><br />Las cámaras digitales, que hoy son tan comunes en todas partes, en un comienzo presentaban grandes restricciones en la calidad visual de las imágenes que producían. Sin embargo, en los últimos años, el vertiginoso avance de la tecnología digital ha superado toda expectativa, al punto que el CCD compite hoy en dia en ventajas de calidad frente a la tradicional película análoga.<br /><br /><br />Ventajas<br />Una gran ventaja de este sistema respecto a la fotografía clásica es que permite disponer de las imágenes grabadas al instante, sin necesidad de llevar la película al laboratorio y esperar un cierto tiempo hasta que éste entregue las fotos reveladas.<br />En la cámara digital pueden verse en una pantalla las fotos que se acaban de tomar. La cámara se puede conectar a un <a title="Ordenador" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Ordenador">ordenador</a> u otro dispositivo capaz de mostrar las fotos en un monitor. Como tienen formato informático, las fotos pueden enviarse directamente por <a title="Correo electrónico" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Correo_electr%C3%B3nico">correo electrónico</a>, publicarse en <a title="World Wide Web" href="http://es.wikipedia.org/wiki/World_Wide_Web">la Web</a> y se pueden procesar con programas de tratamiento fotográfico en un ordenador, para ampliarlas o reducirlas, realizar un encuadre (una parte de la foto), rectificar los colores y el brillo, y realizar otras muchas posibles modificaciones según el programa que se utilice.<br />El costo, en comparación con el sistema análogo, por fotografía impresa es menor. Esto considerando que se pueden realizar múltiples tomas y elegir e imprimir sólo las mejores fotografías.<br /><a name="Desventajas"></a>Desventajas<br />Se dice que la calidad de una fotografía analógica es superior (aunque esto está cuestionado en estos días) pero muchas veces sólo es notoria cuando se amplían las fotos. Nikon asegura que el film color de 35 mm tiene en comparación poco menos de 6 Mega píxeles de resolución. En cambio expertos fotográficos dicen que una buena cámara analógica, con un buen objetivo, un buen negativo y un buen revelado equivaldría a unos 40 Mega píxeles. Hoy en día (año 2007) las cámaras digitales han alcanzado los 160 Mega píxeles, por ejemplo la cámara digital "Seitz Phototechnik AG 6x17". Para algunos es sólo cuestión de tiempo que las cámaras digitales superen a las analógicas y poco a poco el film de 35 mm serán usados por los amantes del arte de la fotografía.<br />La foto digital presenta un mayor número de aberraciones cromáticas y ruido.<br />La manipulación de las fotografías digitales es fácil de hacer y muy difícil de detectar, prestándose al fraude y a usos poco éticos.<br />Otra desventaja de las cámaras digitales es el costo más elevado de estas, comparado con las máquinas convencionales, aunque día a día esta brecha se acorta.<br /><br />YA NO SE PUEDE CONFIAR EN LO QUE UNO VE<br /><br /><br />El comienzo de la fotografía digital trajo una gran incertidumbre. Para muchos medios comenzaba el ocaso de la fotografía, advirtiendo de que esta ya no era confiable ni fiable, “ya no se puede confiar en la fotografía porque esta ya no nos muestra fielmente la realidad”. Esto es cierto de alguna manera, y lo podemos confirmar con las palabras de José Pablo Concha.<br /><br />El nos cuenta la fotografía desde su propia filosofía y lo que esta significa. La fotografía análoga parte por la necesidad de constatación que tenía el hombre. Y durante todo el siglo XX la fotografía fue análoga. Antes, para el hombre Burgués, el mundo era representado de forma análoga. Entonces, ¿qué significa hoy la fotografía para el hombre contemporáneo si la manera de representarse su realidad es digital? Para poder responder esta pregunta, tenemos que recurrir a varias interrogantes. El nacimiento de la fotografía digital nos está revelando un estado de crisis del hombre contemporáneo. Se desmaterializó nuestra forma de representación.<br />Antes era la materia, el negativo, pero ahora con la fotografía digital no hay nada físico que nos represente. Lo que hay en el disco duro es una potencia de imagen, pero la imagen misma no existe, no esta en ninguna parte. El disco duro no tiene ninguna imagen, uno lo actualiza y frente a esta interfaz podemos ver una imagen.<br /><br />La imagen digital lo que hace es transformar, por lo tanto hay una doble abstracción. Hay un primer nivel de abstracción, en donde el lente objetivo por donde entra la luz esta sometido a las leyes de la perspectiva, por lo tanto la imagen que se produce ahí dentro de la cámara y que pasa por este lente se codifica en perspectiva. Pero a diferencia de la fotografía análoga, una vez que entra este chorro de luz, inmediatamente se codifica. Una vez que la imagen es capturada al interior de la cámara, estas celditas la transforman en un archivo, y para poder leer este archivo necesitamos sacarlo de la cámara. Por lo tanto ahí está la segunda codificación. Es necesario para esto un software o lo que pueda leer este archivo y lo pueda transformar en JPEG o en el formato que sea. Por lo tanto, podemos concluir, que en la imagen digital no hay huella, solamente hay, pensando en términos semiológicos, una imagen icónico-simbólica. Icónica en tanto similitud con su referente y simbólica por su codificación.<br />Esto implica que la relación de la imagen digital con el mundo se ha desplazado en varios niveles. En la imagen digital, aunque se tomen fotografías sin alterar, son necesariamente, como vimos, doble codificadas. Por lo tanto ya no nos es posible la constatación. Lo que diferencia a la imagen digital de la análoga es que en la fotografía digital no hay evidencia de que lo que estamos viendo es real. Entendamos bien, ya que todos sabemos que el fotomontaje o la manipulación de la imagen siempre ha existido. En lo análogo, lo que estamos viendo, alguna vez tuvo que estar delante de la cámara para que exista en el negativo, en cambio ahora con la tecnología eso no es necesario. Uno puede armar algo totalmente ficticio que no es real en ninguna parte del mundo. Con el lenguaje digital uno podría inventar, crear algo que efectivamente podría ser real pero que nunca existió, uno no tiene como saber que lo que está viendo nunca estuvo ahí. Digamos entonces que potencialmente, lo que vemos en una imagen digital, no tiene por qué ser real.<br /><br />La fotografía actualmente dejó de ser una mediación con el mundo, y por eso “ya no se puede confiar en lo que uno ve”, ¡ya no nos es posible ni confiar en las propias imágenes! Así de avanzado esta el mundo, así de ficticia la realidad. Los teóricos se empezaron a preocupar por la pérdida de la realidad. Según Martin Lister en su libro La Imagen Fotográfica en la Cultura Digital, este tipo de fotografía funde lo real y lo imaginario de un modo que no tiene precedentes.<br /><br />El mundo está compuesto de imágenes, nosotros estamos rodeados de ellas. Y ¿cómo podremos concebir un mundo en que ni siquiera podemos confiar en lo esencial? La imagen es lo esencial a la vista, ya nada existe si no esta respaldado por una imagen. Susan Sontag dice, “vivimos en un mundo en el que la producción y el consumo de imágenes fotográficas ha sido durante mucho tiempo una actividad fundamental. Un mundo en el que tales imágenes han determinado nuestras demandas sobre la realidad, en el que las imágenes son codiciadas como sustituto de la experiencia de primera mano, y se han visto indispensables…”<br /><br />Como dice José Pablo, y confirmando la idea anterior, antes era posible conocer el mundo a través de las imágenes. Uno podía decir que sabía como era la torre Eiffel porque había visto fotos de ella en una revista, o que sabía como era África porque se la habían mostrado unos amigos en fotografías. Esto de que las imágenes eran las intermediarias entre yo y el mundo ahora ya no existe, se perdió. Las imágenes ya no son la constatación de nada, ya no nos es posible saber si lo que vemos en ellas es real o no.<br /><br />Entramos en un nuevo período de la fotografía, esta es la post fotografía. Lo que cambio, para muchos es solo el soporte, pero para otros, la fotografía jamás volverá a ser lo que era antes.<br /><br /><br />SOBRE EL LENGUAJE Y EL TIEMPO<br /><br /><br />Ya sabemos que esto de la tecnología trajo muchos beneficios para el fotógrafo profesional. A la mayoría de ellos se les solucionó, o mejor dicho, les facilitó el trabajo de una manera increíble. Lo de quedarse pegados ya no sirve de mucho hoy en día, solo nos estanca y no nos deja evolucionar. Como ya dije anteriormente, el mundo se mueve y junto con el mundo, nosotros nos tenemos que mover más deprisa para no quedarnos atrás.<br /><br />El lenguaje de la fotografía permanece intacto según la opinión de muchos, lo que cambió para algunos es la manera de ver y de acercarse a la fotografía. Una imagen ya no nos parece un objeto preciado del cual solo algunas tenemos una copia. No existen ahora esos “momentos especiales” en los que cargamos nuestra cámara con una película para tener algunas fotos de cierta ocasión. Ahora tenemos imágenes de todo y de cada lugar, de cada momento existe la oportunidad de tener una nueva imagen, casi como un acto compulsivo al que ya no se le toma valor. La pregunta, ¿por qué quiero esta o esta imagen? Ya ni siquiera la formulamos, no tenemos que escoger cierto momento para atesorarlo La fotografía se democratizó y se popularizó tanto que ahora es trabajo no de mucho, si no de todos. Incluso una cámara de fotos ahora podría decir en su envase, edad: desde 2 hasta 99 años.<br /><br />Como dice Brantmayer, desapareció el álbum fotográfico y Héctor López le toma importancia a lo mismo cuando me cuenta que cuando él era chico, en su casa se tomaban alrededor de 3 o 5 rollos al año, y con eso se armaba el álbum de la familia. Hoy eso ya no es problema, ya no existe la ocasión especial para tomar una fotografía.<br /><br />Refiriéndose a esto mismo, Jorge Brantmayer me dice que desde el punto de vista laboral, la fotografía digital le trajo grandes beneficios, pero desde el punto de vista poético, no. ¿Por qué? Por ejemplo cuando él antes viajaba, sacaba alrededor de quince películas, y cuando llegaba del viaje dejaba esos rollos en el velador y se olvidaba de ellos hasta unos cuatro meses después cuando el revelarlos era una gran sorpresa. De esta manera el tenía la oportunidad de digerir todo eso que había visto en el viaje y luego se maravillaba observando lo que había resultado en la toma. Ahora con la fotografía digital eso es muy distinto, ya que uno saca una foto y de inmediato tiene la oportunidad de verla, y si no te gustó, simplemente la borras sin siquiera permitirte pensar en lo que sucedió ahí.<br /><br />Para Jorge Aceituno, el lenguaje de La fotografía se mantiene, pero para Rodrigo Gómez, no. Aceituno nos dice que lo que cambia es el soporte; pero el lenguaje, la luz y el tiempo de la fotografía se mantienen. Para Rodrigo es esto justamente, el tiempo, lo que hace que el lenguaje ya no sea el mismo. Claro que para muchos trabajos la tecnología los facilitó, pero para otros ya no tanto por el mismo problema del tiempo. Ya que ahora todo se exige con mayor rapidez y esto de la contemplación, la mirada y la paciencia, se perdió. Pero Rodrigo insiste que para lograr un buen documental, hay que detener la mirada. Permitirnos una visión pausada de las cosas y no de la manera acelerada y poco meditativa como ahora estamos acostumbrados. Ya se perdió ese pensar, esa sutileza que antes se tenía al contemplar algo porque equivocarse nos costaba. Al hablar del tiempo, él se detiene. Insiste en que se perdió el ritmo, la contemplación. Para él, el lenguaje cambió porque se perdió la reflexión. En un tipo de fotografía es necesaria una madurez de pensamiento para lograr unas buenas imágenes, y en otro se simplificó por la rapidez. Esto le otorga también, otro valor a la imagen.<br /><br />Rodrigo Gómez cree que esto es nada mas que una evolución de la fotografía, que es simplemente una nueva herramienta para llegar – casi – al mismo resultado. Y que, como toda herramienta, sirve mejor para algunas cosas y para otras no tanto. Uno de los mayores problemas es que ya no hay una materialidad de la imagen. La fotografía hoy es desechable y un simple accidente haría que todo desaparezca. Este es un gran temor para él. ¿Cuantas veces tendremos que respaldar nuestras imágenes para que estas no corran el riesgo de desaparecer por completo? Tenemos nuestras imágenes en el disco duro, pero a este le puede entrar un virus y eliminarlo todo. Tenemos esas mismas imágenes respaldadas en un CD, pero este puede ser rayado, roto o mal grabado, entre otras cosas. Con la fotografía análoga claramente también podían suceder accidentes, pero el caso tendría que ser mas extremo. Tendría que haber un incendio para hacer desaparecer nuestros negativos.<br /><br />Cuando le cuento a Jorge Aceituno el motivo de esta entrevista, lo primero que me dice es que hay que relajarse. No es algo dramático lo que está ocurriendo, la fotografía ha cambiado siempre desde el momento de su invención. Pasamos de la placa a la película de 35 mm, y luego el actual gran salto de la fotografía digital. Pero es algo que tenía que ocurrir, como con la mayoría de las cosas. El ser humano siempre está creando cosas nuevas, esta no es nada más que una nueva invención. Pero, la esencia de la fotografía se mantiene, dice.<br /><br />Claro que es positivo que mayor numero de personas se eduque visualmente, esto genera (redundancia) cultura visual. Y otro aspecto positivo es que uno mismo puede hacer ahora el trabajo que antes tenía que mandar a hacer.<br /><br />Para Willy Novoa, editor y fotógrafo de Fotop, el lenguaje de la fotografía no ha cambiado, solo las herramientas pero no el resultado. La fotografía se concibe igual que antes, se toman en cuenta las mismas consideraciones que antes. El trabajo pre fotográfico es ahora igual que como era antes, preocupándose de cada detalle de iluminación y de composición igual que siempre.<br /><br />El cambio que se produjo es solo a nivel soporte (análogo – digital) para Germán Muñoz. Una operación a través del programa Photoshop, no garantiza una buena foto. El retoque no levanta una mala imagen, solo la limpia de pequeños errores o bien le otorga prestaciones complementarias.<br /><br />Leonora Vicuña dice: “Esperemos que la imagen democratizada permita desarrollar nuevas miradas, nuevos ojos, pero eso tardará más, pues no depende de la técnica sino de la alimentación y la percepción que tenemos... A eso, creo que le falta todavía mucho, pero mucho camino...”.<br /><br />CONCLUSIÓN<br /><br />Para la mayoría de estos fotógrafos, el trabajo se vio simplificado con esto de la nueva fotografía digital. Trajo más beneficios que dificultades y pocos se ven intimidados por los cambios que esta ha traído. Podemos ver que existe una amplitud de pensamiento en las personas de hoy en día.<br /><br />Es una simple evolución de la imagen como han tenido muchos oficios y profesiones a lo largo de toda la vida. La tecnología trae grandes cambios, y la globalización no es posible detenerla. Por lo tanto, hay que remar de acuerdo a la corriente y subirse al carrito de la evolución.<br /><br />Pero el panorama se ve prometedor para varios, ya que aunque claramente aumentó la competencia, eso mismo nos permite motivarnos más. Ahora el fotógrafo tiene que aprender mucho más de lo que antes necesitaba. Si quiere triunfar, entonces ahora tiene que saber mucho mas de tecnología, tiene que saber diseño, audiovisual, multimedia y todo lo que esté a su alcance. Aprender a ser más creativo y más proactivo para tener algo nuevo e interesante que ofrecer. Antes la profesión de fotógrafo era una profesión solitaria, hoy en día lo que también este necesita, es adecuarse al trabajo en equipo, ya que la manera de desarrollarse en el medio no es la misma. El fotógrafo moderno necesita imperiosamente modernizarse, y esto, claramente, no es algo negativo.<br /><br />Es un error negarse a aceptar la tecnología digital, ya que la fotografía desde su nacimiento ha estado ligada a los cambios en la práctica profesional. Hoy el soporte es digital, mañana no sabremos cual será.<br /><br /><br />ANEXO<br /><br />ENTREVISTA: STEVEN J. SASSON, INVENTOR DE LA CÁMARA DIGITAL<br />(Martes 16 de octubre, 2007)<br /><br /><br />Ilusionado Steven J. Sasson nos cuenta con la nostalgia brillándole en los ojos que aún conserva los apuntes a lápiz de las primeras disertaciones en los laboratorios de Kodak sobre lo que entonces parecía una excentricidad. Y es que hace algo más de 30 años, este ingeniero neoyorquino desarrolló el prototipo de la primera cámara digital. Sasson, que actualmente trabaja en el departamento de patentes de Kodak, compartió recuerdos – recuerdos con regusto a historia de la fotografía – con QUESABEDE.COM. Por Iker Morán.<br /><br /><br />¿Cómo les explica a sus hijos que usted inventó la cámara digital?<br /><br /> Hombre, la verdad es que no es una conversación que tengamos habitualmente. Tengo un hijo y una hija, y no supieron nada sobre mi trabajo en fotografía digital hasta que Kodak empezó a hablar de ello hacia 2001 o 2002.<br /><br />Los niños no preguntan mucho sobre este tipo de cosas. A los míos les interesó aproximadamente unos diez minutos, lo que estuvo genial. Cualquier padre aprecia incluso diez minutos de interés de sus hijos adolescentes.<br /><br />Solo hablo son ellos de los primeros trabajos que hice cuando era un chico cuyo “hobby” era la electrónica.<br /><br />Empezó a trabajar en el laboratorio de investigación de Kodak en 1973. ¿Cómo surgió la idea de inventar una cámara electrónica?<br /><br /> No estoy exactamente seguro de por qué decidí que quería construir una cámara fotográfica que fuera totalmente electrónica y que pudiera mimetizar o simularse con la fotografía de película.<br /><br /> Estaba fascinado con la idea de crear una cámara en la que no hubiera partes móviles y que fuera exclusivamente electrónica. Para ello elegí una aproximación digital, que me ayudó a eliminar mucha complejidad mecánica.<br /><br /> Pero como cualquier idea, resulta siempre más difícil de hacer que de pensar. Hubo muchas veces durante el año que me preguntaba porque no me había puesto simplemente a construir unos pocos circuitos en una mesa.<br /><br /> Sin embargo fue muy divertido y una gran experiencia de aprendizaje ya que tuve la oportunidad de interactuar con muchos técnicos expertos de Kodak en diferentes aspectos de la fotografía, como la óptica, la mecánica, la electrónica o la magnética.<br /><br />Cuando creó el primer prototipo y se lo mostró a sus jefes en Kodak, ¿qué dijeron?<br /><br /> Fue una mezcla de curiosidad y precaución. Curiosidad por el hecho de que con relativamente poco dinero, un joven ingeniero hubiera podido crear algo así… algo que podía ser factible.<br /><br /> Y precaución porque ofrecía una visión del mundo fotográfico muy diferente a la que estaban acostumbrados. Era algo que todavía distaba mucho de ser tan fiable como el sistema fotográfico basado en la película.<br /><br /> Tuve la oportunidad de enseñárselo a mucha gente en Kodak. Por supuesto, no dijimos nada fuera de la compañía, y la única discusión pública de este proyecto tuvo lugar cuando la patente fue registrada, creo que en 1978. Después, la discusión pública no volvió a aparecer hasta 2002.<br /><br />¿Se llegó a reír alguien de su idea?<br /><br /> Hubo todo tipo de reacciones, sí. Recuerdo que, en una ocasión, antes de una presentación ante la directiva, uno de los compañeros de investigación me miró y me dijo: “Chico, me alegro de no ser tú.”<br /><br /> Y es que había titulado la presentación “Fotografía sin película”. Mirándolo ahora y teniendo en cuenta la audiencia a la que me dirigía, quizá tenía que haber elegido un título mejor… Pero mi idea era que existía la posibilidad de obtener imágenes fijas y verlas sin necesidad de utilizar ningún consumible.<br /><br /> Desperté mucho interés de parte del departamento de investigación y desarrollo; la gente estaba muy interesada en diferentes aspectos de la cámara, y recibí mucho ánimo. De la directiva también recibí estímulos, pero eran estímulos mas precavidos, porque teníamos que ser muy cuidadosos si presentábamos algo así.<br /><br /> En el mundo que existía a mediados de los 70 no había ni Internet, ni ordenadores personales, ni todas estas cosas que ahora ya damos por sentadas. Se cuestionaban (en Kodak) si la gente querría ver sus fotografías en el televisor. Cómo las almacenarían o cómo las recuperarían.<br /><br /> Una cámara digital hoy día sin Internet, sin la posibilidad de almacenar las fotos en tu ordenador y sin la posibilidad de imprimir localmente, se convierte en algo mucho menos útil.<br /><br />¿Eran consientes de que aquello podría llegar a cambiar la fotografía tal y como se conocía entonces?<br /><br /> Sí. Se acostumbraba a escribir un informe sobre cada proyecto que se centra principalmente en los aspectos técnicos de la cámara, pero tuve la oportunidad de hablar también del estado de la electrónica en aquel tiempo, y había una sección llamada “La cámara del futuro”.<br /><br />En ella hablé de cómo en el futuro la cámara podría cambiar sustancialmente la forma en que tomamos fotografías.<br /><br />Hablé sobre las diferentes ventajas que una aproximación como la de esta cámara podía ofrecer, como la posibilidad de enviar información a través de componentes electrónicos, cuando en aquel momento la única referencia que se tenía era la línea telefónica o la de tomar fotografías infrarrojas.<br /><br />Meditamos mucho sobre ello y escribimos unas cuantas ideas. Hubo mucha discusión sobre cual sería el primer dispositivo en llegar al cliente consientes de que aun faltaba mucho tiempo de evolución.<br /><br />También se habló sobre que resolución de imagen interesaría al consumidor: si con medio millón de píxeles podría comenzar algunas aplicaciones. Si 1 o 2 millones de píxeles para que los fotógrafos aficionados decidieran preservar sus recuerdos… Incluso si con 4 o 5, unos números que parecían imposibles alcanzar, podríamos apuntar a mayores niveles de fotografía.<br /><br />Lo recuerdo porque todavía tengo mis cuadernos de notas con aquellas discusiones originales. Algunas de las ideas están escritas a lápiz y es divertido leerlas ahora.<br /><br />¿Había un plan B por si aquello no cuajaba comercialmente?<br /><br /> En aquél tiempo estaba muy concentrado en que la cámara funcionara; era mi reto personal y mi pasión. Después de obtener fotografías y comenzar a trabajar, había muchos retos para un plazo estimado de 15 o 20 años, que es mucho tiempo.<br /><br /> Pero cuando miro atrás todavía recuerdo que yo estaba muy convencido de que esto ocurriría (que la fotografía digital cuajara comercialmente), no veía ninguna razón fundamental para que esto no ocurriera.<br /><br /> Existía la intención de desarrollar sensores de silicio, al menos hasta la resolución de la televisión en formato NTSC o PAL. También había mucho empuje para hacer que los microprocesadores funcionaran con las señales digitales.<br /><br /> No estaba tan seguro de que existiera este deseo natural en la industria para desarrollar memorias como la memoria de tipo flash que usamos hoy día. Uno de mis siguientes proyectos fue investigar la situación de esa rama en aquél entonces.<br /><br /> Me gusta decir que fui el primer converso a la fotografía digital; siempre creí en ella. Incluso desde entonces, siempre he trabajado en un aspecto u otro en la fotografía digital en Kodak, como otra mucha gente lo ha hecho también.<br /><br />Curiosamente, Kodak inventó el sistema que ha obligado a la compañía a reinventarse y que está acabando con el negocio que siempre ha sido su fuente de ingresos. ¿No es como tener el enemigo en casa?<br /><br /> No. La gente en Kodak está fundamentalmente interesada en la imagen, sea cual sea la tecnología.<br /><br /> Si que les diré que en estos treinta años ha habido una cierta tensión sana entre el – llamémosle – sector del haluro de plata y el emergente negocio de la imagen digital en la compañía. Ha habido una especie de dos mundos bastante diferentes, pero se trata de jugar juntos y aprender unos de otros.<br /><br /> Nuestras cámaras digitales son muy buenas en términos de calidad de imagen y funcionalidad, porque sabemos mucho sobre como toma la gente las fotografías, y esto lo aprendimos haciendo cámaras de película. Sabemos que quiere la gente para obtener (buenas) fotografías.<br /><br /> Al final, la gente entiende que la imagen adopta diferentes formas con el paso del tiempo, y nosotros hemos evolucionado hasta ser principalmente una compañía de imagen digital. Es una transición dura que requiere mucho tiempo y que muchas veces es dolorosa, pero creo que todo el mundo entiende que es la línea que hay que seguir.<br /><br />Treinta años desde la primera cámara digital, y el director general de Kodak, Antonio Pérez, dice que todavía estamos empezando y que aún queda mucho camino por recorrer.<br /><br /> Porque todavía hay un montón de retos. Observando dónde estamos, creo que aún podemos hacerlo mejor. Nuestras cámaras son maravillosas, parecen milagros, si se comparan con las de hace 30 años, pero aún se pueden incluir mejoras en términos de prestaciones.<br /><br /> Y hay mucho más trabajo que hacer en términos de la cadena fotográfica, como en el almacenamiento de las imágenes, que debe ser fiable a lo largo de largos períodos de tiempo.<br /><br /> Nosotros queremos preservar los recuerdos durante generaciones y nos tenemos que preocupar por que los formatos no se hagan obsoletos. ¿Cuántos cambios de formatos hemos visto solo en los últimos 10 o 15 años?<br /><br /> También hay un reto en la recuperación y organización de las imágenes: qué podemos hacer para que sea algo sencillo y natural y que la gente no se tenga que preocupar.<br /><br /> Antonio Pérez está en lo cierto, tenemos muchos retos ante nosotros. Realmente el espacio digital no ha hecho más que empezar.<br /><br />El primero sensor era de 100 x 100 píxeles, y en aquél entonces se hablaba de 2 millones de píxeles como una meta casi increíble. Estamos ya en casi 12 megapíxeles en el ámbito de las compactas. ¿Hay que seguir investigando?<br /><br /> No fingiré saber la respuesta. Estas cámaras de 12 megapíxeles te permiten tener alta resolución en diferentes formatos, como el de la televisión en alta definición, y otros que no necesariamente usan la mayor de las resoluciones todo el tiempo.<br /><br /> Creo que la gente está bastante contenta con las resoluciones actuales, aunque siempre puedes discutir si 6 megapíxeles son suficientes para todo el mundo. O puede que 8, o puede que 10…<br /><br /> Soy de la opinión de que, pasado un tiempo, esto (la resolución), pasará a ser menos importante para la gente y otros aspectos de la cámara serán más sustanciales.<br /><br /> Debemos seguir centrando nuestra atención en cómo podemos añadir valor y flexibilidad a nuestras cámaras. Después, cualquier aspecto de la tecnología que necesitemos desarrollar se hará.<br />¿Qué piensa al ver las cámaras de hoy en día, con incontables prestaciones? ¿Queda algo por inventar?<br /><br /> Puedo asegurarles por completo que las cámaras mejorarán; se añaden prestaciones continuamente. Si retrocediéramos solo cinco años, sería imposible imaginarnos las prestaciones que las cámaras tienen hoy en día, como el reconocimiento facial, la detección del movimiento, la tecnología antivibraciones…<br /><br /> ¿Que qué tendrán las cámaras en algunos años? Realmente, no lo sé. Pero la tecnología nos permitirá poner aún más simplicidad, flexibilidad y diversión en el proceso fotográfico.<br /><br /> Y sobre qué prestaciones concretas habrá, solo puedo intentar deducirlas, y probablemente me equivocaría.<br /><br />Actualmente trabaja en el departamento de patentes de Kodak. ¿Es cierto que las cámaras digitales de cualquier marca llevan a día de hoy alguna patente de la multinacional de Rochester?<br /><br /> En los 80 y los 90, Kodak estuvo trabajando extensamente en la fotografía digital, aunque no de un modo público como lo hacemos ahora. (En esa época) creamos un notable porfolio de propiedad intelectual que recoge muchas patentes de las arquitecturas básicas e ideas que son la base de las cámaras digitales de hoy.<br /><br /> Nosotros tenemos un programa de licencias que ponemos en marcha activamente. Hablamos con otros fabricantes de cámaras y les licenciamos nuestra tecnología. Se ha convertido en algo de gran ayuda para Kodak.<br /><br /> Por tanto, sí, tenemos un programa de licencias muy activo que está basado en la propiedad intelectual generada a lo largo de las últimas décadas.<br /><br />¿Cómo ve la situación actual del mercado fotográfico?<br /><br /> Nunca ha sido más excitante que hoy. La fotografía es hoy parte importante de nuestras vidas, está en todas partes. Hay más aplicaciones y se hacen más fotografías que nunca. La gente ya toma fotografías como algo normal de cada día; ya no es algo que se reserva para los momentos especiales, como ocurría en los 70. Todos los días te comunicas con fotografías.<br /><br /> Este negocio trata sobre algo tan básico en la especie humana como es el modo en el que se comunica la gente. Cualquier avance en la comunicación, tiene que ser bueno, y la fotografía está ahora en el centro. No podía haber una industria más interesante de la que formar parte.<br /><br /><br /><br /><br />BIBLIOGRAFÍA<br /><br />- Entrevistas a los fotógrafos nombrados anteriormente.<br /><br />- Entrevista inventor de la cámara digital, textual de:<br /><br /><a href="http://www.quesabesde.com/noticias/steven-sasson-inventor-camara-digital,1_3715"><span style="color:#000000;">http://www.quesabesde.com/noticias/steven-sasson-inventor-camara-digital,1_3715</span></a><br /><br />- <a href="http://www.zonezero.com/"><span style="color:#000000;">www.zonezero.com</span></a> Editoriales de Pedro Meyer.<br /><br />- La imagen fotográfica en la cultura digital – Autor, Martin Lister.<br /><br />- Técnica y Lenguaje (Fundamentos prácticos de la fotografía digital) – Autor, Juan Domingo Marinello K.<br /><br />-<span style="color:#000000;"> </span><a href="http://www.rleggat.com/photohistory/"><span style="color:#000000;">http://www.rleggat.com/photohistory/</span></a><div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-7135280924780178850?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Morganahttp://www.blogger.com/profile/04108743979749250474noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-79770223027594938732007-12-03T10:24:00.000-08:002007-12-03T10:32:22.677-08:00La Experiencia de Fotografiar<br /><br /><br /><br />Maximiliano Alarcón<br />Fotografía Profesional<br />Prof.: Valentina Montero<br />Instituto Profesional Arcos<br />3.12.2007<br /><br /><br />Índice<br /><br />· Introducción<br />· El acto fotográfico<br />· Introducción al Fotoperiodismo<br />· Relación entre fotoperiodismo y otros tipos de fotografía<br />· La experiencia desde el acto de fotografiar<br />· Algunos fotógrafos<br /><br /><br />"I have been a witness, and these pictures are my testimony. The events I have recorded should not be forgotten and must not be repeated."<br />-James Nachtwey-<br /><br /><br /><br />Introducción<br /><br /><br />Muchos autores se han referido sobre la fotografía a partir del papel, de como una fotografía engendra una serie de reacciones internas y afecta al espectador, pero éste análisis siempre ha sido hecho únicamente desde el punto de vista del observador, sin preocuparse por lo que pasa con el fotógrafo antes y después de hacer la toma independientemente de lo que haya sido fotografiado. Y de esto surge la pregunta, ¿Tiene la fotografía un efecto a partir del momento de hacer la toma o afecta solo a partir de la imagen? Y ¿Por qué se ha analizado mayormente a partir de su reproducción?<br /><br />Para desarrollar esta idea sobre la experiencia de fotografiar, voy a hablar desde mis propias experiencias y prejuicios relacionados a la fotografía, utilizando como punto de referencia la fotografía periodística y de reportajes. De éste modo voy a ir enfrentando mis ideas, revisando comentarios de fotógrafos con una vasta experiencia y contrastando mis ideas con las de otras personas, para así poder encontrar tanto los puntos en común como las diferencias. El fotoperiodismo es un área de la fotografía con la que siento cierta cercanía y que ha sido parte importante de mi formación como fotógrafo. Ésta constante búsqueda dentro de la fotografía de guerra y de noticias de carácter internacional, el estilo de vida que llevan los fotoperiodistas y mi interés social, me hicieron preguntar sobre qué pasa con la persona que está atrás de la cámara cuando está viendo una realidad de la que a nosotros sólo recibimos una pequeña selección elegida, edición que va de acuerdo con el color político y los ideales estéticos editoriales de las agencias de noticias que los difunden o cualquier otra institución que corresponda. Cuando tenemos la oportunidad de ver las fotografías que están fuera de la institucionalidad, las fotografías que no se publican porque comprometen a alguna institución o gobierno, nos damos cuenta que la realidad puede llegar a ser tanto o más intensa e irreal que cualquier creación salida de la cabeza de un artista plástico plasmada en un soporte bidimensional o que las letras que un escritor pueda poner juntas para hacer una canción. Y ésta es la razón por la que creo que no debe ser fácil estar expuesto a todas estas situaciones en donde los valores y principios morales quedan relegados a un segundo plano, olvidándose, o por lo menos dejando a un lado muchos de los principios básicos a lo que estamos acostumbrados a ver normalmente en tiempos de paz y bonanza, todo esto por culpa de la excesiva violencia e injusticia a la que se ve expuesto de manera constante.<br /><br />Luego de plantear esta inquietud en solo un ámbito de la fotografía me gustaría extenderla a sus otros niveles, tales como, la fotografía de retratos o la foto de eventos. Aunque no creo que mucho se pueda rescatar de la fotografía de objetos inertes, pero en general mucho se aprende al interactuar con otras personas y ya con el mero hecho de relacionarse con un ser distinto, implica que hay un cierto nivel de aprendizaje, y además es claro que el fotógrafo está constantemente expuesto a una gran número de personas y con esto, está expuesto a una serie de realidades que son diferentes a la suya y eso necesariamente debe ejercer una influencia en él, obligándolo a adaptarse a esta serie de distintas realidades.<br /><br />La intención del texto no es dilucidar una verdad, sino más bien, exhortar al lector a descubrir un mundo nuevo a través de la fotografía y explorarlo a partir del acto de fotografiar para hacer así de la fotografía una herramienta más para el conocimiento. Claramente la aspiración no es que la fotografía sea la única herramienta, pero sí una importante dentro de una batería de otras aplicaciones en donde el fotógrafo tenga protagonismo y sea finalmente un facilitador para la comprensión del medio. Aunque a diferencia de la tendencia de las ciencias, las que cada vez se especializan más en sus objetos de estudio y se van haciendo más y más específicas y por lo mismo más estrechas, el fotógrafo va descubriendo cada vez nuevos mundos y ampliando su campo de estudio, encontrando siempre nuevas aristas en sus temas que le llevan a otros nuevos campos para explorar, al más puro estilo renacentista, haciendo las veces de artista-científico.<br /><br />El fotógrafo se debería preguntar cómo ha influenciado su vida esta manera de ver el mundo, ya que el estar constantemente mirando los detalles, observando los puntos que todos solo miran, pero no ven, debe tener un impacto importante en su vida, la manera de ver las cosas, la posibilidad de conmoverse por las cosas mas simples son ,las que hacen una gran diferencia. El fotógrafo se fija en el desvalido y en el que está sufriendo, algo que normalmente la gente evita mirar y reconocer, y no solo se fija en ellos, además los reconoce y los valida por medio de su fotografía y de su vida diaria. Si bien es capaz de no sufrir al momento de estar en medio de una catástrofe, si se puede conmover con los niños que están sufriendo en su pueblo o por las desigualdades por las que están pasando los pobres. De hecho esta es una de las razones principales por que los fotógrafos se acercan al fotoperiodismo, con una consciencia social activa, el fotógrafo siente que es su deber registrar, documentar y denunciar los horrores de la guerra o de las hambrunas con el propósito de evitar que éstas se vuelvan a repetir en el futuro.<br /><br />Es muy interesante saber qué pasa con el fotógrafo profesional de cualquier area después de la ejecutar el acto de fotografiar. Al momento que deja su cámara a un lado y se va caminando como cualquier otro ciudadano después de haber estado fotografiando. Ya que después de estar inmerso en un mundo paralelo, donde las mujeres son las más bellas del mundo (dentro de los cánones estéticos actuales), o donde las muertes se cuentan sobre los dos dígitos diariamente, para un fotógrafo de guerra por ejemplo, la constante exposición a la desgracia, injusticia y muerte (ajena y posiblemente la propia) su manera de ver la vida debe tener un antes y después, definitivamente. Y creo que esto es coherente no solo con la fotografía llevada al extremo, como son la fotografía de guerra, la fotografía de modas o pornográfica, en las cuales se ingresa en éste mundo paralelo, sino también se ve en cualquier otro tipo de fotografía donde haya algún tipo de reflexión y opinión pre y post toma.<br /><br />El hecho de estar seleccionando partes del tiempo y del espacio nos obliga a estar en una constante búsqueda de esa pequeña fracción de realidad que nos satisface e interpreta nuestra manera de ver el mundo. Por esto creo que por medio de la fotografía estamos constantemente escribiendo resúmenes de nuestras vidas, cada foto me representa y en cada foto yo me veo reflejado. Y es en esta búsqueda constante donde vamos corriendo el velo de nuestros ojos y comenzamos a descubrir estas nuevas formas de vida con sus costumbres y tradiciones, con sus cosas buenas y malas. Ésta es, para mí, una manera muy interesante de romper mitos y prejuicios, ya que se van desenmarañando todas esas ideas que se tenían antes de comenzar con el desarrollo del tema en cuestión y así mismo se van abriendo las fronteras que nos separan.<br /><br />El fotógrafo pasa por un proceso de reflexión, para poder fotografiar al objeto de su mejor manera, apelando a su gusto y su experiencia y desde aquí comenzar a conectarse con el sujeto a fotografiar. Esta relación se hace tan frágil al momento de sacar las fotos también, ya que siempre al inicio de una jornada fotográfica las cosas comienzan de una manera más bien insegura, pero después hay un proceso de amalgamamiento a medida que el fotógrafo y el sujeto se van conociendo y acercando, donde el resultado final converge en la formación de un todo único en donde el fotógrafo logra interpretar al objeto y sacar de éste lo que está buscando. Este es un proceso que incluso estaría presente en la fotografía de cuerpos inertes.<br /><br />El acto fotográfico<br /><br /><br />A partir del punto de vista de autores como Susan Sontag y como la fotografía ha sido analizada a partir de la impresión y la reproductibilidad.<br /><br />Para tener una idea de en que consta el acto fotográfico me voy a referir al trabajo Susan Sontag básicamente, es el libro “Sobre la fotografía”. La idea de utilizar estos textos como referencia es la de poner un marco teórico para el desarrollo de mi idea, y con esto hacer una contraposición de las ideas que desarrollan los libros antes nombrados, ya que hacen un análisis de la fotografía a partir de la interpretación de la imagen a partir de la impresión y de cómo su falsa idea de realidad condiciona el actuar de las personas y las gobierna al momento de actuar. Susan Sontag en su libro “Sobre la fotografía” hace referencia a éste aspecto, pero una vez más a partir del la persona que mira las fotos, y comenta sobre como la constante exposición a los “acontecimientos” como los define ella, hace que pierdan su carácter de especiales y los convierten en algo ordinario logrando a largo plazo una esterilidad moral.<br /><br />Hablar de la caverna de Platón ya es un lugar común cuando hablamos de realidad en la fotografía y el hecho de que vivimos en una sociedad engañada ya no le sorprende a nadie. Ya muchos han sido los errores que se han cometido y que han salido a conocimiento de la opinión pública sobre grandes mentiras comunicacionales y también de algunas puestas en escena. Tenemos claros y recientes ejemplos con la guerra en Irak o con las intervenciones de Fidel Castro durante su período de convalecencia, el que aparecía en los medios hablando de su supuesta recuperación. Ésta evidente manipulación de la realidad es lograda a partir de diversos aspectos comunicacionales, y uno muy importante es en ellos es la fotografía ya que se presta para su manipulación por ser en un formato bidimensional, carente de tiempo y con los avances digitales altamente alterable.<br /><br />Presentar un respaldo fotográfico es suficiente para que la gente con menor instrucción en la lectura de imágenes, piense que la situación en la que se hizo la toma sea una instancia verdadera y esta sensación de realidad se acentúa aún más al momento de agregarle color y una gran definición a la imagen. Ya que sin estos dos elementos la foto a pesar de ser muy cercana a lo real y de cierta manera creíble e identificable, todavía carecería de elementos que la hicieran sentir verdadera, aún cuando las personas se quedan solo con el referente de la imagen.<br /><br />En esta era de la imagen, los medios nos hacen ver lo que quieren que creamos, depende de nosotros si creemos o no, pero lamentablemente nuestra capacidad de análisis se ha visto disminuido de gran manera debido al constante bombardeo de nuestros sentidos por largo tiempo, y a eso podemos sumar de la falta de instrucción en la lectura de imágenes, lo que desenlaza en una mínima capacidad de filtrar la información de que nos proveen y así poder llegar a quedarnos con lo que realmente es.<br /><br />Otra cosa que juega en contra de eso es el poco interés por descubrir mas allá, la cultura de masas no traspasa los límites de la visualidad y por ende hay una especie de estancamiento en el interés cultural de la gente. Un claro ejemplo es la sensación de inseguridad que tienen los ciudadanos de Estados Unidos en cualquier otro lugar que no sea su propio país. Al preguntarles sobre otras culturas se nota una clara falta de información, pensando que cualquier lugar fuera de su país es peligroso y está lleno de terroristas. Este hecho lamentablemente lo he podido comprobar y es un muy claro ejemplo de la influencia que ejercen los medios de comunicación sobre las masas.<br /><br />Por otro lado la fotografía hasta ahora se había encargado de seleccionar y fotografiar los aspectos ideales de la vida, es por eso que al momento de revisar las fotografías familiares solamente las fotos que responden a una estética adecuada socialmente son las que califican a entrar en el álbum fotográfico, las otras simplemente quedan guardadas y finalmente terminan perdidas. Ésta constante selección del recuerdo, lo que va a trascender después de la existencia del sujeto fotografiado va a ser una mera idea de lo que realmente fue y la idea del<br /><br />La idea de la imagen perfecta, es un concepto muy presente desde el inicio de la fotografía, e incluso ahora los más ortodoxos la buscan de cierta manera, buscando una perfección casi griega de una proporción del cuerpo que no existe. Es ésta una concepción muy popular en la fotografía del ideal del retratado, la fotografía de lo bueno, en síntesis, la búsqueda de lo bello.<br /><br />Flusser hace mención en su libro sobre La reproductibilidad de la imagen, y como la imagen se ve afectada por el hecho de sea repetida tantas veces hace que pierda su espíritu. La imagen conectada con el sujeto.<br /><br />Introducción al Fotoperiodismo<br /><br /><br />Al hablar de fotoperiodismo, nos vamos casi al origen de la foto 1855 la guerra de Crimea 1861 guerra civil en estados unidos. El fotoperiodismo en sus inicios mostraba una realidad mas amable y bastante menos comprometedora de lo que tenemos hoy en día. De hecho tenía una función casi decorativa, y no fue hasta alrededor de los años 30 donde comienza a tener un peso real y a ser considerada seriamente como un documento social <a title="" style="mso-footnote-id: ftn1" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn1" name="_ftnref1">[1]</a>. La foto periodística es una manera de crear una opinión en el público, pero como es de suponer resulta ser un arma de doble filo, porque como ya sabemos no muestra lo que realmente está pasando, sino mas bien muestra una pequeña fracción de una realidad objetiva censurada por el mismo fotógrafo, censurada por el medio de prensa y en casos mas extremos por el gobierno. Y por ende el resultado final de lo que obtenemos después de todos esos filtros es una opinión pública confundida y con una opinión inducida. Sin embargo, tenemos una serie de fotos que son parte del imaginario, las que han sido las impulsoras de un fotoperiodismo más crítico y denunciante, tales son los ejemplos de una niña corriendo desnuda por una calle de un pueblo que había sido rociado con Napalm, o la de un protestante que se enfrenta a un convoy de tanques. Éstas son fotos que llaman al público a hacer algo, a movilizarse y al mismo tiempo son una motivación para las personas que tienen vocación social y las lleva a masificar la información clara y honesta, para así ponerla a disposición de cualquier persona que lo requiera.<br /><br />Toda esta desinformación tiene directa relación con el momento político que se esté viviendo, además de la postura política del fotógrafo. Muchos son los ejemplos de la influencia que el fotoperiodismo ha ejercido históricamente como las guerras sin sangre que querían mostrar los medios de prensa antes de la guerra de Vietnam.<br /><br />Relación entre fotoperiodismo y otros tipos de fotografía<br /><br />Hasta ahora el relato ha tenido una tendencia muy marcada hacia la fotografía de eventos que se podrían catalogar de contingencia social, pero me gustaría también incluir las otras áreas de la fotografía como son el retrato, la fotografía de modas o publicitaria y encontrar el punto en el que todas estas dimensiones de la fotografía convergen. Pero ¿qué relación tendrán los conflictos bélicos o los embates de la naturaleza con una modelo en la comodidad y seguridad de un estudio en una capital y a su vez con un anillo de oro puesto sobre una mesa en un estudio?<br /><br />Muchos pensaran que no hay relación más que el uso de una herramienta común, la cámara fotográfica. Pero más allá de eso, la observación, las ganas de transmitir con una estética particular a cada fotógrafo y la comprensión del objeto a fotografiar, lograr interpretarlo de una manera adecuada, y ser lo suficientemente capaz de entregar las claves necesarias dentro de la composición para que el observador pueda desentrañar el mensaje de la imagen, de haber uno, son razones que son aplicables a todo tipo de fotografía y a todos los fotógrafos de un cierto modo.<br /><br />La observación es fundamental en esta escritura con luz sobre el soporte fotosensible ya que necesitamos entender como funciona la luz, esperar el momento indicado para los fotoperiodistas o disponer el foco de luz en el lugar indicado para un fotógrafo de estudio, para asi lograr los espacios sin luz necesarios para componer, como en el lenguaje hablado, donde gracias al silencio podemos apreciar los sonidos, el no uso de la luz algunas veces es lo que enriquece a la fotografía, ya que neutraliza todo tipo de estímulo que no sea adecuado o pertinente para el resultado que se busca. Y vemos que en todos los estilos de fotografía es necesario meditar antes de fotografiar. Es necesario hacer el ejercicio de imaginar el objeto en dos dimensiones, con un cierto contraste, con o sin color y cierto tipo de iluminación específica.<br /><br />Como comenta J. Nachtwey en una entrevista donde habla sobre la fotografía autores como Joel Peter Witkin donde el tema central no es tan claro, después de mucho tiempo de no comprender de que se trataba realmente este trabajo, llega a la conclusión de que sí había una finalidad, si no social, sí de validación como persona y reconocimiento de la desgracia humana, en esa pseudo-belleza encuentra la vulnerabilidad del cuerpo también. Así mismo la fotografía de modas, nos enfrenta con los estereotipos y nos hace cuestionarnos sobre nosotros mismos, nos hace dudar de nuestra capacidad y nos pone en tela de juicio por pertenecer o no a los estándares de belleza definidos por la sociedad.<br /><br />Según Nachtwey, su obra no pretende más que ser un medio, no el fin. Él solo representaría la parte del “mensajero” del momento que se está viviendo por medio de la fotografía, y que el lado estético de la imagen pierde la prioridad ante la situación a la que está enfrentado. La verdad para mí eso es un poco difícil de creer, ya que detrás de toda esa liviandad con la que se presenta hay una extrema rigurosidad al momento de llevarse a cabo y a su vez claridad de lo que se busca. Y en realidad la mayoría de las áreas de la fotografía requieren esta rigurosidad para poder lograr a ser de calidad y no creo que el ego de un fotógrafo quede fuera, sea cual sea el estilo de foto que esté haciendo. Por lo tanto se me hace difícil pensar en que el fotógrafo sea un mero facilitador de una realidad que se presenta en el cotidiano y que se despoje de cualquier grado de egoísmo.<br /><br />La experiencia desde el acto de fotografiar<br /><br /><br />Como el cazador que sale a cazar su presa, esa es la clásica analogía que se hace del fotógrafo que va a buscar nuevas imágenes y tanto el cazador como el fotógrafo vuelven después de una jornada con un número de historias que contar sobre su travesía, sin necesariamente haber cazado algo para el final del día. Y es este enriquecimiento constante el que lo lleva a seguir saliendo, siempre aprendiendo nuevas técnicas de caza, aprehendidas del ensayo y el error. El fotógrafo, como Picasso -“no busca, encuentra”- ya que fotografiar se convierte de cierta manera en una manera de vivir. El fotógrafo está sacando fotos constantemente tenga o no una cámara, ya que las situaciones fotografiables se presentan en cualquier momento y lugar. Es por esa razón que creo el fotógrafo está en un constante descubrir aún cuando no lo quiera. Después de estar en este estado por un tiempo, la capacidad de enfocarse en los detalles va aumentando y con esto la especialización y agudización de los sentidos. Ésta especialización a mi parecer se puede ir en dos direcciones distintas, la primera y la menos atractiva en mi opinión, es la tendencia a dar el gusto a la opinión pública, es decir, independientemente del discurso que ésta producción fotográfica profese, su intención final es la de complacer al espectador con una propuesta oportuna y contingente, la que no necesariamente represente algún ideal o pensamiento de parte del autor. Por otro lado, y la dirección que encuentro más interesante, es la del descubridor del lenguaje que le permita expresar opinión, o por qué no, que le permita pronunciarse desde su interior, con un compromiso real por los acontecimientos, independientemente del enfoque que tenga, ya sea revolucionario o conservador, porque esa es la forma que se tiene para poder obtener los matices que conforman una sociedad sana.<br /><br />La capacidad de manejar el lenguaje, es una de las cosas más apasionantes de fotografiar, la posibilidad que la fotografía da de sacar lo que hay dentro. Poder expresar un sentimiento, utilizando terceras personas, haciendo más fácil la crítica y el reconocimiento de las falencias a las que queremos combatir por medio de la fotografía ya que es una forma mucho más simple de proyectar el mundo personal sobre el otro. De aquí surge la problemática ética de la exposición de las vidas ajenas y la de utilizar esto como un medio de expresión personal y para lograr reconocimiento también ante sus pares. (invasión por la fotografía)<br /><br />El fotógrafo al momento de salir a caminar con su cámara, sale a juzgar sus principios ya que el estar cargado de prejuicios le resulta un factor limitante al momento de sacar fotografías y se hace necesario despojarse de ellos para poder lograr un trabajo efectivo. Gracias a este abandono de subjetividades y el enfrentamiento a los prejuicios el fotógrafo logra dilucidar si sus prejuicios responden a la realidad o no. Por ende sale a corroborar o refutar sus propias ideas, gracias a la suma de la observación y la reflexión, pudiendo volcar estas nuevas conclusiones en las decisiones que toma al momento de hacer la toma.<br />Así mismo, con esta constante búsqueda de cosas nuevas, el fotógrafo nos enfrenta a cosas que son chocantes moralmente y requiere de la claridad de suficiente para discernir cuando su intervención física en un evento se hace más valiosa que su intervención por medio de la fotografía. Normalmente después de hacer una foto, no el fotógrafo no sale caminando sin preocuparse de qué pasa con los demás, ve el antes y el después, tiene la ventaja sobre la fotografía misma, porque sabe la historia completa y por lo tanto tiene la tranquilidad de saber que alguien está haciendo algo al respecto. Gente especializada mucho más capaz de ayudar que él mismo. Junto con esta importante decisión de ayudar o no, también hay otra determinación que hacer, y se trata de saber cuánto mostrar de la realidad, dónde está el límite entre lo amarillista y lo informativo bien intencionado y apegado a la realidad, ya que como se menciona, hay todo un tema en desarrollo sobre la sobre exposición de las imágenes de índole violenta, ya que no se sabe bien quien fija el límite, puede ser el editor quien dirige las imágenes a su gusto, o las personas del público que consumen las imágenes que a ellos les interesan nada mas, supeditando el trabajo del fotógrafo junto con sus imágenes (para poder mantener la competitividad y la vigencia) a el consumo del mercado aún cuando esta acción complaciente sea un acto inconsciente e involuntario. Otro factor importante a considerar en este punto es la constante transfiguración de los valores morales a gran escala, los valores siempre están mutando yendo y viniendo dentro de algunos límites más o menos establecidos dentro de una sociedad, por ejemplo en la sociedad chilena, que históricamente ha sido católica, los valores han ido variando y ese catolicismo se ha ido desvaneciendo cada vez más, dando lugar a nuevos valores de un nuevo culto, el capitalismo. Y en esta nueva realidad no católica, se permiten y buscan cosas que antes no eran ni apropiadas ni aceptadas y esto le da pié al fotógrafo a atreverse a explorar nuevos límites para la fotografía.<br /><br />¿Por qué la fotografía nos da toda esta experiencia? Quizás es porque para el fotógrafo es muy importante hacerse parte de la experiencia, para poder correr el velo que nos separa de las personas que están al otro lado del objetivo. Supongo que es porque el fotógrafo quiere descubrir que hay al otro lado, para satisfacer su curiosidad, también puede ser para llenar los vacíos que tiene en su propia vida. Por esto que el fotógrafo sale al mundo con su cámara, en busca de nuevas experiencias, y por el solo hecho de tener la cámara en su mano ya tiene dos cosas que le favorecen, la primera es que la cámara inviste de personalidad al fotógrafo, convirtiéndolo en una especie de celebridad, y la segunda por consecuencia de la primera, la gente abre las puertas a sus vidas a personas que tienen una cámara, depositando sus esperanzas en la posibilidad de que su realidad se haga visible y así poder llegar algún resultado que les sea favorable<a title="" style="mso-footnote-id: ftn2" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn2" name="_ftnref2">[2]</a>. Por lo tanto, la cámara resulta ser una especie de pasaporte con entrada casi ilimitada a las personas. Ésta idea de la fotografía como pasaporte es otro punto interesante en la progresión del viaje de un fotógrafo, ya que con éste pase el fotógrafo se ve con la posibilidad de dejarse llevar por los lugareños, aunque muchos no lo hacen, el que lo haga se va a encontrar con un entorno socialmente mucho más rico culturalmente y real<a title="" style="mso-footnote-id: ftn3" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn3" name="_ftnref3">[3]</a>.<br /><br />Al momento de darnos cuenta que la fotografía nos está mostrando nuevos mundos, tenemos la necesidad de capturar estos mundos como dice Sontag, de hacerlos nuestros y ponerlos en el bolsillo y con éste propósito viajamos a lugares remotos, tratando de ir lo más lejos posible buscando la novedad, que nos permita tener las fotos de las cosas más exóticas que podamos coleccionar, pero al momento de estar sacando las fotos, estamos concentrados en las fotos y no en el sujeto en sí, al final tenemos un viaje donde lo único que vimos fue un montón de buenas fotos y de lugares buenos para fotografiar, despreocupándonos de el lugar mismo. Y como resultado de este sistema lo único que obtenemos al final del día es una caja llena de papeles que nos hacen creer que tuvimos una gran experiencia en los lugares visitados. Y éste es un aspecto que marca la diferencia entre un fotógrafo profesional y un amateur, ya que en la fotografía profesional debe haber una reflexión pre y post toma. Un análisis de la situación y en muchos casos una documentación previa al acto de fotografiar.<br /><br />La capacidad de hilvanar un relato a partir de las imágenes es una destreza poco difundida en nuestra sociedad, y es una herramienta poderosa al ser utilizada de una manera correcta, ya sea por los de comunicación masivos como una manera de instrucción o de una manera clandestina para la propagación de ideas vetadas. Esta idea viene de hace muchos años, ya desde el origen de la escritura tenemos ejemplos de relatos por medio de imágenes, en Babilonia, Persia, Egipto, Europa medieval y América se encuentran muchos ejemplos de relatos por medio de imágenes y tenemos un ejemplo muy doméstico y cercano, la misma pasión de Cristo nos relata por medio de imágenes los acontecimientos que hasta el día de hoy se recuerdan y celebran. Y a pesar de la presencia constante del relato por medio de las imágenes todavía es algo que parece tan difícil y reservado para algunos pocos capaces de interpretar este lenguaje tan complejo. Éste concepto de la utilización de la imagen es lo que hace la diferencia también para un fotógrafo, ya que aprende a dar mensajes encriptados en códigos de alta complejidad (para un lector común) pudiendo difundir conceptos para algunos pocos. Y esto es algo que E. Smith ya conocía bien y practicaba, de hecho en una entrevista con Ken Kobre en la última entrevista de su vida dice:” la diferencia entre un portafolio y un ensayo fotográfico es la coherencia del relato”, refiriéndose con esto al potencial que logra una buena edición de fotografía comparado a un grupo de fotos unidas para armar algo que mostrar.<br /><br />Fotógrafos consagrados<br /><br />Hace un par de años en una charla que estaba dando Jean Marc Bouju sobre su trabajo en Afganistán una persona presente en la conferencia le pregunta sobre su sentimiento de empatía con la realidad que fotografiaba, y para mi sorpresa, Jean contesta sin mucho compromiso sobre el tema algo como- “si, este… bueno, me interesa, pero duermo toda la noche”- a pesar de no ser una cita textual, esto reflejó a mis ojos una especie de inmunización contra el pesar humano, y me marcó muy profundamente la capacidad de separar su vida personal de la vida profesional. Yo creo que esta fue la razón fundamental porque quise escribir sobre la experiencia de fotografiar, ya insensibilización sobre una cuestión bastante profunda como es el sufrimiento humano o quizás es que simplemente nunca fue un tema que le preocupara en serio, y llegó a él solo por responsabilidad laboral, porque en fotografía de prensa eso es una tónica que persiste. Luego de una conversación sobre el tema de la insensibilización surgió una segunda posibilidad además de la insensibilización y esta era la posibilidad de que el fotógrafo lograra agudizar sus sentidos en estas situaciones y en vez de perder la calma, logra controlar sus emociones de una manera que no afecte su trabajo. Bueno, claramente éste aspecto es fundamental y puede sonar de Perogrullo, pero más vale mencionarlo debido a que en ese momento de estrés el fotógrafo debe llegar a un punto de equilibrio donde la foto debiera desde el punto de vista estrictamente profesional, predominar ante la situación, ya que por el lado humano esta pseudo-norma no necesariamente es el ideal de la moral humana y es fácilmente reprensible incluso por parte de un fotógrafo, ya que en su esencia no pretende dañar a nada ni nadie.<br /><br />Muchos de los fotógrafos emblemáticos llegaron a la fotografía después de haber tenido otras actividades, no es raro encontrar a fotógrafos que han sido profesionales exitosos y al ver que su vida no estaba completa con su ritmo y estilo, deciden hacer algo que realmente les hiciera felices. Esto habla del fotógrafo, de alguien que es capaz de dejar comodidades de lado y arriesgarse, incluso hasta el nivel de arriesgar su vida, por perseguir algo que siente que es lo correcto. La desigualdad, la injusticia y por el otro lado la esperanza y el trabajo son los motores que mueven la vida de un fotógrafo de guerra o documentalista.<br /><br />Algunos referencias de fotógrafos con trayectoria son:<br /><br />Eugene Smith (1918-1978): Clásico fotoperiodista, uno de los mejores por su calidad técnica y su trabajo de laboratorio (según muchos fotógrafos), nació en Wichita, Kansas. Participó en 26 misiones de combate y 13 invasiones con el ejército estadounidense. Se caracterizó por conseguir las fotografías sin importar el riesgo que se corriera, de hecho tenía un lema que decía que “si la foto no es buena, es porque no se estaba lo suficientemente cerca”<a title="" style="mso-footnote-id: ftn4" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn4" name="_ftnref4">[4]</a>, además de eso, su pasión por la fotografía lo hizo perder prácticamente todo, dejando a su familia de lado y gastando todo lo que tenía en materiales para poder fotografiar, Smith intenta siempre desentrañar la historia y contarla de la manera más clara posible , su premisa más importante era la honestidad al momento de fotografiar y honestidad sobre todo consigo mismo.<br /><br /><br />Sebastiao Salgado (1944- ): Nace en Brasil. Economista de profesión descubre la fotografía cuando estaba trabajando para el Banco Mundial. Cansado de ver las injusticias y diferencias que azotaban al mundo y con esa realidad tan cercana a él en los campos y minas de Brasil, comienza a retratar a las personas que viven en bajo el yugo de las diferencias económicas básicamente. Ha retratado realidades alrededor de todo el mundo, destacándose sus trabajos en India, Afganistán, Brasil y muchos otros alrededor de África. Su intención con la foto no es cambiar el mundo, sino mas bien, mostrar al mundo lo que está pasando en otros lugares, para así dejar un legado para el futuro, y con esto evitar que esto vuelva a ocurrir. Salgado tiene muchos detractores, ya que es considerado un esteticista de la desgracias, y con esto sacar provecho de situaciones atractivas fotográficamente hablando. He aquí la cuestión moral involucrada una vez más contrastada con la creación del artista.<br /><br />James Nachtwey (1948- ): Fotoperiodista desde 1981, con un estilo muy personal de fotografía, debido a su facilidad de desaparecer entre la gente logrando así una intimidad única en su manera de fotografiar. Aún cuando Nachtwey no habla otro idioma más que inglés, logra abrir un portal social e introducirse al mundo de los otros. Ha sido herido en varias ocasiones y padecido de enfermedades propias de los países en los que se encuentra. Esto le ha dado una visión global de las penurias que azotan y de ahí una opinión y motivación para continuar denunciando arriesgando incluso la vida. En una entrevista con Dena Cowan para la revista “Vía Carla” la periodista pregunta sobre el límite de su fotografía, refiriéndose a la invasión de la vida privada de los fotografiados y a ofender a los espectadores con imágenes tan crueles y su respuesta fue :” Creo que la gente se debe ofender con el genocidio. Se debe ofender con la limpieza étnica. Se debe ofender con el hambre. Mi trabajo no es hacer que esas cosas sean cómodas o fácilmente digeribles. Mi trabajo no es hacer sentir cómoda a la gente con estas cosas, ni entretenerles. Mi trabajo es concienciar a la gente del hecho de que son crímenes contra la humanidad”<a title="" style="mso-footnote-id: ftn5" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn5" name="_ftnref5">[5]</a><br /><br />Tomás Munita (1975- ): Fotoperiodista joven, nació en Chile. Su trabajo se caracteriza por la inmersión en sociedades y la práctica de sus tradiciones y cultura. Ejemplos de esto se encuentran en su trabajo con los nómades en el Himalaya o en su trabajo en Bolivia, el que duró varios años y varios viajes donde consiguió un nivel de intimidad con los fotografiados casi familiar. Munita intenta por medio de su fotografía de mostrar la vida tal cual es, con un gran número de fotos de situaciones cotidianas es capaz de reflejar la situación del lugar, prestando gran atención a la parte estética, especialmente al uso de la luz y a su relación con la situación fotografiada. Muy por el contrario de sus pares quienes en muchas ocasiones sus fotos más celebradas están marcadas por imágenes bastante explícitas.<br /><br /><br />Kim Manresa (1961- ): Fotógrafo español, que tiene un carácter muy particular con su estilo, ya que no da tanta importancia a la calidad de la imagen (utiliza equipos baratos que regala al término de su trabajo). Manresa al igual que los otros fotógrafos espera al punto de ser uno más y dejar de ser un extraño en su entorno antes de comenzar a sacar fotografías, ha trabajado con grandes organizaciones no gubernamentales y la ONU. Enfocando su trabajo en un cien por ciento a la labor social, siendo coherente su manera de difusión.<br /><br /><a title="" style="mso-footnote-id: ftn1" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref1" name="_ftn1">[1]</a> Miami magazine, Fall 1998 www6.miami.edu/miami-magazine/<br /><a title="" style="mso-footnote-id: ftn2" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref2" name="_ftn2">[2]</a> James Nachtwey, War Photographer documentary<br /><a title="" style="mso-footnote-id: ftn3" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref3" name="_ftn3">[3]</a> Tomás Munita<br /><a title="" style="mso-footnote-id: ftn4" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref4" name="_ftn4">[4]</a> Documental “Let true be the predjudice” Dai Smith, BBC Wales<br /><a title="" style="mso-footnote-id: ftn5" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref5" name="_ftn5">[5]</a> www.enfocarte.com<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-7977022302759493873?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Max Alarconhttp://www.blogger.com/profile/09577719773778330832noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-6054823214498882042007-12-03T08:50:00.000-08:002007-12-03T08:58:04.954-08:00INDICE<br /><br />“El morbo, el erotismo y la transgresión”. Son los nuevos códigos en uso en el autorretrato fotográfico, que permiten entender un lenguaje visual dramático e inherente a la sociedad actual.<br /><br />1.- INTRODUCCIÓN<br /><br />2.- El AUTORRETRATO<br /> a) ¿Qué es el autorretrato?<br /> b) ¿Cuáles son las principales definiciones para autorretrato?<br /> c) ¿Cuál es la importancia del espejo, en el autorretrato?<br /><br />3.- EVOLUCIÓN HISTORICA DEL AUTORRETRATO EN LA PINTURA<br /> a) Manierismo<br /> b) Barroco<br /> c) Clacisismo y Neoclacisismo<br /> d) Romanticismo<br /> e) Impresionismo<br /> f) Expresionismo abstracto<br /> g) Cubismo<br /> h) Surrealismo<br /> I) Pop art<br /><br />4.- LA METAMORFOSIS DEL AUTORRETRATO:<br /><br />5.- LOS NUEVOS CODIGOS UTILIZADOS EN EL AUTORRETRATO FOTOGRAFICO:<br /> a) Morbo<br /> b) Erotismo<br /> c) Pornografía<br /> d) Fetichismo<br /> e) Sadismo<br /> f) Masoquismo<br />6.- EL AUTORRETRATO EN FOTOGRAFIA Y SUS EXPONENTES:<br /> a) Nan Goldin<br /> b) David Nebreda<br /> c) Orlan<br />d) Gottfried Helnwein<br />e) Arnulf Rainer<br />f) Ana Mendieta<br /><br />7.- DEVELANDO EL AUTORRETRATO:<br /><br />8.-CONCLUSIÓN:<br /><br /><br /><br /><br />1.- INTRODUCCIÓN<br /><br /> Desde hace siglos que el hombre primitivo da comienzo a pintar sus deseos e impresiones, plasmando su huella a través de la imagen, la cual denota y connota diversas interpretaciones y simbolismos inherentes a su visión de mundo. La fotografía como eje de representación se remonta a la pintura y tomando como punto de referencia el autorretrato, los autores contemporáneos han logrado reinterpretar el concepto de éste. Mostrando obras condicionadas y extravagantes, bajo distintas circunstancias socioculturales. Si bien en la época de la pintura el autorretrato buscaba representar la permanecía de la existencia o plasmar la identidad, como un legado a generaciones futuras o simplemente para la observancia del paso del tiempo. Sin embargo, la evolución de la fotografía relacionada con el autorretrato en un período social como el actual, donde se acrecienta el individualismo, cumple o busca cumplir otros fines que el autorretrato vinculado a la pintura. El autorretrato de hoy en día tiene como fin principal el ego en pos del liberalismo, lo morboso y el erotismo, ya que el sujeto mantiene una actitud vanidosa del “mírenme” que no se encuentra lejos del “ámenme”, y de paso evidencia un lenguaje innovador, transgresor y que no es posible dar definición o clasificación alguna entre los estilos del autorretrato ya conocidos bajo los términos de la estética de la pintura. Logro trascendente que ha permitido el fácil acceso a los medios técnicos fotográficos, si tomamos en cuenta la fotografía digítal.<br /> El presente trabajo es una ventana sobre la mutación que han sufrido tanto los valores del autorretrato, como también los medios técnicos, atendiendo a los valores del sujeto hacia la imagen, la vanidad, el ego, en definitiva la soledad del ser humano en la época de la hipercomunicación, donde hay un fácil acceso al consumo y medios, pero una intrigante barrera en la comunicación interpersonal. Si bien la imagen actual del autorretrato sustituye las normas pictóricas clásicas, el valor de ésta no carece de ideología. El morbo y el erotismo, son un nuevo código para entender el autorretrato en la fotografía contemporánea, ya que es en éste medio donde se logra hacer más explicito un nuevo lenguaje visual, que permite entender las peculiares ideas de sus exponentes. Ya que posiblemente con este aparato el fotógrafo, transformará en imágenes sus fantasías y pulsiones más íntimas y primitivas.<br /> El desnudo, el flagelo o el fetichismo son temas que pueden ser tratados solo con la crudeza realista de la fotografía, para que ojala ayuden a crear conciencia sobre la desvirtuada relación que se hace sobre el erotismo y la pornografía, sobre un autorretrato artístico y uno morboso. Así es como los autorretratistas tienen nuevas motivaciones, no es tan solo un pretexto o un soporte para la imaginación. Para nuevas metáforas el artista inflige transformaciones al rostro humano, convirtiéndose en nuevo elemento de experimentación, en donde el artista deja de lado su ego, hasta llegar a una obra acabada, donde él es el objeto cautivándonos por lo horroroso, lúdico o experimental de su obra. Alejándonos de la delicada pincelada minuciosa que es testimonio de la perfección del pintor detrás de su lienzo, que con estilo clásico toca, siente y plasma el débil reflejo que pasa delante de sus ojos.<br /><br /> 2<br />2.- El AUTORRETRATO<br /><br />a) ¿Qué es el autorretrato?<br /><br /> El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velásquez<br /> Un autorretrato en sí es como un poema en el cual no hay concesiones. Es el juego en donde uno lanza los dados a ganar. En donde uno va más allá de ser el número de una cédula de identidad. El autorretrato es un acto de reflexión. Autorretratarse es lo mismo que desnudarse.<br /><br />b) ¿Cuáles son las principales definiciones para autorretrato?<br /><br />-Obra visual donde el artista representa, traduce y recrea las características de su propio rostro.<br />-El autorretrato funciona como exaltación de la propia persona, para cumplir con el deseo de permanencia y memoria; su desarrollo se debe también a que, una vez afianzado el concepto de retratar personas, la propia cara es el modelo más cercano de un ideal.<br />-En literatura el término "retrato" se aplica a una descripción escrita o un análisis de una persona o cosa. Un retrato escrito a menudo da una visión profunda y ofrece una análisis que excede lo superficial.<br /><br />c) ¿Por qué el mito del espejo es sinónimo de identidad?<br /><br /> El espejo ha sido clave en esto del autorretrato, pues ha sido el objeto idóneo para ello. Verse en un espejo en sí es la manera más rápida de autorretratarse. Sirviendo también de apoyo para que al contemplarnos podamos repetirnos en el papel, la madera o la arcilla. El espejo fue clave en los autorretratos de Van Gogh. Eso que mueve al artista a retratarse a si mismo indudablemente está ligado a un acto “narcisista” típico, pero hay otros componentes igualmente importantes, de igual peso, para que esta motivación artística se lleve a cabo, quizás sea el de “echar mano” a lo que primero está a la mano. O sea “uno mismo”. El modelo más próximo, más inmediato, lo más familiar que uno tiene. Ese personaje al que nos enfrentamos todos los días “frente a frente”, “face to face” al espejo; con el que nos peinamos, nos cepillamos los dientes, nos afeitamos, nos hacemos el nudo de la corbata o nos pintamos los labios. Ese personaje que repite nuestros gestos y que hace vernos “adentro” más que “afuera”; para pasar a través del espejo cual Alicia en la historia de Lewis Caroll e identificarnos con el conejito “estresado” que nunca tiene tiempo y es esclavo del reloj.<br /><br />3<br /><br />3.-EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL AUTORRETRATO EN LA PINTURA<br /><br /> La idea de individuo fue llevada a Italia por artistas procedentes del Imperio Bizantino, desaparecido en 1453. El Autorretrato como género tiene sus raíces en el norte de Italia a finales del Renacimiento, con la aparición de nuevas técnicas pictóricas, como la pintura al óleo, la perspectiva y los avances en el campo de las ciencias naturales, época donde surgen los primeros retratos de la burguesía y de los altos poderes, las primeras biografías y donde la figura del artista adquiere peso individual y puede ser considerado como "genio".<br /> El autorretrato se presenta como un arte de la comparación, gracias a los estudios anatómicos de Leonardo da Vinci se entiende como un arte de la observación. Bajo la influencia de estas ciencias, el artista fijará su atención a la vez en sus rasgos, para subrayar la dimensión psicológica de su personalidad, bajo colores diluidos que darán el carácter a su obra, para observar el paso del tiempo sobre su rostro. El artista desea no sólo ser comprendido, sino también reconocido. En la pintura renacentista notamos que el motivo central y determinante del autorretrato es la mirada. El autorretrato consolida la presencia del artista en el seno de su obra y será su firma.<br /> El artista desea ante todo representarse de la forma más realista posible y fija su atención en el tratamiento del rostro. El arte italiano desplaza el eje del retrato de perfil, para situarlo en una posición girada tres cuartos y concentrar la fuerza, no ya en la majestuosidad de la cabeza, sino en la fuerza de la mirada. En este sentido es inevitable citar a Tiziano, que en su primer autorretrato (Autorretrato, Gemäldegalerie, Berlín) presenta su perfil derecho vuelto de tres cuartos (el lado derecho simboliza la fuerza y la rectitud) y en su segundo autorretrato (Autorretrato, Museo del Prado, Madrid) lo representa del lado izquierdo, que simboliza la muerte y la mirada hacia el pasado.<br /><br />a) El Manierismo:<br /><br /> Representa el conflicto entre el individuo y una tradición escolástica básicamente social y religiosa. Paralelamente, la invención del espejo hacia finales del siglo XV, ofrece nuevas posibilidades técnicas y pictóricas.<br /> Lo que nos interesa es la aparición de un nuevo tipo de autorretrato llamado in assistenza con los pintores italianos Vasari y Giotto en el siglo XIV. Con este ejercicio el artista se integra voluntariamente entre un grupo de personas, entre una muchedumbre, muy a menudo en escenas religiosas. <br /> El artista, no pudiendo abstraerse de la tradición figurativa medieval, en la que no ve más que un simple campo de representación, busca entonces manipular las reglas y los motivos tradicionales, descomponiendo en ocasiones la perspectiva generalmente admitida. Uno de los autorretratos más célebres del arte manierista es obra de Parmigianino (Autorretrato, 1524, Kunsthistorisches Museum, Viena), que representa su rostro deformado por un espejo convexo.<br /><br /><br /><br />4<br />b) El Barroco:<br /> Se inspira en gran parte en la pintura italiana Renacentista. Sin duda, la proclamación de la independencia de las Provincias Unidas (1581) favoreció la libertad intelectual y por lo tanto, el principio de la libre expresión del individuo. Serán numerosos los artistas que van a retratarse, entre ellos Adriaen van Ostade y Rembrandt, quien representa de forma excepcional este género en Holanda, surge la necesidad, para el artista, no sólo de reproducir una figura humana sino también de representar humores, actitudes intelectuales o morales. Aunque en un principio imita a Tiziano en su gusto por la narración figurativa, poco a poco se va decantando por autorretratos en los que, con un solo trazo, refleja su estado anímico. Para él, la emoción estética es reveladora de la personalidad. Rembrandt sitúa sus últimos autorretratos en su taller, delante de su caballete.”Cada vez el artista se pinta más en el lugar que mejor simboliza su profesión”, como lo testimonia la serie de cuadros que se conservan en el Museo del Louvre de París.<br /><br />c) Clasicismo y Neoclasicismo:<br /> La figura del artista en su taller va a servir de inspiración a numerosos pintores europeos, formados todos en la escuela italiana durante el periodo denominado clásico. La fabricación industrial de espejos que pueden reflejar la figura completa de una persona de pie, va a contribuir al desarrollo del autorretrato en el sentido de una mayor majestuosidad y complejidad. Los cuadros de Poussin fomentaron el gusto por las escenas teatrales, con fondos dispuestos como decorados, símbolo de su arte (Autorretrato, 1650, Museo del Louvre, París). A veces llevado por una constante búsqueda de la complejidad, el artista se pinta en su propio taller rodeado de retratos de otros artistas. Su postura se hace más compleja, se representa de pie o de espaldas con el rostro vuelto hacia el espectador, como en el autorretrato del pintor holandés David Bailly (1651, Museo de Lakenhal, Leiden).<br /> El auge de la Contrarreforma en Europa y la aparición de las identidades nacionales limitarán el desarrollo de este género. Blaise Pascal dirá: “El yo es detestable”. Ante estas nuevas presiones sociales los artistas europeos utilizarán otros recursos para justificar sus autorretratos. Bailly titulará el suyo Vanidad y Jean-Baptiste Simeon Chardin los disfrazará de naturalezas muertas.<br /><br />d) Romanticismo:<br /> Caracterizado por el tratamiento psicológico, elaborado del sujeto dividido y fascinado por la idea de lo morboso. El artista siente de forma aguda que su ser está dividido entre la expresión de la unidad de su yo (Eros) y el sentimiento de su separación (Tánatos). Busca, entonces, la experiencia límite radical donde la verdad total de su ser se expresa con una claridad evidente en medio de un universo de representación donde cada forma es la emanación natural del yo. Con el Romanticismo nace la idea del genio liberado y libre en su pintura.<br /><br /><br />5<br /> <br /> El pintor romántico Eugène Delacroix explica en un articulo sobre Thomas Lawrence publicado en 1829, que el retrato se convierte en un género secundario y lo defiende como verdadero testigo de la grandeza del artista. Sin embargo, la firma del artista en el arte figurativo representa también un acto de resistencia frente a las obligaciones públicas cada vez más fuertes. El autorretrato romántico conlleva estas dos tendencias: es la expresión de una tensión psicológica insostenible y, a la vez, la resistencia del individuo frente a un régimen que desea someterle. Elisabeth Vigée-Lebrun osará realizar el primer autorretrato femenino del arte figurativo en pleno siglo XIX francés (Autorretrato, 1820, Museo del Louvre). Estos artistas representan de forma excepcional el arte del autorretrato como acto de resistencia y como pintura social.<br /> En cuanto al autorretrato psicológico, el impactante Autorretrato a lápiz de Henry Fuseli (1777, National Portrait Gallery, Londres) ilustra la experiencia límite de un artista que expresa su angustia hasta el umbral de la pérdida total de su cohesión interior. El rostro reposa sobre sus manos inertes y la fuerza de la obra se concentra en una mirada hipnótica, casi de loco. Pero Francisco de Goya es el pintor que mejor sintetiza este arte de la experiencia interior en el extraordinario (Autorretrato 1815, Museo del Prado, Madrid), de una fascinante fuerza expresiva. El artista se representa en primer plano, vestido de castaño oscuro, mirando fijamente al espectador.<br /><br />e) Impresionismo:<br /><br /> Aprovechará la evolución del arte y el auge de los salones; los artistas de este movimiento rompen con el academicismo reinante y comienzan a trabajar los colores y a difuminar los contornos de las figuras.<br /> El tema de la luz pasa a un primer plano. Los tres autorretratos de Van Gogh expuestos en el Museo de Orsay en París (1887-1889) muestran un rostro que se integra progresivamente en una composición que juega con las diferentes gradaciones del azul. El autorretrato de Claude Monet, que parece una obra inacabada, une los amarillos de su barba con los rosas del rostro, dando la impresión de una composición en la que el sujeto parece desprenderse del cuadro (Autorretrato, 1917, Museo de Orsay, París). Las proporciones figurativas ya no tienen como finalidad la representación de lo real, sólo cuentan los colores y la luz, fin último del sentimiento estético impresionista.<br /> A comienzos del siglo XX el género del autorretrato va a verse afectado por la crisis espiritual de Occidente, originada, en gran medida, por las secuelas de la Revolución Industrial unidas a un rechazo del positivismo científico y a la toma de conciencia de los horrores de la I Guerra Mundial; todo ello da lugar a una representación del yo roto y segmentado. Así, el autorretrato de Raoul Hausmann (ABCD, 1923-1924, Museo Nacional de Arte Moderno, París) es uno de los primeros autorretratos contemporáneos que testimonian la utilización de la técnica del fotomontaje, de lo que resulta una representación de gran brillantez.<br /><br /><br />6<br /><br /> Paralelamente, el desarrollo de las tecnologías mediáticas (prensa y edición) supone, para un buen número de artistas, una mina inagotable para reinventar el arte pictórico: la serigrafía, el collage, la fotocomposición o el procedimiento del frottage (inventado por Max Ernst), entre otros, van a proporcionar al género una capacidad evocadora inesperada. Ernst en su autorretrato (The punching ball o La inmortalidad de Buonarotti, 1920, colección Arnold H. Crane, Chicago) utiliza el fotomontaje como fondo pictórico y después el collage para componer sus diferentes partes.<br /><br />f) Expresionismo abstracto:<br /><br /> Condicionará las formas del autorretrato después de la II Guerra Mundial, favorece la exteriorización de la personalidad del pintor, quien mantiene un sentimiento de angustia y de misticismo. Esta expresión, y ahí está su carácter a la vez personal y abstracto, deberá aislarse de las pasiones exteriores.<br /><br />g) El cubismo:<br /><br /> Los autorretratos de Pablo Picasso son estructurados bajo la técnica del punto de vista múltiple, predominando las formas geométricas bajo la ausencia de perspectiva.<br /><br />h) Surrealismo:<br /><br /> Con artistas como René Magritte, Joan Miró, Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, evolucionan a una metaforización de su figura culminando con nítidas imágenes que proceden de la realidad de los sueños, se aprecian ciertas as influencias del Bosco.<br /><br />i) Pop Art:<br /><br /> Movimiento artístico que nace a comienzos de la década de 1960, primero en Gran Bretaña y después en Estados Unidos, se distingue del expresionismo abstracto, ya que es el primer movimiento artístico que, para paliar el alejamiento de la realidad social del arte de la época, utiliza técnicas tomadas del marketing y de la publicidad para ofrecer un arte directo en el que casi siempre se representan objetos cotidianos y comerciales. El autorretrato se afirma como un arte en dos dimensiones en el que se neutraliza la intensidad de la mirada, como puede apreciarse en el autorretrato del pintor inglés Peter Blake (1961).<br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br />7<br />4.- LA METAMORFOSIS DEL AUTORRETRATO:<br /><br /> Ahora el género del autorretrato se desarrolla en la fotografía con los códigos de la pintura. Parte de la crítica lamenta este hecho, considerando que se otorga una preponderancia exagerada al yo del artista. Este género, en principio occidental, se ha extendido a otras culturas, como el norte de África, Europa del Este y recientemente Asia. El autorretrato del artista chino Lui Wei (El pintor y Hua Guofeng, 1991) evoca, de forma impactante, el análisis corporal y el expresionismo de Egon Schiele. Esta obra es sintomática de un nuevo interés hacia el cuerpo y de la importancia de la expresión individual en la cultura oriental contemporánea.<br /> Fijándonos en estas, el artista no se contenta con exponérnosla sino que incluye en ella el problema del punto de vista o sea la pregunta, ¿Quién es el narrador del cuadro? El artista es el único testigo omnisciente de lo que está ocurriendo en la escena. La mirada es el primer elemento que funciona como intermediario, mediador entre objeto de arte y espectador. Acercándonos a nuestra problemática ¿qué quiere mostrar la originalidad del auto representarse en la pintura?, podemos decir que una de las primeras imágenes que el artista elabora de él en la historia del arte es la de mediador. Se presenta como una instancia liberada de los dos mundos en el que se inserta, el mundo de la creación y el mundo exterior al espectáculo.<br /> Con la auto representación, la obra de arte sea un cuadro o no adquiere una dimensión muy simbólica ya que es el emblema del espacio de la creación artística y es el elemento con él que el creador intenta realizar la unión entre modelo real y reproducción de este modelo. En el Renacimiento, el artista busca "aristocratizar" su imagen, como Alberto Durero por ejemplo, añade ciertos objetos o atributos que le confieren fantasía al cuadro o al creador y que logran ennoblecer su arte y su estatuto. Además de los atributos que siguen siendo simbólicos todavía en la época moderna, el pintor menciona cada vez más el lugar de la creación, el estudio, que es tan simbólico como el pintor. En Flandes por ejemplo, en el siglo XVII se multiplican los autorretratos en los estudios como El pintor en el estudio de Johannes Vermeer de 1665-1666. El autorretrato con el caballete y la paleta aparece en Italia a mediados del siglo XVI como lo explica Joëlle Moulin. Chardin será uno de los primeros en evocar la intimidad del creador en su estudio por ejemplo en L'autoportrait dit "à l'abat-jour" de 1775. Más tarde, Courbet revelará con mucho realismo el mundo de su creación, en L'atelier du peintre, paradójicamente subtitulado Alegoría real de 1855.<br /> La noción de autorretrato evoluciona en el siglo XX y se orienta en torno a unas intenciones a veces opuestas. Primero la mirada del pintor es cada vez más intimista. Con el nuevo siglo el creador tiene una nueva independencia, se libera de las obligaciones académicas y, en ciertos casos y ciertas épocas, de apremios morales e ideológicos. Para que penetremos la intimidad de su creación, el artista introduce los instrumentos y atributos, abre las puertas de su estudio. El pintor suele también insertar elementos de su biografía en sus cuadros, por ejemplo, las relaciones de Picasso con los modelos femeninos, con las amantes, están transcritas en los cuadros. Por la pintura, y por la representación de las figuras conocemos las fases y la evolución del sentimiento amoroso.<br />8<br />Consideraremos que la trascripción de los estados de ánimo en la pintura, es una forma original de autorepresentación en la obra de algunos autores a analizar. La autorepresentación moderna va más allá del autorretrato tradicional. Es una confesión por la que el artista desvela cosas más íntimas de la vida de su creador, de su posición social, de sus ideales y de las relaciones entre el creador y sus modelos.<br /> Cuando se representa, el creador no se interroga sólo sobre su identidad sino también sobre la esencia de la pintura y sobre los límites de su libertad para crear. Es la segunda vía que los artistas toman en el siglo XX. Por medio de la pintura, el pintor transforma la visión que tiene de él, del mundo exterior y es lo que nos interesa más en el caso de Picasso de su propia creación. Evoluciona del interés casi único para el modelo hacia una preocupación mucho más conceptual del acto y del proceso de creación. La obra ya no importa en tanto que objeto sino como acto. No importa el cuadro como objeto terminado sino, como capacidad de un artista para crear y para explorar las posibilidades del arte. El artista es su propio modelo, pero el verdadero modelo no es el hombre sino el pintor, que sea in actu o con sus atributos. Es por eso por lo que las relaciones entre artista y modelo se modifican. El artista puede liberarse de su imaginación; porque ahora no tiene obligaciones artísticas, plásticas ni morales. Consideramos que a partir de este momento se puede hablar de autorepresentación. Rompe con la ficción y se otorga toda una serie de transgresiones con respecto a la realidad del sujeto que es también modelo. En aquella etapa, el pintor se apropia del tema para mejor transfigurarlo, y sobre todo, para liberarse de él. No se somete a ninguna regla sino que, al inverso, somete el mundo, los temas y modelos a sus exigencias artísticas.<br /> Para Joëlle Moulin, el autorretrato en el siglo XX es la identificación suprema del artista con su arte, reflejo a la vez de sus aspiraciones personales y estéticas.<br /> Surge entonces la tercera dimensión del autorretrato moderno, la metamorfosis; o mejor dicho, el reflejo en el arte de la nueva visión del hombre moderno en permanente evolución. Por metamorfosis se entiende el conjunto de transformaciones morfológicas que el artista experimenta en la figura humana, y en su propio rostro en el caso de la autorepresentación. En varias producciones artísticas modernas y contemporáneas, es como si el artista confundiera voluntariamente el referente, el tema, el objeto de arte y el modelo. Conviene, pues, el término de autorepresentación para designar los cuadros en los que un artista da ver su imagen.<br /> Hasta finales del siglo XV estaba proscrito o sometido a un control regulado. En ningún caso podía ser incluido en una composición artística importante, sino que debía servir para ilustrar una escena narrativa, a menudo religiosa. Durero utilizó la representación convencional de Cristo para realizar su autorretrato (1500, Pinacoteca de Munich). Un siglo más tarde, Velázquez siguió esta costumbre en el cuadro Adoración de los Reyes Magos (1619, Museo del Prado, Madrid), donde aparece representado en la figura del rey mozo. En las prácticas visuales contemporáneas, principalmente desde los Noventa, sucede una recuperación del cuerpo y la identidad marcada por un asalto a la representación misma y, al mismo tiempo, el retrato experimentaba una revitalización cuando ya se le consideraba extinto.<br /><br />9<br />Se advierte la atención que este género recibe por parte de los artistas, retando las condiciones miméticas clásicas de representación, extendiéndose esta actitud a la práctica del autorretrato.<br /><br /> El rostro humano es uno de los principales objetos de estudio del arte. En un retrato, el rostro no es sólo modelo sino también una instancia única y singular a la que el artista intenta dar vida en un cuadro o en cualquier realización plástica. El retrato, que hemos considerado como el género artístico por esencia y el más estable, tiene una significación múltiple ya que la noción de retrato y sus funciones han evolucionado según los tiempos, los estilos y las civilizaciones. En los primeros tiempos del arte, el retrato corresponde a una voluntad individual de representar a alguien sea por motivos morales, afectivos, religiosos o poéticos, sacralizando la imagen representada. Debía conmemorar a una persona y esta función condiciona la estrecha relación entre muerte y retrato que veremos también en el autorretrato tradicional de. Pintar a alguien o pintarse a uno mismo es como convertir la figura humana en ídolo para que acceda a la eternidad.<br /><br /> Hasta el siglo XIX, un retrato tiene que ser algo "parecido" que transcribe a la vez las identidades físicas y psicológicas de sus modelos. La única trasgresión que se podía aceptar era la idealización o el embellecimiento de la figura. A partir del siglo XVII cambia y más cuando aparece la fotografía. <br /> Para acercarnos a la obra fotográfica y entender su dialéctica, comenzaremos por entender términos que influyen de alguna manera en el autorretrato.<br />4.- LOS NUEVOS CODIGOS UTILIZADOS EN EL AUTORRTERATO FOTOGRAFICO<br /> a) Morbo: obsesión del hombre por buscar el placer y deleitarse en sentimientos desagradables o escenas crueles y atroces. Está sicopatología se transforma en un interés enfermizo hacia las personas y cosas. También el morbo sirve para hablar del atractivo erótico y como este ideal ha sido modificado en el tiempo. Lo que cambió no es la palabra morbo, sino lo que consideramos qué es morbo, ya que si dejásemos de considerar prohibida o incorrecta alguna conducta social, lo morboso de aquella quizá mañana se transformará en placer logrando ser un morbo positivo. La cuestión es que no se considera negativo lo que es incorrecto. Quizá lo que ha cambiado no es la sexualidad o el interés por la intimidad de los demás, sino nuestra relación con lo prohibido. Hay otros tipos de morbo y esto implica también otros tipos de enfermedades que afectan la moral y el espíritu, como el interés inmoral por personas o cosas. La ambición y el exceso son otro ejemplo de morbo o la desmedida intención de ver sucesos extravagantes o contrarios a las buenas costumbres. Es frecuente escuchar: “esa persona siempre ve las cosas con morbo enfermizo”. Aquellos son personas con problemas psicológicos, inmorales y dominados por la curiosidad.<br />10<br /><br /> b) Erotismo: Erotismo viene de Eros, Dios del amor en la mitología griega, marcando la diferencia con la actividad sexual de reproducción, que se encuentra presente tanto en el hombre como en el animal y que sólo el primero logra sumarle una capacidad que es la de su potencial actividad erótica y amorosa, no tan solo por el fin reproductivo, sino que la clave es que permite la continuidad del ser humano, al poner en juego seres discontinuos. Cada ser es distinto de los demás, cada uno de los reproducidos es distinto entre ellos, como también lo son de sus progenitores, sólo el nace, sólo el muere. Entre un ser y otro ser hay una discontinuidad, este abismo puede fascinarnos, en cierto sentido la muerte es vertiginosa. Nosotros que somos seres discontinuos, individuos que morimos aisladamente en una aventura ininteligible, pero tenemos la nostalgia de la continuidad perdida, la muerte tiene el sentido de la continuidad del ser, esta búsqueda está estrechamente ligada al erotismo de los cuerpos, como también al erotismo de lo corazones y al erotismo sagrado, ya que en aquellas tres lo que está siempre en cuestión es sustituir el aislamiento del ser, su discontinuidad, por un sentimiento de continuidad profunda. Cuando se habla de erotismo quiere hacerse referencia más bien a una exaltación de la dimensión física o sensual del amor y del cuerpo humano, como si el hombre fuese la propia obra de arte.<br /> El placer forma parte de los derechos sexuales y se considera fuente de bienestar físico, psicológico, intelectual y espiritual. La mujer fue históricamente postergada en el aspecto del goce y el erotismo. Es mucho el terreno que le queda por ganar, aunque ha habido avances significativos en los últimos años en la liberación de los diversos grupos o tribus urbanas que imponen su propia visión de lo erótico, ya sea por resaltar sus rasgos físicos con sus vestimentas o por seguir determinada conducta social, siguiendo los parámetros del estereotipo creado por una ideología publicitaria o personal, ya sea Funky, Reggae, Gor, todos son seres eróticos. Además, se reconoció que el erotismo es diferente en cada mujer y que el cerebro es el principal órgano del placer, ya que se encarga de procesar los estímulos que provienen tanto del cuerpo como de la mente.<br /> En esta dinámica del deseo y del placer, la irrupción libidinal desconcierta el espíritu, modifica estados de conciencia y provoca esa bella confusión que deja el tiempo detenido para arribar al éxtasis que conduce al ser, en cuerpo y vivencias, a las puertas del vértigo del anudamiento del ello y del super-yo bajo la explosión del placer. Diremos que el erotismo es desarrollar la pasión, también la memoria arquetipal y el imaginario sobre un momento de deleite corporal. Nietzsche nos dijo: “Con el placer como hilo conductor, el hombre deja de ser un artista siendo él mismo la obra de Arte”. Vemos, detrás de ello, que los amantes eróticos son artistas que esculpen en el placer del deseo. Cabe puntualizar que en lo erótico nos encontramos en la orilla contraria de la perversión, esta al estar ligada a la represión, crea obscenidad y tiende a negar la vida, mientras que el erotismo es alzamiento del deseo y de la libertad.<br /><br />11<br /><br /> En el curso de las distintas épocas, desde la antigüedad y sobre todo, en la gran época del arte clásico griego existen obras de arte cuyo tema es el cuerpo humano en su desnudez; su contemplación nos centra en cierto modo, en la verdad total del hombre, en la dignidad y belleza. Estas obras tienen en sí, como escondido, un elemento de sublimación, que conduce al espectador, a través del cuerpo, a todo el misterio personal del hombre.<br /> El arte erótico se distingue de la pornografía al menos de dos modos. Primero, la pornografía carece de toda intención artística. Segundo, su objetivo principal no es sólo estimular sexualmente al lector, sino degradar, dominar y despersonalizar haciendo del hombre un objeto. El desnudo cuando es artístico es hermoso e incluso cuando es muy hermoso nos conmueve, ya que es un elemento de sublimación.<br /><br /> c) Pornografía: Es una expresión más de la explotación de las mujeres como objetos de uso por parte de los varones. Para los consumidores las imágenes pornográficas son un sustituto audiovisual de la prostitución, más higiénico y económico. A su vez, la prostitución es un sucedáneo, un sustituto degradado, irresponsable y pasajero, de la genuina comunicación amorosa humana. Mientras que la pornografía no sería otra cosa que el erotismo degradado para consumo de los incultos, pobres, o viciosos. La mujer como reliquia o trofeo de guerra era lo primero que robaban los invasores cuando destruían una ciudad, siempre la mujer fue tratada como mercancía, ahora tiene nuevos beneficios pero es sometida para el deseo de satisfacer.<br /><br />"Todo el propósito de la pornografía es hacer daño a las mujeres"<br /><br /> d) Fetichismo: en antropología, devoción hacia los objetos; en psicología, devoción hacia el deseo. Este término deriva de Fetiche (del portugués fetiço: hechizo) A este objeto fetiche, se le atribuían propiedades mágicas a objetos animados o inanimados ya sean derivados de un dios o de determinada persona. En el área sexual el fetiche es algo que se necesita de la compañera para alcanzar el goce sexual y nos habla de la vinculación erótica con un objeto inanimado o una parte del ser amado: sostenes, medias, los pies, tobillos. El fetichismo se encuentra dentro de la categoría de parafilias, ubicada a su vez dentro de la categorización mayor de trastornos sexuales y de la identidad sexual.<br /> Esta patología se define como fantasías sexuales recurrentes y altamente excitantes, impulsos sexuales o comportamientos ligados al uso de objetos. Los antecedentes indican que estas fantasías sexuales provocan malestar significativo o un deterioro social, laboral o de otras áreas de la actividad del individuo.<br /> Sigmund Freud nos habla en estos casos de "una sustitución inapropiada del objeto sexual donde la meta normal está reemplazada por algo que guarda relación con ella o también es la derivación, hacia objetos o partes del cuerpo, de la libido; de tal manera que la vista o una simple imagen real o mental de esa parte del cuerpo provoque en el fetichista un deseo sexual.<br /> El manual indica que estas fantasías e impulsos sexuales provocan un malestar clínicamente significativo o un deterioro social, laboral o de otras áreas de la actividad del individuo.<br />12<br /><br />Diferencia también al fetichismo del fetichismo travestista, cuando se trata de que el individuo masculino se vista con ropas femeninas. También es un objeto fetiche el aparato diseñado con el propósito de estimular los genitales como un vibrador.<br /> e) Sadismo: Consiste en sobrepasar lo prohibido causando dolor y sufrimiento a la persona que se posee. Es una forma de obtener excitación y placer sexual haciendo daño, causando dolor o humillación a la pareja. El término deriva del conde Donatien Alphonse François, (1740-1815), mas conocido como el Marques de Sade de nacionalidad francesa. Este conde estuvo preso durante 27 años por cometer crímenes sexuales y durante este tiempo fue autor de explicitas descripciones literarias de crueldad sexual. Su obra es el fiel reflejo de la rebelión del hombre contra la sociedad de su época, la cual fue censurada durante años. Muchas personas con estas tendencias sexuales tienen antecedentes de trastornos mentales causados por haber sufrido abusos sexuales o alteraciones hormonales. Las formas más evidentes de una persona sádica son sus actos de violación o querer hacer sangrar a la persona que humilla llegando incluso al punto sin retorno del asesinato por lujuria y mutilación.<br /> f) Masoquismo: La palabra proviene del apellido del novelista austriaco Leopold von Sacher-Masoch (1836-1895), quien describió en sus obras varios personajes que obtenían satisfacción sexual al ser azotados. Es la tendencia por la que una persona disfruta al sentir dolor, o al imaginar que lo siente; acción por la cual obtiene o siente que obtiene algún tipo de retribución al provocarse dolor o al someterse dentro de una situación que le provoque dolor. Es la obtención de placer sexual que obtiene un individuo al ser dañado físicamente, amenazado o sometido a distintos tipos de abusos. En un sentido extendido se puede considerar como masoquismo también el disfrutar con la humillación, o el que se lo provoca voluntariamente al darle un sentido positivo o negativo al dolor.<br />5.- EL AUTORRETRATO EN FOTOGRAFÍA<br /><br /> a) Nan Goldin: Nació en 1953 en una familia de origen judío en Washington EE.UU. destacándose en los años 70 y 80 por su fotografía documental en la escena underground de Nueva York. Entra en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. A los 15 años tiene su primer contacto con la fotografía. Mantiene contacto con la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales. Abandona Boston y se establece en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topa con el estallido del punk. En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad.<br /><br />13<br /><br />Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces vive entre la capital alemana y París. <br /> Los autorretratos de goldin muestran su realidad, siendo victima de maltrato se decide exponer. Su verdad dramática impactará a la sociedad no tan solo por sus crudas imágenes, sino que también por los retratos que hizo de sus amigos.<br /> En sus autorretratos y retratos muestra a las víctimas ajenas de la sociedad. Un mundo donde travestis y mujeres son pasados a llevar, siendo ellos maltratados y odiados por todos. En su obra siempre trata de buscar la forma de anexar estas nuevas culturas y de no separar a la sociedad en grupos. Era necesario que la fotografía de una mujer se enfrentara directamente a acercar los tabúes, ya que el odioso hombre se encontraba haciendo de las suyas, sin la fotografía o la comunicación de masas jamás se sabría que sucede con la justicia cuando no se aplica. Temas como estos han sido alguna vez noticia, es porque todavía tenemos una misión por delante, la de aceptar y ser tolerantes con la diversidad. La fotografía desde que se hace masiva busca graficar a aquellos que la sociedad ha vetado o que jamás la escritura le permitió un espacio dentro de su virtualidad, por esto Goldin toma su propia figura, diciendo miren, este es el maltrato de un hombre. Este tema llega a todo aquel que no trata a la mujer, como una flor, débil y bella. En la sociedad todavía es aplicable el término pre-histórico al hombre. Siempre en toda la historia de las políticas sociales la mujer se le deja fuera y excluida como un ser aparte. Goldin intenta grabarnos en la mente que cosas como estas no deberían suceder dos veces. Jamás la mujer había tenido tanta atención y espero que llegue a obtener mayor predomino que el hombre. La absoluta sinceridad de mostrar su mundo es lo que nos cautiva, ya que pocas mujeres se atreven a mostrar su herida, aquella herida que nunca cicatriza. Su autorretrato es por todas las mujeres que desde hace siglos han sido manipuladas por el comercio.<br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br />14<br /><br /><br /> b) David Nebreda: Nació en 1952 en Madrid, España. Enfermo de esquizofrenia paranoide desde que tenia 19 años, no toma medicación y su única terapia la constituyen sus propias fotografías, licenciado en arte El francés Léo Scheer se hizo editor precisamente para publicar la obra de este artista. Encerrado en su casa durante veinte años, sin mantener relación con ninguna otra persona y sufriendo ayunos severos que le han mantenido en un estado de máxima delgadez, Sin conceder entrevistas, ni ver la televisión ni leer ningún periódico La cámara fotográfica ha sido fiel testigo de las auto-torturas que ha llevado a cabo sobre su propio cuerpo de forma tan salvaje como ritual.<br /> En primer lugar, están sus autorretratos en blanco y negro realizados entre 1983 y 1989; en un segundo bloque se incluyen los realizados entre 1989 y 1990; en tercer lugar los que acabo en 1997 y, por último, los que desarrolló en 1999. A excepción de los primeros, todos los demás son en color.<br /> Obra saturada de un silencioso dolor. Las imágenes de amputaciones, flagelaciones y llagas de su cuerpo, realmente conducen a la reflexión. Una metáfora a un mundo tan solo estructurado por y para él. La fotografía logra una pequeña ventana para su desgarrador mundo. La auto-tortura como la propia eliminación es lo que Nebreda documenta en cada estado de creación. Creando escenarios nuevos con lo asqueroso como también con el masoquismo sobre un ser vivo que es él mismo, jugando simultáneamente con la estatización y la explicitación de lo siniestro. Trabajo que impacta a cualquier hombre y que simplemente busca relatar su cotidiano. Cuando uno intenta analizar su obra, es simplemente pura destrucción y muerte, yo creo que no hay mucho que decir, ya que su obra habla por si sola, no creo que quiera llamar la atención, mas bien se debe estar riendo porque él ha sobrepasado la etapa del pudor, esto sucede cuando se le pierde el sentido a la necesidad de la vida. Sus imágenes son de una premeditación extraña y compulsiva, la cual nos enseña que en cierta forma, los esquizofrénicos están conscientes. No creo que alguien totalmente loco pueda hacer imágenes tan fuertes en contenido simbólico y estructurar el encuadre de la obra bajo una minuciosa composición al estilo académico, en un trabajo muy serio. La textura de sus imágenes denota su mirada a la estética Barroca, por la forma de utilizar el claroscuro para representar el drama necesario de su devoción, para la confección de su propio ídolo. La metáfora denotada de la obra hace que su exacerbado morbo llegue a ocupar un lugar solo hasta hoy reservado para lo bello, el salón. La obra muestra un ritual de sanación, en la que deja claro que cada uno debe buscar la forma de dejar todo lo malo acá en la tierra.<br /><br /><br /><br />15<br /> c) Orlan: Nació el 30 de mayo de 1947 en Saint- Etienne, (Loire) Francia, alarmante y polémica, desde 1983 reside y trabaja en Paris. Se ha dado a conocer internacionalmente gracias a su extremismo a la hora de llevar a cabo sus "perfomances", y que la han llevado al protagonismo vanguardista dentro de los artistas contemporáneos del post-arte-orgánico.<br /> Su trayectoria artística comenzó en 1964 con algunas operaciones estéticas de estilo bizzare. La primera grabación en video de una de sus operaciones quirúrgicas la efectúa en Lyon en 1978. A partir de mayo de 1990 la serie de operaciones quirúrgicas a la que es sometida, como parte del arte que defiende y de la transformación de su cuerpo, pasan a recopilarse bajo el titulo de "la Reencarnación de Santa Orlan", bajo el propósito de pasar a formar parte de modelos clásicos de la belleza como el caso de Venus, Monna Lisa. Dejando en jaque la belleza idealizada.<br /> Utilizando la tecnología médica, mezcla lo sádico con el teatro como un nuevo entretenimiento para la comunicación en masa, persigue su desafío que consiste en trabajar sobre el concepto tradicional de la belleza y el concepto occidental de la identidad". El 21 de noviembre de 1993 en Nueva York tuvo lugar su séptima operación quirúrgica en la cual se implantó dos sistemas de silicona a cada lado de la frente a modo de pequeños bultos. Tener en 1978 su primer performance quirúrgico, grabado y publicitado al mundo es algo tan extravagante, no sé si será por conseguir dinero, pero el deseo del hombre lleva hacer cosas más absurdas que esta. <br /> Acá el dolor o la mutación como sanación es extraña, determinando un simbolismo desquiciado que permite una nueva forma de ser espectadores de un acto, similar al ritual, en el cual todos se aprestan a ver como torturan o crucifican a un hombre. A través de este uso descontextualizado de la cirugía plástica denuncia la presión social ejercida sobre el cuerpo femenino, como objeto en este caso por lucrar con la belleza y hacer reflexionar sobre los estereotipos del canon occidental, donde lo real se transforma en apariencia o ficción y en un objeto de placer. La mujer manipulada por su propia intención. Nada de lo que hace Orlan es gratis, para acaparar mas dinero o mas publicidad se mutila, juega con lo real logrando seducir con lo morboso.<br /> A diferencia de Orlan y Goldin, Nebreda supuestamente no piensa en lucrar con su obra, así como dice él: El Artista es un creador, un artista no busca más recompensa que su propia obra,”El que crea tan solo para obtener dinero, mas que un artista es una puta”. La obra de Orlan al tener fines publicitarios, todo el mundo está atento a su nueva modificación. Tratando de poner en juego las distintas realidades morales y sociales o publicitarias, ya sea el maltrato a la mujer en Goldin, la propia auto destrucción o ascetismo puro en David y la chocante performance de Orlan. Los tres conflictos me comunican íntimamente de ellos, y a la vez sirve para conocer la última tendencia en el uso extremo que se le dió a la fotografía, cuando tan solo hombres de ciencia creyeron que este instrumento serviría para inmortalizar edificios, está claro que hay una obra mas digna y perfecta por retratar, en la que cualquier mortal relataría su dogma, para dar significado a su existencia.<br /><br /><br /><br />16<br /> La imagen para entender al hombre desde su propia psicología, como un alma individual y nueva dentro del mundo, situación que la ciencia todavía no puede predecir o controlar. La fascinación por ser nuevos ídolos de la imagen, es lo que posiciona en esta época la naturaleza del hombre como un ser creativo y auténtico por sobre la ciencia que pretende dominio y control, dentro de un universo que no es probable, ni determinable. <br /> Ídolo viene de eidolon, que significa fantasma de los muertos, espectro y sólo después imagen, retrato. El eidolon arcaico designa el alma del difunto que sale del cadáver en forma de sombra intangible. En principio solo los muertos ilustres tienen derecho a la efigie, ya que son por naturaleza influyentes y poderosos, siempre del sexo masculino. En Roma los retratos y bustos de mujeres aparecieron tardíamente. La imagen como un derecho y privilegio de nobles fallecidos es algo que ha cambiado con el tiempo, en nuestra época dignifica a los hombres por igual y hace que el hombre se dote de un aura, un lugar nuevo dentro del espacio de la imagen que la fotografía entrega para la intimidad, permite entender la verdad personal, no la casualidad. Transformándonos en ídolos de nuestro propio ego. Si el hombre comprendiese la herramienta de análisis que tiene entre sus manos, sabría distinguir muy bien sobre la realidad que pretende crear un empresario para la publicidad de su empresa, a comparación con la función de un artista que dedica el tiempo para hacer habitable un mundo ajeno, sin dolor, mudo y quieto que permanece en lo absoluto circular del tiempo, para ser recordado en su obra y en ese pequeño espacio mudo de su expresión. Al intentar descifrar: ¿qué es el hombre?, creeré que mientras más monumental u honorable sea nuestra obra ante la búsqueda de la verdad, sabremos comprender que lugar o rol debe ocupar cada uno de nosotros dentro del universo de la imagen, del existir.<br /><br /><br /> d) Gottfried Helnwein: Nació en Viena, Alemania en el año 1948. Su infancia la vive bajo las transformaciones sociales de Alemania dividida en oriente y occidente, viviendo los cambios ideológicos y restricciones en la comunicación, debido a las políticas de gobierno instauradas después de la segunda guerra mundial.<br /> Estudió artes plásticas en la universidad de Viena. En sus épocas de estudiante fue un alumno rebelde, que practicaba rituales al estilo performance o body art con la intención de utilizar la sangre y la violencia no sólo como protesta, sino con el intento de crear arte de vanguardia muy de moda en esos tiempos. Realiza su primer Happening con pequeñas audiencias en las que se corta las manos y la cara con una navaja de rasurar.<br /><br />17<br />Participa en el incendio de la academia junto con dos compañeros, causando severos daños, por lo que es detenido y llevado por las autoridades a investigación creyendo que el incidente tenía influencias políticas y sociales.<br /> En 1972 recibe el Premio Kardinal König por las primeras apariciones de Aktions en Viena, en todo tipo de lugares públicos. En la exhibición de Viena Künsterlhaus varias personas ponen un manifiesto por fuera con la palabra “Entartete Kunst” (término del nazismo que significa arte degenerado) en estampas por toda la obra de Helnwein. En la apertura de la galería D in Mödling, el alcalde de Viena confisca su obra.<br /> Siempre ha mantenido un profundo interés por el cine la literatura, la música y el teatro, encontrando en todas estas ramas de la estética herramientas de sustento para su proceso creativo, siendo para él la pintura y la fotografía el medio donde mejor se desenvuelve para dar a conocer su brillante obra. Imágenes que muestran esa lúgubre, casi terrorífica atmósfera. Capaz de abatirnos por mostrar la demencia de lo que puede llegar a hacer el hombre con su prójimo cuando es por el afán de destruir, gobernar o conquistar. A cambio nos devuelve lo que pulveriza, para hacernos imaginables un mundo relativo a la historia de esa comunidad. En toda la obra de este fotógrafo abunda la mirada social, una critica al hombre que se puede llegar comprender en la intención del uso de la luz para crear drama e ironía, en una imagen premeditada donde combina el sadismo con el erotismo.<br /> Dentro de su trayectoria es un artista con una extensa obra que se ha exhibido en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Ha tenido la oportunidad de trabajar con importantes directores, cineastas, músicos actores; gente importante a nivel político, intelectual y artístico. En su vida privada es una persona casada y con dos hijos; su familia es una parte elemental en su vida y esto se ve reflejado en su obra, ya que en algunas de sus obras, ya sea fotografía o pintura, aparecen como modelos. Actualmente reside en un castillo en las afueras de Irlanda con su familia, en donde tiene su taller.<br /> Este artista alemán utiliza el dolor como una forma directa de manifestar nuevas sensaciones, logrando manipular las escenas, siendo el mismo objeto para describir sus sentimientos en una gran obra de arte. En cada pieza están contenidas las sensaciones del ser humano; tratando de hacer visible el dolor del hombre y al mismo tiempo reflejar qué ese dolor es provocado por él mismo. El nuevo arte del dolor, con esta pretensión provoca una serie de experiencias catárticas que permiten hacer una traducción personal de lo que quiere decir, porque a partir de esta provoca en el espectador una sensación que muchas veces es identificada por cualquier hombre que contemple sus obras.<br /> Una simple manifestación artística que permite hacer de una sola imagen algo que sea comprendido por la mayoría. El llanto de un niño es un símbolo universal en el que su comprensión no necesita de idiomas, ni idiosincrasias, es por eso que el arte de Helnwein legitima esta experiencia, porque de entrada el centrarse en el ser humano mantiene una sola lectura; la del ser humano; cualquier dolor y sensación es conocida sin tenerla que haberla vivido.<br /><br /><br /><br />18<br />La obra de este artista mantiene siempre la intención de provocar miedos, deseos, dolor y felicidad con la intención de nunca revelar respuestas, sino que siempre formulará preguntas que hagan al ser humano detenerse y observar para entender: ¿Cómo hemos llegado a esto? ¿Por qué lo seguimos permitiendo?<br /> Trabaja en series de grandes formatos, autorretratos metamórficos que tienen sus orígenes en autorretratos donde Helnwein aparece gritando y cegado por tenedores, inspirando el terror y agobio.<br /> Su obra está inspirada en la obra de Francisco de Goya por ser una de las más desgarradoras e impresionantes del período neoclásico con intentos claros de cubrir la pobreza, la guerra y el sufrimiento que se vivía en la España del siglo XVIII. Un acercamiento a Eduard Munch, pues fue su pasado tormentoso lo que lo llevó a reflejar en su arte un poco de esa vida enferma. Esas angustias y sufrimientos se ven plasmados en sus obras en las que generalmente recurre a temas de niños enfermos y de muertes. Siendo este el pintor moderno que abrió la ventana a la locura o de la aparición del reflejo humano, como un ser auto destructivo. Egon Schiele este artista alemán tiene fuertes influencias por parte de su maestro y amigo Gustav Klimt; En El beso (1907-1908, Osterreichische Galerie, Viena) refleja un breve momento de pasión entre dos personas. El erotismo y la desesperación son características estilísticas de la secesión vienesa, movimiento artístico que buscó expresar las preocupaciones y las emociones del hombre de su época. Por medio de un gran dominio de la acuarela, Schiele logra captar a la figura humana en estado de tensión, como si pintara con un pincel nervioso. Pero su obra es destacada especialmente por la fuerte revelación erótica con la que siempre construyó un cuadro. Otto Dix; En su obra intenta una recuperación de las tradiciones alemanas del medioevo. Manejando un realismo técnico logra reflejar la destrucción del ser humano en la cual se ve reflejada la herencia de la primera guerra mundial, donde el mundo se encontraba bajo una tensión desgarradora. Horrorizado por la brutalidad de la guerra de trincheras y la utilización de armas de gas, reflejó dichos temas con una claridad sin concesiones en su obra Guerra (1924), serie de 50 aguafuertes. Logrando vincular, al pintar prostitutas, la decadencia del erotismo y de lo sacro en el cuerpo humano, su obra fue quemada por los nazis. Con signos del Realismo Mágico se podría identificar que esta tendencia pictórica se considera una reacción contra el Expresionismo, ya que cree que éste falsea la realidad; intentando captar una realidad naturalista o fotográfica pero creando una cierta tensión emocional. <br /> La obra de Helnwein tiene pretensiones explicitas, no cabe duda de que es un gran director fusionando todo un siglo de arte, en una obra acabada que logra generar nuevas bisectrices para entender el camino que debe o sigue la post modernidad. No con un estilo que se vanagloria de lo bello, sino que refleja la otra cara de la verdad, la eminente auto destrucción del ser humano, siendo su obra mas que un mero grito desgarrador de los males y vicios sociales.<br /> En sus transformaciones y autorretratos podríamos decir que Helnwein se ve a sí mismo como víctima y como mártir. Utiliza instrumentos quirúrgicos y vendajes para transformar su rostro y su imagen en la de alguien que se encuentra sufriendo y que está siendo victima de violencia y maltrato.<br /><br />19<br />Estas transformaciones, o bien dicho deformaciones, son parte de las características de su misma obra no solo por el hecho de reflejar cómo se ve a sí mismo, sino por el hecho de ser la víctima que refleja.<br /><br /><br /><br /> e) Arnulf Rainer: Nació en Baden, Austria en el año 1929. Pintor de profesión. Protagoniza en 1945 el renacimiento artístico del movimiento abstracto, tras conocer las teorías surrealistas y el realismo fantástico de artistas como Ernest Fuchs, Ernest Bauer o Anton Lehmden, con los que funda el “Grupo del Perro”. A principios de los cincuenta, y tras descubrir el expresionismo abstracto, atraviesa una fase propia del automatismo; ésta es abandonada hacia 1953 cuando opta por una monocromía oscura que le liga al Tachismo, del francés tache “mancha”. En los sesenta se inicia en el grabado e incluye en su repertorio fotografías que le sirven en su búsqueda de la expresión fisonómica inspirada en determinadas enfermedades mentales; pinturas que evolucionan, acercándose entonces al Body Art. Rainer en gris (1970 – 1972), es ejemplo de su pintura sobre fotografía.<br /> Conocido, entre otras razones, por sus "sobrepinturas", pinturas propias y de otros artistas cubiertas con capas monocromáticas, por la pintura gestual, realizada incluso a ciegas, por las fotos propias y ajenas retocadas en sus posturas y gestos, etc.<br /> Rainer ha realizado una trayectoria que lo llevó a buscar los orígenes y los límites de la expresión artística, al tiempo que trató de hacer visibles las estructuras de los instintos y de la actuación del subconsciente. El fue quien "descubrió" el denominado automatismo de la mano y evolucionó hasta producir obras gestuales aparentemente carentes de voluntad.<br /> Sus auto-representación va hasta el límite de la experimentación aplicada a sí mismo: experimentó con drogas, realizó acciones paralelas con otros artistas, pintó con codos y pies, trabajó con chimpancés. La pintura y los dibujos de los enfermos psiquiátricos le abrieron las puertas a otro mundo afectivo. El lenguaje corporal como medio de autoconocimiento representó el móvil fundamental de su obra. A modo de estímulo y para desencadenar la reelaboración utiliza fotos de posturas corporales extremas, muecas y retorcimientos estáticos realizados por él mismo.<br /><br /><br /><br />20<br /> La obra de Rainer se destaca por la búsqueda de un ritual personal en el que busca su propia piedra filosofal, impulsada por la ambición de entender su interior, ya que en cada uno de sus autorretratos, este busca hacer evidente emociones que son de angustia, pena o melancolía con la magia que aporta al manejar sus propias expresiones. Mascarás de un artista que ejecuta su obra fotográfica con la intervención de la pintura.<br /><br /><br /><br /><br /> f) Ana Mendieta: Nació en la Habana, Cuba en el año 1948. En 1961, Ana con tan solo 13 años de edad junto a su hermana mayor se exiliaron a EE.UU. sin sus padres. Ellas lograron salir de Cuba como parte de la Operación Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que llevaba a miles de niños a los Estados Unidos en un esfuerzo para salvar a los niños del régimen anti-católico de Fidel Castro. Mendieta vivió en orfanatos o casas de acogida y más tarde con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres por muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa, impactó mucho a su formación sicológica y su obra refleja el sentimiento de exilio y por otra parte la separación como elementos motores de su obra.<br /> Durante el principio de los años 70, asistió a la Universidad de Iowa como estudiante graduada de las artes. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses fueron otros al integrarse al “Intermedia Program and Center for New Performing Arts”. En el mundo artístico de los setenta, utilizar el cuerpo para crear arte llegó a ser una manera popular para expresarse, apareciendo el “body art” o “performance art”. Durante su carrera, contribuyó al desarrollo de nuevas expresiones de arte, como también causo un gran impacto en el: “arte de la tierra o land art o earthworks Smithsonian”.<br /> Durante los años1972 a 1978, lleva a cabo diferentes instalaciones y acciones experimentales en las que investiga acerca de tabúes sociales y diversas transgresiones, centrando su trabajo en motivos como el sacrificio y el crimen alrededor del cuerpo humano de la mujer. La obra de mendieta consistirá en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas. Su carrera artística fue corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa.<br /><br />21<br /> Durante los últimos años, su obra ha recibido más reconocimiento que nunca. Una exhibición llamada Ana Mendieta: “Earth Body Sculpture and Performance 1972-1985”, empezó en el Whitney en Nueva York en julio de 2004, ahora está en el Hirshorn Museum en Washington, DC (octubre 04-enero 05) y viajará al Des Moines Art Center y Miami Art Museum. En 1985, con treinta y seis años, Mendieta muere al caerse de la ventana de su departamento en Roma. Sin embargo, Mendieta ha inspirado e influido en la obra de muchos artistas, ganando fama como la artista hispana prominente en los Estados Unidos.<br /> Al caminar dentro de una de sus exhibiciones, la vida y creencias de Mendieta se convierten en realidad. La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como mujer.<br /> Otro elemento significante de la obra de Mendieta es la manera en que se incorporó su cuerpo en la naturaleza. En varias obras ella aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, africano-cubanos, mesoamericanos y culturas antiguas de Asia y Europa. En Silueta Series (1973), una de sus series más conocidas, creó más de cien obras en las cuales se hizo parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, o recreó la imagen de su cuerpo en la tierra al usar elementos naturales como piedras o velas. Mendieta de otras prácticas de su época es que ella usa el cuerpo para construir una espiritualidad exaltada. Desde los inicios de su actividad artística, el cuerpo tiene una presencia destacada: constituye su tema y su obsesión. La artista se siente atraída en particular por el cuerpo de la mujer, que para ella es el sujeto pasivo de la violencia, el erotismo y la muerte, y a la vez es el instrumento y el material para la producción de arte. De acuerdo con esta premisa, su propio cuerpo se convierte en eje de sus performances, acciones que parten de la misma idea del cuerpo femenino como víctima del crimen y la violación, pero también como lugar sagrado. En este sentido, las performances son auténticos rituales de purificación, donde la sangre, con sus connotaciones mágicas y sus claras alusiones al sacrificio asumen un protagonismo inquietante. La artista traslada su ámbito de trabajo a la naturaleza, eliminándose ella misma como objeto material de su arte. A partir de ese momento ya no le interesa tanto su propio cuerpo como la huella que deja. Inicia así un período de intensa relación con los cuatro elementos básicos de la existencia orgánica: la tierra, el fuego, el aire y el agua. Mediante las siluetas, la artista juega con la dialéctica presencia-ausencia. La pisada, los contornos de un cuerpo realizados con ceniza, velas, flores, nieve o tierra aluden constantemente a las relaciones entre la muerte y la resurrección. Se trata de un retorno de la artista a la tierra, de metáforas que explican el regreso al útero de la madre que se quedó en Cuba, de un enterrarse en la tumba, desafiando la muerte, para la regeneración de la vida la silueta del cuerpo dibujada con flores y en definitiva, para alcanzar la libertad la libertad.<br /><br /><br /><br /><br />22<br /> La innovadora forma de autorretratarse limita en lo erótico, trastocando temas religiosos, pero a la vez dando a mostrar su elemento fetiche, su imagen de mujer, al ser ella la creación por excelencia para resaltar que la vida es uno mas de los procesos naturales donde el hombre no cumpliría un rol mayor al de la mujer a la ora de crear una obra para dar de alguna forma sentido a la vida. Llegando ella a fulminar su figura, fusionándose con la naturaleza.<br /><br /><br /><br /><br />6.- DEVELANDO EL AUTORRETRATO<br /><br /> Desde hace siglos el gran esfuerzo del hombre ha sido conseguir la mejor técnica pictórica para crear un estilo propio para dar forma y vida a la imagen autorretrato. La idea de crear algo es por un fin de representación simbólica que hace legitimizar la identidad y estadía en la tierra del autor, ya que ésta idea de creación constituye el primer esfuerzo del artista, como un ser comunicador para acercarnos a su obra y un primer intento por definir la identidad humana, desde su propio singularidad.<br /> El autorretrato es un tipo de obra que a partir de las características fisonómicas, permite distinguir la psicología y filosofía del autor, así es como los grandes pintores de diversos estilos e incluso antes que el hombre habitara las cavernas, vislumbraba la idea del autorretrato, para dejar su fugaz reflejo, casi una especie de testamento que permite acceder y conocer la visión de mundo del pintor.<br /> Las diversas disciplinas, ya sean literarias o pictóricas han perfilado a que los hombres creen su autorretrato representando su propio estilo o punto de vista, así es como: Pablo Picasso, le da forma a su autorretrato desde el lenguaje abstracto de la pintura Cubista, Georgio de Chirico, que también busca individualizar su pincelada Surrealista por un estilo onírico y metafórico. Dentro del arte Barroco se destaca Rembrandt, que hace incontables veces su rostro bajo la técnica del claro oscuro. Creando la sintaxis para una lectura dramática de su imagen, ya que logra perpetuar en el tiempo distintas épocas de su vida.<br />El autorretrato desde la fotografía ha evolucionado a gran velocidad, haciendo un prematuro y masivo uso por conseguir diversas formas de autorretratarse. El estilo solemne de la fotografía de los comienzos era un trabajo tan puro, meticuloso y delicado que jamás se va a volver a producir, cuando un daguerrotipo se demoraba dos días en su manufactura se le tomaba gran importancia a la hora en que se iba a autorretratar o elegir el momento, la pose o la luz. Toda la técnica de la época para que se cree una sola copia irrepetible.<br />23<br /> En Nuestra época la importancia casi épica y heroica del fotógrafo parece desintegrarse en un tipo de fotografía trágica y de estilo transgresor, que cumple la función de identificar al propio artista con el medio en que habito.<br />Las distintas claves del autorretrato son las que permiten conocer los estereotipos, paradigmas y repetidas citas a antiguas obras, que sirven para compilar un conocimiento sobre-humano, ya que no está en las manos de nosotros crear los eidólones y las bellas formas como las que tiene el mundo, e ahí el impedimento e interés por descubrir y auto cuestionar nuestro entorno físico o espiritual.<br /> La fotografía es evidencia fidedigna para ver y entender un nuevo lenguaje visual dentro del género autorretrato. Se aprecia esta premisa cuando la obra es articulada bajo otros cánones, buscando exacerbar la creatividad transgresora, morbosa o erótica. Ya que en la pintura Clásica la creatividad autoral se presenta con un estilo moderado, solemne y determinado por las clases hegemónicas.<br /> Para entender el autorretrato desde la fotografía usándose como la nueva técnica para la autorepresentación, más que aportar un nuevo signo, aporta el síntoma de su entorno, evidenciando un nuevo símbolo de la época, que describe o expresa otro sujeto o condición ideal u oculta. Es en esta época cuando nace este profundo interés del hombre por hacerse legítimo y reafirmar su identidad como ser. Con el uso de la fotografía y el aumento de los medios técnicos se masifica la oportunidad de expandir la obra, ya que con los medio de masa es mas proclive mostrar y entender desde la obra del autorretrato los males o vicios humanos que aquejan a la sociedad.<br /> El autorretrato ha permitido que nuevos códigos visuales sean tantos o más cotizados que cualquier obra del renacimiento, la crudeza y el morbo con el que está ejerciendo su acto el autor post- moderno, está cautivando a un público cada vez masivo y que lidera lo que podría llamarse un arte trágico.<br /> El morbo como un nuevo código para entender el autorretrato en la fotografía contemporánea, ya que en este medio se logra hacer más explicito un nuevo código expresivo que permite entender las peculiares o espeluznantes ideas, con una herramienta técnica que parece llenar de melancolía los salones donde son expuestas las obras. Con este aparato el fotógrafo expone sus fantasías y pulsiones más íntimas y primitivas. Así como la desnudez, el flagelo, el fetichismo son temas que solo pueden ser tratados solo con la crudeza de la fotografía, con la única la pretensión de a dar entender lo que nos quieren decir estas deliberadas imágenes que el hombre está construyendo a partir del morbo, aportando al destape del hombre.<br /> El rostro humano es uno de los principales objetos de estudio del arte. En un retrato, el rostro no es sólo modelo sino también una instancia única y singular a la que el artista intenta dar vida en un cuadro o en cualquier realización plástica. El retrato, que hemos considerado como el género artístico por esencia y el más estable, tiene una significación múltiple ya que la noción de autorretrato es un derivado y sus funciones han evolucionado según los tiempos, los estilos y las civilizaciones.<br /> En los primeros tiempos del arte, el retrato corresponde a una voluntad individual de representar a alguien sea por motivos morales, afectivos, religiosos o poéticos, sacralizando la imagen representada.<br />24<br />Debía conmemorar a una persona y esta función condiciona la estrecha relación entre la muerte y vida. Pintar a alguien o pintarse a uno mismo es como convertir la figura humana en ídolo para que acceda a la eternidad.<br /> En el siglo XX, parece que el interés por la verosimilitud con respecto al modelo, sea éste vivo o no, es tan importante. El autorretrato moderno se inscribe en un contexto de crisis. El autorretrato rompe con nociones elementales, a veces no se puede reconocer al modelo enseguida. Los autorretratistas tienen nuevas motivaciones, ya no es un pretexto, es un soporte nuevo para la imaginación. El artista inflige transformaciones al rostro humano convirtiéndose en nuevo elemento de experimentación. Está motivado por una voluntad artística de cambios permanentes, Formas excéntricas, situaciones de locura a ojos de alguien, son intentos para multiplicar las posibilidades de la creación artística.<br /> El resultado de un estudio tan profundo pero nunca limitado es la representación trastornada del hombre. Además de reproducir la simple individualidad del modelo, cuando hace un retrato, el artista intenta ilustrar su propia actitud ante el mundo exterior con el arte. Importa ahora en la época moderna la inserción del artista en la sociedad en la que crea, porque no puede contentarse con quedarse en el estudio. Las relaciones con las otras formas de arte, con el público y con los media conduce al artista a tener una mirada más social y no sólo orientada hacia su obra.<br /><br /> La transgresión del cuerpo en el autorretrato como un nuevo soporte para crear nuevas metáforas sobre la propia visión de mundo del autor o para describir de alguna forma la situación caótica y de crisis social que impera en las culturas, es la respuesta a un mal social y espiritual. Cuando vemos auto aniquilarse a David Nebreda, ésta se nos presenta como la antesala de su propia búsqueda hacia la libertad, ya que el cuerpo desde Platón se considera la cárcel del espíritu, si fuésemos espíritu la condición humana no existiría, somos materia para evolucionar a ser energía. En los mitos religiosos judíos cristianos como el de Jesucristo, éste de igual forma pasó una serie de sacrificios y penas para conocer la libertad o la verdad. La veneración al cuerpo desde la época clásica griega cumple la misma función, la de enaltecer la belleza. En nuestra época la materia se presenta como el primer impedimento para conocer otra realidad. Acceder a esta otra dimensión parece que depende de la locura de cada uno, todos buscan la sensación mas fuerte y la mas extraña para el goce y disfrute desde el cuerpo mismo, o sea es posible acceder al plano espiritual desde el cuerpo transgredido, estos postulados se respaldan cuando vemos a personas elevarse con anzuelos que dañan la piel y hacen salir la sangre desde el cuerpo, los que pasan a través de la brazas, los traga sables, los que duermen en camas de clavo y los que se tatúan o los que se hacen pircing, son capaces de describir de distintas situaciones el mismo placer. En esta situación la adrenalina sube por el cuerpo, cuando el dolor necesita ser suprimido se libera ésta hormona, la que hace sentir el tiempo de manera diferente, donde el absoluto dolor se transforma en placer, los sentidos desaparecen de las sensaciones primarias y la mente se desconecta alcanzando el éxtasis luego que se inhabilita el cuerpo.<br /><br />25<br /><br /> Asistimos a estas ceremonias u actos, donde se busca el placer a través de otros, en la tragedia griega todos o al menos las almas más sensibles quedaban extasiadas al observar las situaciones representadas por los actores. En el teatro romano el pueblo reía y disfrutaba de las penurias de los que eran azotados o se deslumbraba con los que eran condenados a mostrar sus habilidades en el arte de la espada, con fieras dentro de un espacio reducido. Transformándose lo doloroso en un ritual colectivo.<br /><br />CONCLUSIÓN:<br /><br /> La concepción del autorretrato responde a una necesidad inherente e íntima del ser humano, la de auto-reconocimiento. El Ser supremo ha concedido al hombre el don de la razón, manos industriosas, cerebro capaz de generalizar ideas, lengua expedita para expresarlas y estos beneficios, no los ha concedido a los demás animales. Este es el tipo de conocimiento que nos podría acercar la técnica pictórica o fotográfica, para descubrir que nos quiere dar a conocer la propia naturaleza del universo, proyectado al infínito y constituida bajo mil formas que ninguno de nosotros ha creado. También debemos considerar que no es el fuego de la imaginación, sino la meditación perseverante y la combinación de las ideas, el origen de las artes, como la pólvora o la imprenta.<br /> La especie humana es la única que sabe que ha de morir y sólo se lo enseña la experiencia. Una de las grandes ventajas que tienen los hombre por sobre los animales. Si aquellos disfrutan de placeres que éstos desconocen, en cambio sufren pesares de los que las bestias no tienen la menor idea.<br /> El doble es, otro ego, o mas exactamente un alter ego que el vivo siente en sí, a la vez exterior e íntimo, durante toda su existencia. Al mismo tiempo, quien originariamente sobrevivía a la muerte no era una copia, una imagen del vivo, sino su propia realidad de alter ego, el ideal, aquella idea es la que despertará el sentido trágico u ominoso, orientándonos en su búsqueda.<a title="" style="mso-footnote-id: ftn1" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftn1" name="_ftnref1">[1]</a> El alter ego no es otra cosa que el “yo” que es otro. En este tipo de relación mítica comprendemos por qué la autodestrucción, sería una forma de cumplir la idea de encontrar a través de una vía trágica lo sublime. Así como el estado asceta permanente de Nebreda, o lo que hace Orlan jugando con el performance y la seducción que trae el dolor. Hay muchas culturas que hacen actos parecidos transgrediendo el cuerpo al limíte, así como Helnwein o como un monje del Tìbet que su fín es pasar los umbrales del dolor para encontrar otra cosa, suena delirante e increíble para aquellos ojos que son incapaces de sentir, en esta época, estamos destinados a querer saber o descubrir algo, para poder encontrar algo mas allá.<br /> Con respecto al sacrificio humano, hay culturas precolombinas que mediante sus creencias y ritos apelan a la libertad y que ésta idea corresponde a una búsqueda del acceso inmediato al reino de los dioses. Muy parecido a la idea del karma del Hinduismo, o sea la propia auto eliminación o es más, el simple echo de vivir concientes de nuestros actos son los que nos llevan a morir, pero ese morir es para despertar, para no tener que nacer y aprender denuevo una vez mas aquel escarpado camino que nos lleva en zig- zag hasta la muerte. Mas rápido de lo que uno cree.<br />26<br /> Hay que entender que los dioses, así como los grandes místicos que gobernaron reinos, también fueron personas comunes alguna vez y que el pueblo les ofrendaba mediante ritos, sabiendo que iban acceder a la vida eterna, transformándose en verdaderos ídolos. La fotografía en nuestra época nos impulsa a saber que, cualquier persona tiene acceso a ese reino, ya no tan solo se inmortalizará la imagen de unos pocos, como en la pintura clásica de la clase aristócrata. El cambio de dogma aportado por la clase burguesa, en unión con el pensamiento positivista han democratizado la experiencia fotográfica, siendo el hombre el creador de su propio destino, o como dice: René Descartes en su cogito, ergo sum (“Pienso: luego existo”), ésta simple idea es la oportunidad que tiene todo hombre de inmortalizarse, es la idea que fundamenta la fotografía, permitiendo que cualquier persona se convierta en ídolo de su imagen, para inmortalizar su fugaz reflejo, para eso está el hombre en la tierra.<br /><br /><br />“Somos una época fáustica decidida a encontrar a Dios o el Diablo antes de irnos, y la esencia ineluctable de lo auténtico es nuestra única llave para abrir la cerradura”. Norman Mailer 1971<br /><br /> <a title="" style="mso-footnote-id: ftn1" href="http://www.blogger.com/post-create.g?blogID=2447748052681661729#_ftnref1" name="_ftn1">[1]</a> Concha, José Pablo. Más allá del referente fotografía, del índex a la palabra. Colección Aisthesis “30años”N*3, Chile 2004. pág 127.<br /><br /><br />Bibliografía:<br /><br />Concha, José Pablo. Más allá del referente fotografía, del índex a la palabra. Colección Aisthesis “30años”N*3, Chile 2004. pág 127.<br />Cassirer, Ernst. Antropología Filosófica, Colección Popular, Chile 1993.<br />Krauss, Rosalind. Lo Fotográfico, Gustavo Gili S.A, Barcelona 2002.<br />Sontag, Susan. Sobre la Fotografía, Edhasa, Barcelona 1981.<br />Debray, Regis. Vida y muerte de la imagen. Paidós Ibérica, Barcelona 1994.<br />http://www.solromo.com/art_foto/nebreda david nebreda<br />http://oseculoprodigioso.blogspot.com/2007/01/goldin-nan-fotografia.html<br />http://es.wikipedia.org/wiki/Nan_Goldin<br />http://hispano.helnwein.com/<br />http://www.artisthelnwein.com/thesis_pages/thesis_body1.htm<br />http://laobradeartetotal.blogspot.com/2007/08/gootfried-helnwein.html<br />http://www.american.edu/cas/philorel/prominenthispanics/Mendieta.htm<br />http://fundaciotapies.com/site/rubrique.php3?id_rubrique=214<br />http://www.masdearte.com/item_artistas_st.cfm?letra=r&amp;noticiaid=5457<br />http://www.rae.es/<br />http://www.jornada.unam.mx/1996/10/02/sylvia.html<br /><a href="http://www.masdearte.com/item_artistas_st.cfm?letra=o&amp;noticiaid=7032">http://www.masdearte.com/item_artistas_st.cfm?letra=o&amp;noticiaid=7032</a><div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-605482321449888204?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Davidhttp://www.blogger.com/profile/04152534272503833420noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-71508074080495522872007-12-02T19:48:00.000-08:002007-12-02T20:45:07.532-08:00Instituto profesional Arcos<br />Fotografía Profesional<br />Alumna: Paloma Montecinos<br />Prof: Valentina Montero<br />8vo Sem.<br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Índice:</span><br /><br /><br />+Introducción…………. <br />+Fundamentación……… <br />+Lista de artistas: <br />Lorenzo Moscia<br />Paloma Villalobos <br />Andres Figueroa<br />Ricardo portugueis<br />Pepe guzmán<br />Gabriel schkolnick<br />Norton maza<br />Paola caroca<br />Zaida gonzalez<br />Margarita dittborn<br />Karen pazan<br />Angie saiz<br />Sachiyo Nishimura<br />Andrea de Simone <br />Andrea Jösch<br />Cesar scotti<br />Cristian maturana<br /><br />+Análisis <br />+Conclusión y evaluación <br />+Bibliografía. <br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Introducción:</span><br /><br />Con este trabajo presento una recopilación que pretende reunir a artistas y fotógrafos que se desarrollan y ejercen su trabajo en chile particularmente. <br /><br />El resultado es un manual para estudiantes de fotografía o amantes de la fotografía dirigida al arte, sean expertos o no expertos, interesados en la evolución del arte fotográfico en chile durante la última década. El trabajo recoge artistas de diferentes géneros ocupando la fotografía como tema o técnica fundamental a la hora de hacer sus obras, acompañadas con breves textos aclarativos.<br /><br />Los autores presentados no son recién llegados o “nuevos descubrimientos”. Todos ellos han celebrado ya exposiciones en solitario o han participado en importantes muestras colectivas de significativos museos e intistuciones artisticas, y estan representados por las galerías mas prestigiosas.<br /><br />Así, no e creado la tendencia que se pueden entrever en las paginas siguientes, estas surgen mas bien de una atenta observación del dinámico mundillo del arte y la insistencia de saber que es lo que ellos traen a la mesa, internet el mundo de los blogs ,museos, revistas, catálogos y galerias fueron parte importante para esta investigación.<br /><br />Aun que como suele ser habitual, el enfoque se centra en el arte chileno, quiero resaltar la creciente internacionalización de la escena artística, ya que la palabra BECA o pasantia fue bastante escuchada a la hora de ver futuros, para ampliar una visión que favorece en todo sentido al arte chileno y al artista en su proceso creativo, no solo eso en un proceso de vida que en Chile es muy difícil de conseguir por razones culturales que no benefician generalmente al trabajo artístico.<br /><br />Llegados a este punto debo insistir en que la selección subjetiva que he realizado no es mas que una simple muestra de artistas que realizan una obra buena y estimulante, y otras que son dignas de mencionar, a la hora de hablar de escena chilena.<br /><br />Se presentan ejemplos relevantes de las últimas creaciones de un total de artistas.<br />A cada uno de ellos se le ha dedicado una página. Los elementos informativos la presentación de los artistas, un breve texto y una obra a mi parecer la mas significativa, relación de las exposiciones mas importantes en las que han aparecido, las publicaciones en las que han <br />Aparecido, como alguna de sus impresiones personales, así se puede ver una aproximación panorámica de la actual escena artística-fotográfica chilena.<br /><br />Por todo ello es al mismo tiempo un trabajo de consulta, y una guía de autores dirigida a gente joven o para todos aquellos que quieren estar al día de acontecimientos del arte fotográfico chileno actual.<br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Analisis:</span><br /><br />Preguntarse a esta altura, si es o no es arte la fotografía, para mi ya no es tema para discutir (o quizás si?), obviamente las opiniones aun están divididas y hay gente que aun piensa que no lo es y creo poder entender esa afirmación, pero solo entender, no compartir.<br /><br />El tema fundamental, si es o no es, no pasa con decir si o no, creo que va mas allá de ese interrogante. Primero podría partir esta investigación de la base. Describiendo enciclopédicamente lo que significa arte:<br /><br />“El arte es una forma de expresión, la manifestación de la creatividad y sentimientos humanos”<br /><br />Partiendo de esa simplificada explicación, puedo decir que la fotografía entra en ese concepto explicativo. Mirando la historia del arte puedo decir que en ella hay un vació fotográfico muy grande. Y mas si hablamos de fotografía chilena dentro de la historia universal del arte (eso es mas desolador…). Mi cuestionamiento se manifiesta cuando veo esos libros de arte (muchas veces Taschen), la importancia de la pintura dentro de este, es obviamente fundamental a la hora de hablar de historia, uno, porque es mucho mas antigua (muchísimo mas), y porque esta maneja un lenguaje universalmente mas fuerte y particular con mucha mas tradición que otras ramas del arte.<br /><br />No quiero disminuir la importancia de la foto o magnificar la pintura pero no podemos olvidar que esta, están ligadas y no podemos olvidar las procedencias y vinculaciones que tienen. Es aquí donde quiero partir hablando lo que interesa como tema, lo planteare como unas preguntas, para así poder aclarar (me) y abrir el tema dejando en evidencia los puntos de interés para esta investigación. <br /><br />¿Porque en la historia del arte la importancia de la fotografía es tan escasa?<br />¿Qué les faltaría a los fotógrafos hacer para ser considerados buenos artistas?<br />¿Cuáles son los temas y formulas que el se manejan en el arte?<br />¿La fotografía como registro simplemente o considerada como arte también donde están las diferencias y la importancia?<br />¿Esta en el circuito del arte mundial la fotografía chilena?<br />¿Cuál es la mayor importancia de poner a la fotografía como fin y no como medio? … etc.<br /><br /><br />Estas son una de las tantas preguntas que me hago y que a través de la investigación quedaran resueltas.<br /><br />Como lo dije anteriormente la importancia de la pintura es mucho más fuerte, yo me pregunto aun mas ¿porque aun no es incluido, bueno aparte de Cindy Sherman y otros fotografos mas, dentro del avance de la historia del arte la fotografía, se a incluido, pero es muy leve la notoriedad que este tiene . <br />Las dudas surgen y las respuestas de a poco se aclararan, de cierta forma esta investigación partirá dándole al estudiante de fotografía algunas reseñas de no caer en ciertas falencias que creo que en los fotógrafos (yo misma) se repite. Y que a lo largo de este texto lo vera mucho mejor.<br /><br />Tenemos que dejar primero en claro las limitantes que tienen cada rama artística y saber apreciar nuestra tradición, para poder hacer un trabajo mucho más sincero y bueno. Que creo que es lo que mas falta a la hora de hacer fotografías y no así imitar, sino abrir un mundo de posibilidades dentro de nuestras limitantes y nuestros propios lenguajes, para poder así derribar ese prejuicio que nos hemos y han puesto, al decir o considerar que los fotógrafos son casi como pintores fracasados o flojos, para mi eso es importante el poder crear a trabes del registro tema fundamental en la fotografía y las maneras de componer que son casi propias de la fotografía una obra que no sea casi pintura ni casi nada, solo que hablemos de una fotografía como tal y sentirse orgulloso que es parte importante de la contribución de nosotros mismos hacia el arte en general.<br /><br />Ya metiéndonos un poco en el tema sabemos que en la pintura se ocupaba reiteradas veces la cámara oscura para poder hacer algunos cuadros, pero eso pasa a segundo plano ya que de alguna forma ya se empleaba un proceso fotográfico, este no era lo primordial a la hora de hacer una creación, esto quiere decir que la influencia dentro del proceso creativo no es influyente, salvo técnicamente. <br />Si bien en el año que ya se crea la fotografía el uso que se ase, siempre fue simulando lo que se hacía con la pintura, al paso del tiempo fueron naciendo fotógrafos que empezaron a crear propios lenguajes, entre unas Julia Margaret Cameron, pero este tipo de foto siempre fue a la mano con el pictorialismo cosa que a mi parecer aun no se deja de lado, y no se pasa hacer un estilo de arte totalmente independiente, el peso que la pintura cae sobre la fotografía, aun e incluso podría decir que hasta el día de hoy cumple una importante influencia.<br /><br /> Podemos discutir que la función de la fotografía es mas bien registrar, y dejar testimonios históricos plasmados en un papel, creo que esa afirmación podría ser una disminución de la capacidad que podría tener y tiene la fotografía, si bien después de Stieglitz algunos no las han sabido desarrollar hay otros fotógrafos que si queremos descubrir esas capacidades, y querer apreciar la fotografía tal cual es y no ser una disminución de la pintura ni un elemento que sirva para llegar desarrollar el fin del artista sino que una obra como tal.<br /><br />Así introduzco este tema a la investigación de este trabajo.<br />Lo importante es poder ver, a trabes de este, lo que pasa dentro del circuito de fotógrafos chilenos, y así poder tener una opinión mucho mas critica de lo que estoy haciendo yo primero como fotógrafa y después poder opinar y tener una visión mucho mas objetiva sobre algún trabajo de otro fotógrafo que se me presente.<br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;"><br />A R T I S T A S</span><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Lorenzo Moscia:</span><br /><br />sus fotos: http://www.moscia.cl/<br />Roma 1973, Obtiene el titulo en leyes en 1999 de la Universidad La Sapienza, Roma.<br />Italiano avecindado en Chile, donde se inició como fotógrafo documentando la vida en Isla de Pascua desde dentro de las casas ,todo lo visto ha sido siempre desde fuera de ellas. Hoy se mueve por América y África reiterando lugares hasta aprender sus identidades en fuga, en un ejercicio renovado y contemporáneo del reportero en terreno. Sus imágenes de los prostíbulos populares de Río de Janeiro tienen la urgencia del oficio apremiante que registran, en tanto las de La Habana sólo corren para capear un aguacero que igual refresca unas vidas llevadas con sobriedad. Su trabajo dirigido al documental y reportaje acogen muestras de sentimientos y recopilan de muy buena manera ambientes sobrecogedores que solo la fotografía lo sabe hacer, su ultimo trabajo se llama “Norte de chile”(Se puede ver en la pagina Web) donde predomina los colores terrosos, este trabajo particularmente no es tan influyente, y pueden apreciar su listado de trabajos tales como: Habana Cuba, Haiti, Manzania, Habana 2006, Ecuador, zanzíbar, variados temas particulares de Rio, Bolivia tren, Lota, y Norte de chile.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFH9i4vPI/AAAAAAAAAAU/NEMA1hOn_ao/s1600-R/MOSCIA.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFH9i4vPI/AAAAAAAAAAU/AaJWgIVzEH0/s320/MOSCIA.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139597971586333938" /></a><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Ricardo Portugueis:</span><br /><br />Santiago 1978, Titulado de la carrera de fotografía del Instituto Profesional Arcos. Actualmente se desempeña como profesor de fotografía en el Museo Nacional de Bellas Artes.<br />Se mueve en distintos lenguajes visuales desplegando su imaginación en la construcción de relatos, donde suele ocupar largas secuencias de imágenes fijas o, directamente, el cine. <br />La obra en formato de mediometraje, combina fotografía fija e imagen en movimiento (video digital). En su realización se incorporaron diversas disciplinas provenientes de las artes visuales, escénicas y musicales.<br /> En estos procesos, es habitual que efectúe intervenciones digitales, .Sin embargo, en paralelo a su trabajo experimental, ha venido registrando situaciones, personas y objetos que tienen una relación íntima con él, a la manera de una autobiografía visual.<br />Su narración mezcla un mundo onírico y fantasías con la cotidianeidad de lo real, así la trama de sus trabajos transcurren entre un dormitorio, el mar y montañas entre otros dejando ver una influencia marcada del surrealismo a la hora de crear.<br /> <br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFeNi4vQI/AAAAAAAAAAc/uPMrOGRgTGk/s1600-R/Ricardo_+Portugueis.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFeNi4vQI/AAAAAAAAAAc/bi-hca35dqg/s320/Ricardo_+Portugueis.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139598353838423298" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Gabriel Schkolnick:</span><br /><br />Sus fotos: http://www.schkolnick.com/<br />Santiago, 1971 Estudió Publicidad, luego entró al Foto Forum en Santiago, mas reconoce que su primer maestro en fotografía es Luis Weinstein( el señor que dice el tiempo en TVN). En Nueva York estudió en el School of Visual Arts y luego trabajó como asistente del fotógrafo chileno radicado allá, Mariano Pastor, se nota su influencia publicitaria norteamericana al ocupar tendencias y estilos en moda extraídos de afuera, juicio no juzgador sino notorioa lahora de apreciar su trabajo entero. En 2002 instala en Chile su estudio fotográfico, en el cual realiza fotografías para editoriales, catálogos y publicidad. Es uno de los socios fundadores de la revista Blank,una de las revistas mas importantes de moda en chile. <br />Se precia de fotografiar por encargo. Lo suyo es el retrato de los protagonistas del escenario, así como la moda y la belleza de alta marca ,el glamour, a fin de cuentas, donde ha alcanzado rápidamente un buen nivel entre sus pares. No obstante trabajar con los profesionales de la pose, sus retratos pesquisan tras el borde de cada personaje recuperando sutilezas que terminan por hacerlos creíbles (maestro en publicidad). Su contemporaneidad se halla justamente en esta perspicacia que devela el artificio sin traicionarlo. Su trabajo mas personal es un libro llamado 2AM, en el cual he trabajo el año 2005 y espero .Es un poco oscuro y con humor en el mismo tono. <br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFuNi4vRI/AAAAAAAAAAk/IHpa2ree6sw/s1600-R/scolnik.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OFuNi4vRI/AAAAAAAAAAk/TR8wxOxAsbk/s320/scolnik.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139598628716330258" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Andrés Figueroa:</span><br /><br />Sus fotos: http://www.andresfigueroa.cl/<br />Santiago, 1974, Fotógrafo de la Escuela de Foto Arte de Chile. Trabaja como profesor particular de fotografía y como docente del Instituto Incacea de Viña del Mar. <br />Trabaja con nitidez pura, sin intervenciones que modifiquen sus fotografías estrictamente documentales. El punto es que los motivos de estas imágenes vienen intervenidos por la naturaleza, por el tiempo o por el azar, factores que han creado seres alucinantes e inverosímiles que el autor descubre y registra con la necesaria sangre fría. Sus encuentros sobrecogen en medio de una modernidad que se ufana del cuadriculado de la mente y el control sobre su entorno, liberando inquietudes inaprehensibles por nunca precisadas o por inconfesables. Sus trabajos son: presencias, ex carcel, ciudad, desierto, toma.<br />De todas sus fotografías subjetivamente hablando, el trabajo realizado en la ex cárcel esmas interesante ya que en el se puede ver una serie de registros de muros en ellos se encuentran plasmados diversas expresiones de presos manifestada en distintas técnicas plásticas como el dibujo, el collage, grabado, etc. se puede apreciar personajes iconos de la cultura occidental. Se puede decir que este trabajo muestra como en pequeños lugares se transforman en lugares especiales para poder crear en un momento tan difícil como es, estar en una cárcel encerrado.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGA9i4vSI/AAAAAAAAAAs/lb4Jn23I_cE/s1600-R/figueroa.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGA9i4vSI/AAAAAAAAAAs/piNW4ktOdpc/s320/figueroa.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139598950838877474" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Cristián Maturana:</span><br /><br />Sus fotos: http://subexposicion.blogspot.com/<br />Santiago, 1979 Arquitecto y diseñador de la Universidad Católica de Valparaíso. Fotógrafo profesional del Instituto Arco y diplomado en Cine de la Universidad Católica de Chile. Se desempeña como perito fotógrafo en la sección de fotografía forense del Laboratorio de Criminalística de la Policía de Investigaciones de Chile. <br />Cruza su derredor llevando una plantilla transparente que va dejando con cansada indiferencia sobre los territorios de sus encuadres. Sus fotografías muestran lugares comunes de la cotidianeidad urbana, donde el rectángulo a fin de cuentas no sólo remarca la carencia de sujeto, sino de algún protagonismo mínimo del tramo de calle, piso o baño que fotografía, amplía y exhibe. En una suerte de nihilismo pasivo, salvado apenas de la anodinia y la desesperanza por el solo acto de registrar la nada, su discurso documenta las expectativas inútiles de cada día. En su blog se muestran interesantes escritos y trabajos realizados.<br /> <br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGSdi4vTI/AAAAAAAAAA0/0azjDNnlhnI/s1600-R/maturana.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGSdi4vTI/AAAAAAAAAA0/M0E09-Sc3OQ/s320/maturana.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139599251486588210" /></a><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Zaida González:</span><br /><br />Sus fotos: http://zaidagonzalez.com/<br /> Santiago, 1977, Estudio Fotografía Publicitaria en el Instituto Alpes. Actualmente cursa Medicina Veterinaria en la Universidad de Chile. <br />Desde un característico tratamiento tradicional de la fotografía blanco y negro coloreada a mano,visto con mayor referencia del fotógrafo Saudek, gran influencia en zaida, lanza un cuestionamiento crítico a las devociones católicas que, en tantos casos, reflejan a una sociedad de doble estándar que no obstante ofrece todas las oportunidades para ser puesta en evidencia. Las cuatro pequeñas fotos de su serie “Por favor concedido” representan la degradación santificada, el satanismo por mera antonomasia, la zoofilia y la banalidad de los milagros confiados a San Expedito, como la silicona recibida por una devota que sufre de hipoplasia mamaria<br /><br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGmdi4vUI/AAAAAAAAAA8/piO2XkSq56M/s1600-R/01zaida.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OGmdi4vUI/AAAAAAAAAA8/vZqweoV9VnA/s320/01zaida.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139599595083971906" /></a><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Andrea Jösch:</span><br /> <br />Arica, 1973, Estudia Literatura Hispanoamericana en la Universidad de Chile y Literatura Latinoamericana y Ciencias del Teatro en Berlín, Alemania. Titulada en Fotografía Profesional en la Escuela de Foto Arte de Chile. Gestora del colectivo La Nave y del proyecto www.ojozurdo.cl, además se ha desempeñado como curadora de varias muestras fotográficas. <br />Celebra un rito de pasaje en la secuencia del enterramiento de un vestido de niña. La infancia de la autora deviene finalmente en adultez cuando nace su primera hija, y los trajes deben transitar de la muerte de una etapa a la nueva vida que van a vestir. A las seis fotos que sintetizan el ritual se suma un video con su registro y el traje mismo puesto en un plinto ceremonial, conformando una instalación de alto contenido emotivo. La fotografía documental sin intervención sirve aca para desarrollar la metáfora de la hija convertida en madre. Andrea Josch tiene hoy dos afanes: su pequeña hija y la fotografía. Dice que con eso es suficiente, por el momento. Tiene razón, pues esta destacada fotógrafa de la escena nacional, con numerosos premios y exposiciones a su haber, se ha perfilado en el último tiempo, a la gestión de la fotografía. De hecho, participa en el directorio de la Sociedad Chilena de Fotografía y ha extendido su quehacer artístico hacia otras ramas, como la curatoria. <br />Actualmente es curadora de la galería AFA y lidera proyectos autogestionados como OjoZurdo y la reciente muestra Cerrado por Duelo. Aquí, fija su objetivo, enfoca y "dispara" hablando del estado de la fotografía y la autogestión. <br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OG4Ni4vVI/AAAAAAAAABE/dq3O2Gm5Yfs/s1600-R/josch.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OG4Ni4vVI/AAAAAAAAABE/0J2assjLfgc/s320/josch.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139599900026649938" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">César Scotti:<br /></span><br />Santiago, 1972, Estudia fotografía con Bob Borowicz, fotógrafo titulado de la Escuela de Foto Arte de Chile. Actualmente esta dedicado a la docencia y a la realización audiovisual. <br />Recicla imágenes cargadas de tragedia en un trabajo de alto contenido simbólico y reivindicativo a la vez. Sus tres piezas integran las dos fuentes visuales ocupadas en la denuncia de los detenidos-desaparecidos de la dictadura, la silueta anónima por la incógnita del paradero de la víctima, y su retrato rescatado de alguna ficha legal o álbum familiar. La superposición de ambas fuentes produce un resultado dramático, grotesco a la vez que conmovedor, donde los rostros opacos de gesto cándido o confiado en vida intentan animar los perfiles negros de la muerte. La foto que e puesto es parte de un trabajo anterior donde juega con fotos de ciudad montándolas en un escenario personal.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHGNi4vWI/AAAAAAAAABM/3tfLmvzu_BA/s1600-R/scoti.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHGNi4vWI/AAAAAAAAABM/8O2_UvZkuaw/s320/scoti.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139600140544818530" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+José Guzmán:<br /></span><br />Sus fotos: http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/guzmanp/indexsp.html<br />Santiago, 1971, Ingeniero Geomensor y diplomado en Fotografía Experimental en la Universidad de Chile.<br />Realiza retratos idealizados de la identidad femenina desde su mirada masculina. Sus metáforas son construidas con imágenes directas tomadas por un scanner plano con el que va registrando segmentos de los cuerpos ornamentados, hasta completar un mosaico digital heredero del método análogo desarrollado por David Hockney en los ’70, muy usado dentro de los estudiantes de fotografía hoy en día, incluso ya es parte de un ejercicio digital. El salto de Guzmán está en el registro por contacto al que le obliga el scanner, lo que produce deformaciones técnicas que devienen en cargas expresivas, que sumadas a sus puestas en escena concluyen en resultados oníricos alucinantes. Y muy pictoricos.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHSdi4vXI/AAAAAAAAABU/HuxAysqPg9A/s1600-R/pepeguzman.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHSdi4vXI/AAAAAAAAABU/9TNPMyNzfHI/s320/pepeguzman.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139600350998216050" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Andrea De Simone:</span><br /><br />Buenos Aires, 1974, Actriz de la Universidad de Chile. Estudia Fotografía Profesional en la Escuela de Foto Arte de Chile y Serigrafía en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende. Integra activamente el colectivo La Nave con quienes participa de las exposiciones. <br />Está en las fronteras de una fotografía instrumental ejecutada al servicio de una pieza de arte, si bien sus registros naturales conservan la pulsión de un autor de paisajes. El tema de su interés es la identificación de la personalidad asociada a la naturaleza, y su síntesis en ingestibles que permitan a un sujeto determinado perseverar en la más afín a sí mismo. Para desarrollar esta suerte de homeopatía existencial, la autora construye diversos kits que no sólo operan en función de la imagen identitaria, sino carecen de sentido sin ella, reafirmando la fotografía.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHhNi4vYI/AAAAAAAAABc/YujxZXFtJas/s1600-R/simone.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHhNi4vYI/AAAAAAAAABc/PsiYV6L5mWE/s320/simone.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139600604401286530" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Paola Caroca:</span><br /><br />Viña del Mar, 1970 ,Licenciada en Artes de la Universidad de Playa Ancha y con postítulo en Arte y Técnicas Contemporáneas de la Universidad Católica de Chile. <br />Ocupa la fotografía como un medio desposeído de atributos propios del cual se sirve para documentar situaciones a su vez carentes de excepciones, planas en su cotidianeidad. Su trabajo intenta, por medio de esta neutralidad que bordea la indiferencia, perpetuar lo trivial de los objetos y escenas que rodean las vidas de las personas en cuanto vistos por los demás, pero que guardan una intimidad profunda con sus dueños, constituyendo muchas veces su único referente existencial. La artista realizó una serie de fotografías, las cuales hablan de lo doméstico en la sociedad chilena, actuando como espía en la captura de diversas situaciones cotidianas dentro de los diferentes interiores domésticos fotografiados, acotándose a los objetos de la necesidad básica y a los de decoración como son vividos y dispuestos espacialmente dentro del hogar para cumplir su función determinada como decorar, embellecer y agradar. Se capturaron sólo escenas, retratos sin rostro, sólo el registro de sus objetos como paisajes interiores, los cuales se entremezclan, se hacinan, se acumulan y se vuelven a encontrar en el espacio de la Galería, recreando al espectador y convirtiéndolo en un voyerista ansioso de ver la realidad del otro.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHxti4vZI/AAAAAAAAABk/rjvBF---mMQ/s1600-R/01.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OHxti4vZI/AAAAAAAAABk/Tdpu3U2jHxk/s320/01.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139600887869128082" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Sachiyo Nishimura:<br /></span><br />Sus fotos: http://www.sachiyonishimura.com/<br />Santiago, 1978,Licenciada en Arte de la Universidad Católica. <br />Ha trabajado paisajes urbanos de intensa saturación que multiplica al desplazar segmentos de la foto original. Para esta muestra ha invertido el proceso en dos aspectos, primero tomando una secuencia de fotos en vez de desglosar una sola, y en segundo lugar confrontando dos escenas contrapuestas de repleción y austeridad, como los tramos intervenidos hasta el paroxismo de un sector de Berlín, y un diáfano paisaje de la costa central chilena. El resultado de este contrapunto, no obstante, es una reiteración aun más dramática del agotamiento del horizonte urbano. <br />“Mi propuesta artistica consiste en realizar fotomontajes mediante la elaboracion de fórmulas matemáticas que recomponen la imagen fotografica.<br />Las operaciones de recomposición se basan en la utilización de recursos propios del medio fotográfico tales como el reencuadre, la repetición, la inversión y la superposición de imágenes.”<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIDdi4vaI/AAAAAAAAABs/iP8MnqgIk5M/s1600-R/03.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://3.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIDdi4vaI/AAAAAAAAABs/W-0K7ivxRLc/s320/03.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139601192811806114" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Angie Saiz:</span><br /><br />SUS FOTOS: http://www.artenlinea.cl/angie-saiz <br />Santiago, 1977, Pintora y diplomada en Realización Cinematográfica de la Universidad de Chile.<br />Pasa revista a su infancia acudiendo a diapositivas tomadas por su padre, las que yuxtapone de dos en dos para proyectarlas con un clásico proyector cuyo sistema de autoenfoque busca incansablemente el foco de una y otra imagen, sin lograrlo. A través de este apropiamiento póstumo de momentos de su vida donde su voluntad no pasaba de ser otra manifestación más de sueños incumplidos, la autora exorciza una memoria de desilusiones reivindicando esperanzas que, por más que frustradas, construyeron finalmente una identidad en los intersticios de cada dúo de imágenes.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIQ9i4vbI/AAAAAAAAAB0/EvOLn7MS844/s1600-R/SAIZ.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIQ9i4vbI/AAAAAAAAAB0/SEXuqcZaA_Y/s320/SAIZ.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139601424740040114" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Norton Maza:</span><br /><br /> nortonmaza@yahoo.es<br />Sus fotos: http://www.norton-maza.blogspot.com/<br /><br />Lautaro, 1971, Estudia en la Escuela Nacional de Arte de La Habana y luego en la Escuela de Bellas Artes de Bordeaux, Francia.<br />Requiere de la fotografía para exponer una línea de trabajos constituidos por maquetas artesanales cuya escala y fragilidad imposibilitan su traslado. En este sentido, le es indiferente tomar él o encargar la fotografía a un profesional, al que puede reemplazar por otro si la fidelidad del resultado no le satisface. Este uso instrumental y eventualmente anónimo de la fotografía lo sitúa en el borde exterior de la presente muestra autoral, pero los imbricados y alucinantes contenidos de su obra, depositaria de las crisis terminales de la sociedad contemporánea y alusiva aquí a Hieronymus Bosch, sólo pueden ser recorridos sobre la superficie plana de un registro fotográfico.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIiti4vcI/AAAAAAAAAB8/YPOpMmSs-mc/s1600-R/02_maza.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIiti4vcI/AAAAAAAAAB8/jFX4t0lIp9o/s320/02_maza.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139601729682718146" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Paloma Villalobos:</span><br /><br />Mail: palomavi@gmail.com<br />Bajo la tormenta es uno de sus trabajos fotográficos que presenta una serie de paisajes invernales ficticios. Estos paisajes son construidos utilizando vestigios de distintos objetos pequeños que actúan como modelos fotográficos en medio de un paisaje de aparente hielo.<br />Las imágenes precisamente por medio de su propia confección escenográfica, intentan formular una atmósfera propia utilizando fragmentos y trozos de objetos a los cuáles se les incorpora un elemento que provoca un gélido efecto: sal. Esta materia produce en las fotografías un acontecimiento específico, los modelos se vuelven posibles hallazgos de edificaciones abandonadas o cuerpos descubiertos en medio de un paisaje invernal en donde habitan imaginariamente y en donde aún sobreviven.<br />A su vez, el entorno en donde residen estas ruinas se ve afectado por la presencia de variaciones de cielos de colores los cuáles intervienen el clima de los acontecimientos actuando también como referentes que aportan un ambiente inverosímil ligado al campo pictórico. Para su obra "Anomalías de laboratorio", Paloma Villalobos reveló en más de 600 laboratorios distintos dos fotografías que retratan el mar. Luego pegó las imágenes sobre la pared una al lado de la otra, dándoles la forma de dos grandes cuadros. <br />su resultado la misma escena repetida cientos de veces, pero en tonalidades diferentes debido a las diversas técnicas de revelado empleadas. "Es un ejercicio pictórico de color", que a la vez cuestiona la noción de realidad.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIxNi4vdI/AAAAAAAAACE/DsloBiVNjmI/s1600-R/03.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://2.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OIxNi4vdI/AAAAAAAAACE/-OfHUjr6ZF8/s320/03.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139601978790821330" /></a><br /><br /><span style="font-weight:bold;">+Margarita dittborn:</span><br /><br />mail: margaritadittborn@hotmail.com<br />sus fotos: http://flickr.com/photos/margaritadittborn/<br />Joven fotógrafa, crea personajes que durante años han sido protagonistas indiscutidos de fantasiosas composiciones que, mediante el uso del photoshop, reduce los tamaños de criaturas reales y artificiales para insertarlas en minúsculos escenarios domésticos.comenta, “Siempre he preferido fotografiar escenas armadas por mí, a ser una cazadora de escenas ya existentes”<br />De esa manera creó vistas tan delirantes como una en la que los animales aparecen conduciendo un veloz auto deportivo de juguete y otra donde se equilibran sobre una manzana, además de una tercera en la que uno de ellos, reducido al tamaño de un insecto, se asolea sobre la hoja de una planta de jardín."Desde que yo era chica, siempre me ha gustado imaginar que las cosas puedan ser mucho más pequeñas o mucho más grandes de lo que en verdad son, y eso es lo que hago en mis imágenes", explica la Fotografa, quien, tras cursar la carrera de fotografía en el Instituto Arcos durante el año 2000, decidió abandonar las aulas y seguir aprendiendo por su cuenta debido a que, según confiesa, tiene "serios problemas de concentración" que en clases le impedían asimilar correctamente los ramos teóricos. Su ultimo trabajo Parte de una serie de Bodegones que serán expuestos en Diciembre, en la Sala de exposiciones del mall Plaza Vespucio, <br />La exposición se realizará en conjunto con la artista Karen Pazan. La muestra hablará sobre el “consumismo y la voracidad”.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OJA9i4veI/AAAAAAAAACM/34olgG9ik90/s1600-R/03.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://1.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OJA9i4veI/AAAAAAAAACM/bH_nP6EkiBA/s320/03.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139602249373760994" /></a><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Karen Pazan:</span><br /><br />Sus fotos: http://www.karenpazan.blogspot.com/<br /><br /><br />Su trabajo en imágenes estan cargadas de ironía, humor y utilizando técnicas mixtas que contemplan el collage, el óleo y la fotografía, Pazán le pone vestidos de alta costura, recortados de revistas y libros de moda, a retratos al óleo de niños y mujeres indígenas, que luego coloca a modo de collage sobre telas pintadas para fotografiarlos digitalmente, termolaminarlos y enmarcarlos. "Está planteada como si estuvieras viendo una revista de moda, perfectamente puedes ponerle letras e insertarla en una revista", afirma Pazán.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OJNti4vfI/AAAAAAAAACU/VGt_smH7k_4/s1600-R/karen+pazan.jpg"><img style="cursor:pointer; cursor:hand;" src="http://4.bp.blogspot.com/_hM9Pi0_AHNI/R1OJNti4vfI/AAAAAAAAACU/uzOOmteFcsI/s320/karen+pazan.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5139602468417093106" /></a><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;">Conclusión:</span><br /><br />La fotografía es en la actualidad un medio artístico que cumple diversos roles funcionales y expresivos, adecuándose a los propósitos específicos de una obra o abriendo grandes espacios a la experimentación. <br />La imagen sencillamente documental ha cedido paso, a una inmensa variedad de contenidos y sentidos, los que son canalizados además por una extraordinaria gama de recursos tecnológicos, tanto para la intervención de la imagen como para su impresión o expresión. Así, referirse hoy a la fotografía es aludir a un patrimonio renovado, rico en posibilidades y cuyos límites son aún imprecisables, para bien del arte. Estas cualidades, por lo demás, vienen siendo administradas con una creciente madurez por artistas cuya voluntad prima sobre la fascinación antiguamente infantil frente a la versatilidad del medio, que se traducía en obras inconsistentes por más que brillantes. <br />Hoy en dia en el mundo de la fotografía se puede ver artistas, proveniente de disciplinas como pintura, diseño, performance, etc. que crean imágenes en vez de captarlas de la realidad provocando la imaginación del espectador. Y la mezcla de soportes que hacen mucho más rico el lenguaje fotográfico.<br />La migración de los artistas no es una palabra desconocida en este trabajo, claramente podemos divisar una lejanía a la producción de obras debido al financiamiento fallido en chile. el campo laboral de alguna forma se hace muy difícil ejercer, y vivir de lo que significa hacer obras de arte, la mayoría de estos artistas piensan en la formación, el estudiar (seguir estudiando) afuera del país y otros ya se han ido, mostrando signos de desilusión, y de mayor oportunidad afuera.<br />Lo inesperado de encontrar artistas fotógrafos chilenos, cuyos trabajos me parecen honestamente interesantes y atractivos, me sorprendió ya que no tenía la noción de que hubieran fotógrafos chilenos cuyos trabajos me pudieran parecer interesantes. Siempre tuve un pensamiento bastante emprejuiciado sobre los fotógrafos nacionales y creo que este trabajo me ayudo a conocer un abanico importante de obras y autores.<br />Como estudiante de fotografía es necesario estar al tanto de lo que pasa en el circuito nacional, informarse, ver exposiciones tanto como en galerías como en museos y no dejarse llevar por falsas nociones que uno pueda tener sobre el medio nacional. Tener mayor apertura y que cada uno pueda sacar sus propias conclusiones a la hora de criticar la fotografía nacional.<br /><br /><br /><br /><span style="font-weight:bold;"><br />Bibliografía:</span><br /><br />http://www.moscia.cl/<br />http://www.schkolnick.com/<br /><br />http: http://www.karenpazan.blogspot.com/<br />/www.andresfigueroa.cl/<br />http://flickr.com/photos/margaritadittborn/<br />palomavi@gmail.com<br />http://www.norton-maza.blogspot.com/<br />http://www.artenlinea.cl/angie-saiz<br />http://www.sachiyonishimura.com/<br /><br />: http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/guzmanp/indexsp.html<br />http://zaidagonzalez.com/<br />http://subexposicion.blogspot.com/<br />Libro: ESTETICA FOTOGRAFICA de JOAN FONTCUBERTA,<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-7150807408049552287?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>palominohttp://www.blogger.com/profile/16595261106120190144noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-31632134847487087362007-12-02T18:42:00.000-08:002007-12-02T19:09:43.547-08:00<div style="text-align: justify;"><span style="font-weight: bold; font-family: arial;">I n t r o d u c c i ó n :</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Vivimos en una era dependiente de imágenes, de una gran abundancia y actividades centradas en ellas, da la impresión de que hoy todos actúan acorde a su imagen: la estetizacion de la vida diaria, la transformación de cosas en signos, y la cultura de consumo se alimenta de representaciones por medio de objetos significativos. La popularidad del video en las ultimas décadas y de la fotografía ha transformado el actuar de la sociedad en donde la auto representación es producto importante en el actuar rutinario del hombre posmoderno.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Inundaciones de paginas de Internet en donde el exponerse y retratar la cotidianeidad de la vida es lo que lleva a ser un producto, y a auto comprenderse, y observarse, dejando de lado ese ser fuera de una imagen. Se presiente un miedo al olvido que hace que todo lo fotografiemos y que todo acto quede graficado de alguna forma, por otra parte los medios de comunicación influyen día a día con una cuota no menor de imágenes a nuestra memoria recordando que no estamos permitidos a olvidar.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El tiempo libre generado por tecnologías genera un ocio social, y este ocio comienza a ser visto como un espectáculo al igual que el mundo consumista de imágenes, y el flujo de ir y venir de estas comienza a generar ciclos de dominancia en donde la existencia se ve dominada y organizada en torno a estas mismas.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La importancia que solían tener nuestras fotografías caseras esta cambiando ya que su relación con las practicas dominantes en la vida contemporánea también se encuentra en una etapa de transición, el tiempo libre de las personas hoy se vive de diferente manera, se ve la necesidad de encontrar un punto de encuentro entre el capitalismo consumista y la construcción de una identidad.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Desde el nacimiento de la fotografía digital, que nos estamos acostumbrando a vivir observando de manera constante las vidas ajenas, no existe la vergüenza de saber diariamente el como vive tu compañero, vecino o desconocido, parece normal ver como todos por medio de Internet y de imágenes demuestran como viven, que comen, como visten, como lucen, en donde esta vida cotidiana se ve adornada y a la vez sobrevalorada.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> En la actualidad tomar fotografías es un acto del tiempo libre, en donde la acumulación de imágenes en archivos personales es una gran prioridad, en donde la prioridad esta en la necesidad de saber que todas imágenes están ahí, ya que el mirarlas termina al final de cuentas en una activad marginal, remota, es el acto de fotografiar lo importante, algo no muy diferente a la realidad del álbum familiar.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Y como fenómeno la condicionalidad de la imagen por medio de la experiencia, lo que provoca reacciones de alerta ante tanta exposición, la vida comienza a verse manipulada, y es cuestionable la intención detrás de cada toma, detrás de cada cámara, fotografías por todos lados, apoderándose de los centros de atención, y también de la misma memoria, como no si por medio de cada imagen existe una pose desde luego intencionada, estudiada, una pose de símbolos y códigos que hablan de lo que se quiere decir, la imagen al ser estudiada comienza a perder crédito, y todo comienza a tener el comportamiento síndrome de la memoria recuperada. Estamos viviendo una muerte de la fotografía para darle entrada a una segunda fase de esta, la fotografía digital, en donde la confianza en lo que uno ve ya no es la misma. Las imágenes digitales suponen la manipulación. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La economía cotidiana de la imagen esta cambiando, las tecnologías digitales han supuesto una extensión mayor del volumen y la complejidad del flujo de las imágenes publicas: algo muy apropiado para la lógica consumista. Por lo la marginación de la fotografía domestica como practica de la auto representación.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La fotografía se enfrenta a diferentes roles gracias a la globalización, la fotografía, no es solo el recurso del recuerdo, y es esto lo que la convierte en algo cotidiano, lo que la hace ser obsesiva y no tener control, es que al igual al igual que los teléfonos celulares, hoy tan indispensables como la ropa que usamos, la fotografía es un pilar importante en la forma de comunicarse de los seres humanos, las imágenes y el acto de realizarlas es la representación del como nos relacionamos hoy, y es por esto quizás que el acto de reproducir imágenes lleva consigo una carga comunicativa indispensable hoy, cumpliendo un rol fundamental por ser la prueba directa de los hechos que comunicamos y el adorno que necesitamos ante la soledad a la que se enfrenta el hombre hoy, esenciamos nuestra realidad y la materializamos. Existen tantos medios de comunicación, mails, fax, que hoy la imagen se apodera de un espacio importante en la rutina de todos, estamos ahí por medio de las fotos.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Y ante esa necesidad de retenerse a si mismos y congelarse en una pose eterna, para luego vivir mirándose, mirando, dentro de una auto interpretación de la propia imagen estudiada, que sucede cuando a nuestro existir no le damos la oportunidad de olvido?</span><br /><br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold; font-family: arial;">Fotografía como vehículo de la memoria.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> En la cultura digital lo que esta en juego es el futuro de la auto representación a través de las imágenes.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El álbum familiar es un claro ejemplo de la anteriormente mencionada auto representación, entendiendo este termino bajo el sentido de una auto construcción: la imposición activa sobre nosotros mismos y en nuestra presentación ante la cámara, en la selección de imágenes dignas de ser mostradas. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Montar el álbum familiar es un acto de la memoria (identidad personal, familiar), como una construcción de recuerdos futuros en la practica fotográfica del presente. Nos definimos a nosotros mismos para una imagen y por medio de estas, acto que conlleva a la vez imitaciones, limitaciones en cuanto a que se considera fotografiable y al como se pueden fotografiar también la cosas. Muchas de estas limitaciones hablan de los procesos de idealización del “yo” y de la familia. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La representación de ritos es parte de un ritual social, y por ende de una identidad social, en donde se impone un filtro de sentimentalismo que un fotógrafo profesional (matrimonios, graduaciones) no agrega. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Las fotografías mas habituales son las de los seres queridos, y son tomadas durante e tiempo libre, dejando de lado siempre los momentos de dolor como un accidente, una muerte, también apartamos los momentos considerados monótonos, ya que lo cotidiano generalmente se relaciona con formas de trabajo. La fotografía familiar no es documental, es una fotografía sentimental porque pretende convertir en trascendentes las emociones e identificaciones ternas de los momentos y las personas sacándolos de lo cotidiano, para resaltar un sentido idealizado de su valor y del de nuestra relación con ellos, tanto en el presente como en el recuerdo. Las fotografías domesticas vienen determinadas estrictamente por sus géneros.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La fotografía es, por una parte una mas de las nuevas formas que enfrenta el tiempo libre, pero por otra parte es, un medio de representación de ese tiempo y sus valores para una reconstrucción simbólica de uno mismo. Las fotografías siempre se han exhibido, sobre una repisa, velador, etc. haciendo respetable la imagen de la persona, ya que conmemora y reproduce un momento e idealiza a la persona fuera de la vida cotidiana. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El álbum familiar puede existir y se puede considerar como objeto real, como esa privilegiada selección de imágenes mediante las cuales representamos la identidad familiar a propio y a extraños, significa un proceso de edición de imágenes en símbolos y líneas narrativas mediante las cuales se constituye y establece la identidad familiar, este puede ser reeditado, pero lo que ahí se construye representa una identidad que trasciende la vida diaria, una muestra del pasado. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Nunca se ha escrito mucho sobre los álbumes de familia como objetos reales, pero para los teóricos la metáfora ha cristalizado el proceso de reproducción cultural a través de la auto representación </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Hoy un álbum no significa gran cosa a la hora construir una identidad. Pero este supone una relación con el tiempo, y una idea de que la identidad se va construyendo con el tiempo, continuidad y memoria. Lo que juega un rol importante en la construcción de una identidad es la auto presentación y no la auto representación, y esto va muy ligada a la lógica y consumista de hoy. La imagen se produce siempre en un instante presente y no necesita tomar forma de representación, como construcción de identidad esta en nuestra ropa, cuerpo, en la decoración de las casa, y en toda decisión de estilo en donde el estilo se define por medio de una presentación del “yo” en el momento y no como una representación reflexiva (imaginario).</span><br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold; font-family: arial;">Memoria como proceso, (definición)</span><span style="font-family: arial;">.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> SIN MEMORIA NOSERIAMOS CONCIENTES YA QUE NUESTROS ESTIMULOS PASARIAN SIN DEJAR HUELLA.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La memoria humana es la función cerebral resultado de conexiones sinápticas entre neuronas mediante la que el ser humano puede retener experiencias pasadas. Generando recuerdos.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Estas experiencias, según el alcance temporal con el que se correspondan, se clasifican, convencionalmente, en memoria a corto plazo y memoria a largo plazo </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La memoria humana, a diferencia de la memoria de los animales que actúa principalmente sobre la base de sus necesidades presentes, puede contemplar el pasado y planear el futuro. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Se denominan «memorias sensoriales» a una serie de almacenes como la vista y el oído (los mas estudiados). De información provenientes de los distintos sentidos que prolongan la duración de la estimulación.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El almacén icónico se encarga de recibir la percepción visual. El almacén ecoico, mantiene almacenados los estímulos auditivos hasta que el receptor haya recibido la suficiente información para poder procesarla definitivamente en la «Memoria Operativa».</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La Memoria Operativa o memoria a corto plazo es el sistema donde el individuo maneja la información a partir de la cual está interactuando con el ambiente, está limitada si no se repasa.</span><br /><span style="font-family: arial;">...</span><br /><span style="font-family: arial;"> La memoria a largo plazo, es un almacén al que se hace referencia cuando comúnmente hablamos de memoria en general. Es la estructura en la que se almacenan recuerdos vividos, conocimiento acerca del mundo, imágenes, conceptos, estrategias de actuación, etc.</span><br /><span style="font-family: arial;">Dispone de capacidad desconocida y contiene información de distinta naturaleza. Se considera como la «base de datos» en la que se inserta la información a través de la «Memoria Operativa», para poder posteriormente hacer uso de ella.</span><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold; font-family: arial;">I m a g e n y m e m o r i a<br /><br /></span><span style="font-family: arial;"> La obsesión contemporánea por la memoria puede ser la contra cara del pánico ancestral al olvido. Marchamos hacia una musealizacion del mundo, se pregunta Andreas Huyssen en este ensayo presentado en el Primer Encuentro Internacional por la Construcción de la Memoria Colectiva organizado por la Comisión Provincial por la Memoria. Y cuestiona,"¿acaso no estamos creando nuestras propias ilusiones del pasado mientras nos encontramos atrapados en un presente que cada vez se va achicando mas”? El presente texto es un capítulo de "En busca del futuro perdido. Cultura y memoria en tiempos de globalización".</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Podemos ver en la sociedad de hoy Habitantes obsesionados con la perfección en todos los sentidos, en donde evitar el paso del tiempo es toda una meta en las vidas del ser humano contemporáneo. Evitar el paso del tiempo y la objetivación del ser, por lo que dejamos de vernos como resultado de estas nuevas obsesiones, buscamos cambiar nuestra autenticidad y reemplazarla por una copia, sustituta de la realidad.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Y el concepto ilusión comienza hacerse cargo de toda realidad virtual, de toda interpretación que le damos a nuestra existencia, por medio de una experiencia que engaña a la conciencia haciéndola creer que es el actor de algo que no esta sucediendo. Y así igualmente la Simulación, en donde es resucitado todo sistema de signos y suplantado lo real, sin terminar en la parodia ni tampoco la imitación.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> En el momento de fotografiar se genera una disuasión de todo proceso real por su doble operativo, la cámara fotográfica, maquina de índole reproductiva que entrega en su acto signos de lo real simultáneamente se reconoce como sistema de muerte y resurrección anticipada de lo real y lo imaginario.</span><br /><span style="font-family: arial;"> Lo que esta en juego es el poder mortífero de las imágenes, en donde lo real se ve reemplazado, dejando de lado su propio modelo, así como los iconos Bizancios lo hicieron con la identidad divina. En la sociedad occidental vemos como los Signos son reemplazados por el sentido, si Dios puede ser reproducido a un signo (todo) todo puede terminar siendo un simulacro, sin decir falso, irreal. Viendo el simulacro como lo diferente a lo irreal. Ya que no termina siendo trastocado, pero dándose a cambio de un circuito interrumpido donde la referencia no existe.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Con la reproducción desenfrenada de imágenes lo real deja de ser lo que era, y todo se vuelve subjetivo, al mismo tiempo sospechoso, y de la sospecha la nostalgia cobra todos sus sentimientos, por la intensa búsqueda de la verdad de nuestro inconciente, en donde la objetividad y la autenticidad escasean en la gran mayoría de reproducciones.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Comienza la resurrección de lo figurativo, y poco a poco la sustancia y el objeto van desapareciendo. Somos parte de una cultura lineal y acumulativa, por estos mismos necesitamos conservar la “mercancía” del pasado y exponerla para no derrumbarnos. No mostramos como seres capaces de restaurar un cierto orden visible por lo que claramente necesitamos de un pasado (visible) que nos tranquilice acerca de nuestros fines, en el fondo nunca hemos creído en ellos.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Cuando depende de un ente su representación, su futuro y pasado en donde estos son la representación que cuenta con la naturaleza y ajusta cuenta con la historia.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Objetivación del ente en su representación, poner al ente ante si de tal forma que el hombre que calcula pueda estar seguro de lo ente o lo que es lo mismo, certeza de el. Lo ente se determina objetivamente por primera vez ante la representación por medo de la reproducción de algo, como recuadro entre lo ente y su totalidad, en cuanto a pretensiones representativas. Produciendo conciencia de el ente ante si mismo para ser, lo que ocurre con el, mantenerlo por medio de la auto representación.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El hombre se convierte en el representante de lo ente en el sentido de lo objetivo. El hombre dispone por si mismo el modo en que debe situarse respecto a lo ente como objetivo. El hombre dispone por si mismo el modo en que debe situarse respecto a lo ente como objetivo. “capacidades humanas” dominio del ente en su totalidad.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El actuar se va limitando a contemplaciones retrospectivas, por ende, de ir entendiendo el mundo por lo representado, todo se vuelve subjetivo, y la memoria histórica queda a una libre interpretación, limitada a su propia visión de si mismo y su propio entorno.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;">YO: Arbitrario</span><br /><span style="font-family: arial;"> Nosotros de la sociedad: SUBJETIVO</span><br /><span style="font-family: arial;"> INDIVIDUALISMO.</span><br /><span style="font-family: arial;"> </span><br /><span style="font-family: arial;"> El Sujeto: calcula, planifica, corrige, se instala a si mismo en el mundo.</span><br /><span style="font-family: arial;">y con las mismas actitudes humanas entendemos la existencia de una obsesión con el pasado, y de un miedo al olvido presente en la obsesiva forma actual de generar imágenes, ya incluso sin conciencia clara, no un tema el olvido. Así también no es difícil darse cuenta de la real influencia de los medios tecnológicos a la hora afectar y dirigir la estructura de la memoria.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Transformación de la sensibilidad colectiva en cuanto a la conciencia del existir, (espacio-tiempo). Y es que el paso del tiempo a llevado a generar un obsesion colectiva con e fin, motivo suficiente para la reproducción descontroladas de imágenes como memoria, se han escrito multiples potulados sobre el fin de la historia, del sujeto, ideologías que hablan del fin, holocausto.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Hechos que fracturan el colectivo imaginario, generando discursos sobre la memoria. </span><br /><span style="font-family: arial;">Luego del modernismo se globaliza la memoria, marketing masivo de la nostalgia, diversos emprendimientos para proteger el patrimonio y el acervo cultural heredado, ola de nuevos edificios museos que no muestra signos de retroceder, boom de la moda retro, escritura de memorias, confesiones, auge de la autobiografía. Y en las artes visuales el medio fotográfico se manifiesta el aumento de documentales.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Síndrome de la memoria recuperada, traer el pasado hacia el presente.</span><br /><span style="font-family: arial;">La memoria se ha convertido en una obsesión cultural de monumentales proporciones en el mundo entero.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La tarea interpretativa obstaculiza o profundiza las practicas y las luchas locales por la memoria o cumple con ambas funciones a la vez. La cultura de la memoria contemporánea leída en general como formaciones reactivas a la globalización económica. Hoy se le critica su amnesia, anestesia, falta de conciencia histórica como critica a los medios, obsesión contemporánea por la memoria, intenso pánico publico al olvido vemos como la cultura se encuentra saturada por los medios, Los medios no transportan la memoria pública con inocencia. La configuran la estructuran y en su forma misma exceso de memoria que genera una sobrecarga que a la vez genera un sistema de memoria que corre peligro de implosión.</span><br /><span style="font-family: arial;">En América latina, el temor al olvido se ve expresado en los familiares de detenidos desaparecidos la falta de sepulturas. Ha generado una Fuente de memoria humana.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Cuando más se espera de nosotros tanto mas es el riego a que olvidemos y tanto mas fuerte la necesidad de olvidar ante esto, existe la obligación de saber distinguir entre pasados utilizables y descartables.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> La memoria como un impulso del deseo de anclarnos en el mundo del tiempo escaso y fracturado del espacio. </span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> En conclusión, la investigación histórica de la memoria como fenómeno global, nadie queda afuera de la sobre exposición generada la excesiva memoria sin razón clara. Miedo a lo absoluto a desaparecer, memoria e imagen visto como un baluarte que nos proteja de la velocidad del cambio. Lamento moderno: perdida de un pasado mejor, y es la nostalgia falsa que genera la excesiva reproducción de imágenes, falsedad de querer creer por medio de esa memoria recuperada en las imágenes de que todo tiempo pasado fue mejor, y es que una imagen siempre estará cargada de valores estéticos dominantes difíciles de omitir a la hora de querer recordar.</span><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold; font-family: arial;">C o n c l u s i ó n: </span><br /><br /><span style="font-family: arial;">El olvido </span><br /><span style="font-family: arial;">¿Que es olvidar?</span><br /><span style="font-family: arial;"> Olvidar es una acción involuntaria que consiste en dejar de recordar o de guardar en la memoria información adquirida. A menudo el olvido se produce por el “aprendizaje interferente”, que es el aprendizaje que sustituye a un recuerdo no consolidado en la memoria, y lo “desaparece” de la conciencia debemos recordar que uno recuerda que ha olvidado algo, es decir, que sabe que tenia un conocimiento que ya no esta allí, por lo tanto los recuerdos olvidados no desaparecen, si no que son sepultados en el inconciente.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> El olvido carga con la connotación negativa de la muerte, con la desaparición. Y es que el olvido es dejar de recordar, y quien no quisiera entender su vida por medio de la memoria y tener realmente su vida tan organizada encajonada en estantes con nombres y etiquetas, etapas, edades, y saber de que forma esta viviendo, y es esto lo que la gente busca y simula con la fotografía, y en un acto inconciente todo ser necesita fotografiarse ante cada momento emotivo o no, trascendente o no, crucial o no, en cualquier momento la cámara no puede no estar y es que la palabra olvido no tiene espacio en la era de las comunicaciones, y es que estar pendiente de las imágenes nos fuerza a vivir en una pretenciosa forma de estetizar toda nuestra existencia sin poder asumir quizás nuestros desastres, al vernos fotografiados cumpliendo nuestras expectativa que guardamos de nosotros, la tranquilidad, y así también la sinceridad de vernos tal cual somos queda de lado, asumirnos queda fuera del espacio hoy.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;">Olvido se transforma en una palabra hipótesis de este escrito. Porque hipnóticamente planteamos un mundo en donde las imágenes se quedan fuera de las experiencias para poder estar en cada uno de estos instantes con nuestra plena conciencia de lo real, de los sentidos que podemos poner en acción para recordar, luego la experiencia y poder retenerla como un recuerdo. Y es que los recuerdos no siempre deberían estar guardados n nuestro computador o CD. Todo recuerdo tiene su destino, el del olvido, la eliminación de la experiencia, y esto no debiera estar cargado de lo negativo porque la experiencia esta acumulada en nuestra existencia y esta la cargamos con lo que somos. Olvidar habla de no recordar, pero olvidar no significa una no existencia, las pruebas de los hechos están y habitan en nuestras experiencias y ellas habitan en nuestra esencia, en nuestra propia “sabiduría”.</span><br /><br /><span style="font-family: arial;"> Y es que hoy por hoy nuestras imágenes están siendo tan manipuladas que olvidar es la alternativa mas sincera que nos queda para poder vivir con sinceridad y dejar que nuestro inconciente este también alimentado por medio de nuestros olvidos.</span><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br />.<br /><br /><br /><br /><br /></div><div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-3163213484748708736?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>corazondeorejanoreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-61903505086072138552007-12-02T15:38:00.000-08:002007-12-02T15:46:20.394-08:00Índice<br /><br />1. Introducción <br /><br />2. El Sueño Inconsciente: <br />- El Psicoanálisis de Sigmund Freud <br />- El Ideal del Yo de Jaques Lacan <br />- La Psicología Analítica de Carl Jung <br /><br />3. El Sueño Consciente: <br />- La Psicomagia de Alejandro Jodorowsky <br /><br />4. La Imagen Retórica: <br />- Retórica e imagen publicitaria de Jacques Durand <br />- Cartas de Visita <br /> <br />5. Arte-terapia: <br />- Definición y usos del Arteterapia <br /><br />6. Fotógrafos que han utilizado la fotografía con fines terapéuticos: <br />- Evelyn Ruman, con su obra “Autoimagen Marginal” <br />- Paula Ubilla, con su obra,<br /> “Proceso de desnudo, mujeres chilenas (cuerpo pudor)” <br /><br />7. Conclusión <br /><br />8. Bibliografía <br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">1. Introducción</span><br /><br />Toda imagen fotográfica, por esencia, guarda tras ella un valor específico de tipo temporal. El sólo hecho de ser una fotografía da a entender que lo que esté ahí plasmado es parte del pasado, y por lo mismo, en el presente, esa foto “re-presenta” . A ese fenómeno de re-presentar que tiene la fotografía se le ha puesto varios nombres: la fotografía como índice, huella, representación de la realidad, símbolo, significante, significado etc.<br />Es tal la fuerza que adquirió la imagen fotográfica, pasando de ser tan sólo un invento científico-técnico, a ser considerado un elemento fundamental en los estudios de semiótica.<br />Por ejemplo, en la publicidad, el rol de la fotografía es esencial en su objetivo: crear necesidad. ¿Y cuál sería la mejor manera? Lograr llegar al inconsciente de la gente. La manera más fácil de hacerlo es por medio de la imagen fotográfica, ya que, en primer lugar, vivimos en una época en que las imágenes son protagonistas en nuestra vida cotidiana. En segundo término, la imagen es símbolo por esencia y la publicidad se aprovecha de esa característica y llena las imágenes de aún más símbolos, que son procesados por nuestro inconsciente que luego lo hace consciente a través de la necesidad del producto en cuestión.<br />Yo quiero aprovecharme también de esa gran característica de la fotografía, quiero aprovecharme de la fuerza de la imagen, pero para hacer otro tipo de publicidad…si así se le puede llamar.<br /><br />La hipótesis que guía la presente investigación es que la fotografía puede llevar a la persona al cumplimiento del deseo, por medio de los símbolos que actúan a través del inconsciente Este sueño debe ser un deseo real, un deseo que mire hacia el futuro, un deseo de ser algo o de realizar alguna acción que siempre se quiso y nunca se pudo, o nunca se intentó. Un deseo profundo y trascendente.<br /><br />¿Pero por qué tanto alboroto por un sueño?<br /><br />Porque creeemos que muchas de las inseguridades, los miedos, la imposibilidad económica, la falta de cultura, la marginalidad y otros, han sido culpables de no dejar que la gente se realice, y por lo tanto genera infelicidad, perturba y frustra. En casos extremos genera violencia, agresividad o depresión.<br />Yo quiero fotografiar a la gente realizando ese sueño, viviendo la experiencia de la fotografía para él mismo y para la gente. Esto puede sonar iluso: cómo una simple foto va a sacar a alguien de la dificultad económica en que se encuentra, por ejemplo. Puede que no lo haga, pero soy una convencida de que al exponer a alguien a realizarse, aunque sea por un instante, y quedarse con el recuerdo más obvio que entrega la fotografía, ello puede cambiar aunque sea la mirada y perspectiva de la vida. Si uno se ve reflejado como un amargado, es probable que sea un amargado, pero si uno se ve reflejado como exitoso, pueden haber más probabilidades de que lo logre, por el sólo hecho de verse exitoso, de conocerse así, o bien de re-conocerse.<br /><br />Acá lo más importante -y es donde aludo a la publicidad- es intentar hablarle al inconsciente de la persona fotografiada. El inconsciente funciona de otra manera, opera con otros signos, signos menos entendibles para el estado consciente, pero obvios para nuestro inconsciente.<br /><br />Es por eso que las fotografías deben estar enriquecidas de elementos simbólicos, que aporten positivamente en la concepción de la imagen final.<br /><br />El objetivo central de este trabajo es investigar de qué manera y bajo qué respaldo teórico esta idea podría funcionar. Para esto recurriré al estudio del inconsciente, los sueños, el psicoanálisis y la imagen del Yo, apelando a autores clásicos como Freud, Lacan y Jung.<br /><br />También estarán presentes métodos del lenguaje para crear este tipo de imágenes fotográficas, citando en este caso a Jacques Durand y la imagen retórica. <br /><br />Alejandro Jodorowsky también estará presente, en lo concerniente a la psicomagia. El arte-terapia, sus funciones, su aceptación y sus resultados, acompañarán esta investigación en su parte final, donde, de alguna manera, y trabajando con la fotografía de una manera artística, se puede contribuir a que las personas puedan sentirse mejores, desarrollando su autoestima, seguridad y confianza.<br /><br />Al final citaré a algunos fotógrafos que hayan hecho algo parecido, algo que se asemeje con lo que yo quiero realizar a futuro, de manera de convertir esta investigación teórica, en una realidad práctica.<br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">2. El Sueño Inconsciente</span><br /><br />Para comenzar esta investigación, es fundamental hacer una revisión teórica sobre lo que el psicoanálisis aporta hacia la hipótesis inicial: la fotografía puede llevar a la persona al cumplimiento del deseo, por medio de los símbolos que actúan a través del inconsciente.<br /><br />Esta corriente de la psicología posee en sus fundamentos la idea de que el inconsciente es una fuerza poderosa que domina e influye en el actuar cotidiano de todo ser humano, y que es a través de los sueños donde cada uno expresa sus deseos, libre de los efectos de la represión del estado consciente.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Sigmund Freud</span><br /><span style="font-weight: bold;">El psicoanálisis</span><br /><br />“El objetivo del psicoanálisis es robustecer el yo, hacerlo más independiente del super-yo y ampliar su dominio sobre el ello.”<br /><br />Freud hizo estudios del ser humano y se dedicó a analizar sus comportamientos neuróticos. Se dio cuenta que las personas no sólo actuaban de manera consciente: descubrió y denominó lo que ahora conocemos como inconsciente.<br /><br />Este inconsciente humano se expresa a través de los sueños, de las asociaciones libres, y de los actos fallidos . Además, se rige por el principio del placer, donde la tendencia a realizar los deseos es libre, espontánea, y por ende, gratificante; pero es alucinatoria. No hay tiempo, no hay espacio, no hay lógica.<br /><br />Luego, Freud habla de las “estructuras del aparato psíquico” : el yo, el super-yo y el ello. El yo es lo consciente, lo racional y lo real, lo que permite que el individuo se relacione con la realidad y es la instancia que lidia con las fuerzas contrapuestas del super-yo y del ello; el super-yo tiene elementos conscientes e inconscientes, viene de la introyección de la figura de los padres, de lo que han enseñado que es bueno y malo, y se configura en el “deber ser” de las personas; el ello corresponde a lo inconsciente e instintivo y es gobernado por el principio del placer que se mencionaba anteriormente. Freud lo denomina como desorganizado, emocional, oscuro y difícilmente accesible. <br /><br />Freud, al desarrollar una teoría del inconsciente, deriva en su teoría de los sueños, y en cómo él trabaja con ellos. Uno de los elementos importantes a tener en cuenta para hacer un correcto psicoanálisis, era el del análisis de los sueños: “para Freud eran la ‘vía regia’ hacia el inconsciente. Son ejemplo paradigmático de actividad inconsciente y comparten la estructura de los síntomas neuróticos. Distingue entre el contenido manifiesto (lo soñado, lo que aparenta el sueño) y el contenido latente (su auténtico significado).”<br /><br />De esta manera, lo que Freud o el sicoanalista debían hacer era desenmascarar el contenido latente de los sueños, que se ven influidos por mecanismos tales como:<br /><br />- Condensación: concentrar varias ideas latentes en una o pocas ideas o contenidos manifiestos.<br />- Desplazamiento: modificación y reordenamiento de los contenidos del sueño, desplazar lo principal del contenido latente a un lugar secundario del relato.<br />- Dramatización: expresar en forma de historia un contenido latente.<br />- Simbolización: emplear en el contenido manifiesto símbolos para enmascarar los contenidos latentes.<br /><br />Para Freud, una de las funciones principales de soñar era la ‘realización simbólica del deseo inconciente’.<br />Eso se podrá hacer a través de la fotografía: se realizará un deseo utilizando elementos simbólicos y retóricos que serán fotografiados. El sueño se hará visible, palpable, consciente, y por sus mismos elementos simbólicos “hablará” con el inconsciente. <br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">Jaques Marie Emile Lacan</span><br /><span style="font-weight: bold;">Teoría del estadio del espejo</span><br /><br />Citar a Lacan es necesario porque éste filósofo, sucesor de Freud, hizo grandes estudios mezclando la psiquiatría, la psicología y la sociología. Unas de sus grandes teorías es la Teoría del estadio del espejo. Esta teoría postula, a grandes rasgos, que las personas al nacer son completamente indefensas, no pueden comer, caminar, hablar ni comunicarse por ellas mismas. Son completamente prematuros, ni siquiera nacen “completos”, falta desarrollar parte del cuerpo y del sistema nervioso. La pregunta era: ¿cómo llega el niño a dominar la relación con el cuerpo? A lo que Lacan respondió: “El niño se identifica con una imagen que está fuera de él, y que puede ser una imagen real en el espejo o simplemente la imagen de otro niño” . Esto quiere decir que la propia concepción del niño era dada por una imagen de afuera, externa a él. Ese es el principio del desarrollo: si me identifico con una imagen externa a mí, puedo hacer cosas que antes no podía .<br /><br />Para empezar, esa es la clave inicial de la hipótesis a trabajar: la identificación con una imagen podría generar cambios a nivel personal. Si se aplica esto a la fotografía, y al acto de representación de sí mismo en una imagen, se crea la sensación de que cada persona tiene una visión de sí mismo que puede ser alterada por cada uno. El resultado de ese acto será una imagen con fuerza y un lenguaje propio, que tendrá un sentido subjetivo, que habla a cada cual según sus deseos.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Significante y significado</span><br /><br />El significante es una imagen acústica (como una palabra), y el significado es un concepto. Generalmente nosotros utilizamos significantes para acceder a los significados, o sea, para decir lo que queremos decir. La palabra nos permite acceder al sentido. Es decir, a través de las palabras transmitimos un mensaje que nos hace sentido, y frente a eso reaccionamos. El lenguaje entonces, sirve para la comunicación mutua. En este caso le damos prioridad al significado.<br /><br />Lacan tenía una teoría contraria: “En vez de suponer que entre el significado había transparencia, un fácil acceso de la palabra al sentido, sostuvo que existía una barrera real, una resistencia. Una palabra no revela tan simplemente su sentido. Más bien conduce a otras palabras en una cadena lingüística, así como un sentido conduce a otros…El grupo de significados se organiza a partir de los nexos existentes entre las palabras. Hay pues una prioridad del significante, el elemento verbal, material, en la vida psíquica” .<br /><br />Muchas veces las palabras establecen significados que trascienden, que van más allá de la comprensión de quienes las usan. Hay veces en que lo que uno quiere decir no calza exactamente con las palabras que utilizamos, y eso produce malos entendidos de los que estamos más que acostumbrados.<br /><br />En el caso de los gestos de comunicación no verbal, muchos gestos se convierten en significantes, algo quiere decir, aunque no podamos decir con certeza qué. Los significantes se entrelazan de una manera muy difícil de dilucidar conscientemente, pero nos afectan mucho en nuestra vida de todos modos. Organizan nuestro mundo, cuya trama misma es simbólica.<br /><br />Si volvemos ahora a la teoría del estadio del espejo, Lacan hace referencia a cómo lo simbólico afecta al niño incluso antes de su nacimiento. Antes de nacer ya tiene nombre, ya tiene una condición social-cultural, e incluso los padres ya le han trazado el futuro. Luego comienza la etapa de identificación con la imagen externa, para poder aprender imitando, y al mismo tiempo lo definen las palabras de sus padres. “Si el niño está capturado en una imagen, aun así asumirá como elementos identificatorios los significantes del habla de sus padres. ” Tan común y tan simple como cuando la madre le dice a su hijo lo parecido que es a su abuelo, o si se porta mal, le dice ‘eres igual de malo que tu hermano’. De esta manera se pone al niño en un universo simbólico del que ni siquiera es consciente. Se liga a su imagen por nombres y palabras, por representaciones del leguaje. Sin saberlo, eso puede causar muchísimos problemas en la vida del niño, ya que a la larga uno repite las conductas que le imponen. Si le dicen: eres malo, malo, malo…es muy probable que ese niño sea malo, o bien podría convertirse en un santo. “La identidad del niño depende de cómo asuma las palabras de los padres”.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">El Ideal de Yo y el Yo Ideal</span><br /><br />Hay entonces una identificación que va más allá de la identificación con la imagen, y en cierto sentido es anterior: la identificación simbólica con un elemento significante.<br /><br />Lacan lo denomina “identificación con el Ideal”, pero la palabra ideal no tomada de su concepción de perfección. Es un Ideal no consciente.<br /><br />La clave de la teoría de la identificación es que la identificación simbólica con un elemento ideal evita que el sujeto quede totalmente a merced de las imágenes imaginarias que lo han capturado. Aquellos provienen de otro registro, el simbólico, y sirven para enraizar al sujeto, para darle una base en esta estructura.<br /><br />“De ahí que Lacan diferencia el ideal del Yo con el Yo ideal, términos que aparecen en diversos lugares de la obra de Freud. Según la formulación lacaniana de 1953, el yo ideal es la imagen que se asume y el ideal del yo es el elemento simbólico que otorga a cada cual su sitio y le indica el punto desde el cual es mirado por los demás. Si uno conduce un auto a toda velocidad, podría deberse a que ha asumido la imagen de un corredor de carreras, identificándose con él. Esto se refiere al yo ideal. Pero la verdadera pregunta es: ¿para quién se identifica con ese corredor?<br />Esta es la dimensión del ideal del yo. Clínicamente, no sirve de mucho señalarle a un paciente su identificación con un yo ideal. Para desarticular esto, debe apelarse a la dimensión simbólica, al registro del ideal del yo. ”<br /><br /><br /><br /><br /><br />Siguiendo los planteamientos de Lacan, se descubre que muchas de las ideas que se quiere demostrar en la presente investigación se ven sustentadas por el autor.<br /><br />La propuesta principal es trabajar con el ideal del yo de diferentes personas. Así como todos creamos nuestra “imagen imaginaria”, y todos hemos sido expuestos a cantidades infinitas de símbolos significantes, pensar que si a una persona, consciente, se le hace recrear una imagen que represente un “ideal del yo”, que represente un futuro, su idea de sí mismo y, además, agregarle elementos simbólicos que trabajen por medio del inconsciente (como sucede en las imágenes publicitarias, o imágenes retóricas), podría cambiar la percepción de sí mismo. Es una nueva construcción del Yo, pero esta vez hecho por uno mismo, y con un registro tan latente como lo es la fotografía. <br /><br /><span style="font-weight: bold;">Carl Jung</span><br /><span style="font-weight: bold;">Psicología analítica</span><br /><br />Jung fue discípulo de Freud y se interesó por la interpretación de los sueños que había realizado. Pero su mayor aporte tiene relación con el desarrollo de la teoría del inconsciente colectivo. Plantea que entre las personas hay un espacio inconsciente transpersonal que compartimos con toda la humanidad, respetando las diferencias individuales.<br />En el modelo de Jung la psique consta de tres partes : la conciencia, el inconsciente personal y el inconsciente colectivo .<br />La conciencia tiene un papel secundario respecto a los dos inconscientes . Su función fundamental es servir al sujeto para adaptarse al ambiente . El "ego" es la parte central de la conciencia y tiene la función de otorgar el sentido de continuidad e identidad personal a través de la vida, el sentido de "sí-mismo" . Esta parte de la mente, que es la conciencia, es la única parte que el individuo conoce directamente. El Yo (ego) por lo tanto no es idéntico a la totalidad de la Psique . Esta actividad yoica organiza la actividad consciente que consta de pensamientos, recuerdos, percepciones y sentimientos conscientes .<br />El inconsciente personal abarca aquellos aspectos de la mente que han sido reprimidos y los recuerdos aparentemente olvidados . También contiene las funciones de la "percepción subliminal" y la actividad de los sueños y fantasías relacionadas con recuerdos, deseos y experiencias personales reprimidas u olvidadas .<br />La tercera región de la psique, el inconsciente colectivo, es la más importante en la vida del sujeto. Es el sustrato mas profundo de la mente, presente en todos los individuos desde su nacimiento. Conforma la dimensión objetiva de la psique (frente a la subjetiva del inconsciente personal) , al contener la experiencia humana de las generaciones de la humanidad. El inconsciente colectivo está dotado de propósito e intencionalidad, cuya fuerza energética reposa en elementos primordiales o arcaicos, llamados "arquetipos" . Esta región de la mente jamás puede enfermar, ya que contiene las experiencias y los mensajes primordiales de la humanidad . Por otro lado, el inconsciente colectivo no deriva de las experiencias ambientales y personales del sujeto.<br /><br />El inconsciente colectivo es la región de la estructura de la mente más profunda y de mayor importancia para Jung . Es la fuente de toda la energía psíquica, incluida la conciencia, y es la parte básica de la líbido. Posibilita que el sujeto se ponga en contacto con las fuerzas cósmicas supraindividual ( no en vano se ha considerado a Jung como el primer psicólogo transpersonal) . Contiene toda la herencia espiritual de la evolución de la humanidad, las grandes "imágenes primordiales" de cómo las cosas han sido para la humanidad, y aparece nuevamente en la estructura cerebral de los sujetos . El inconsciente "objetivo" es el inconsciente colectivo, al contener la misma información heredada para todos los sujetos , frente al inconsciente personal que es de tipo "subjetivo" al contener las experiencias y deseos personales de la vida particular de cada uno .<br />Las imágenes primordiales son los "arquetipos", que Jung define de la siguiente forma: <br />“ Los arquetipos son los patrones fundamentales de la formación de símbolos que se repiten en los contenidos de las mitologías de todos los pueblos de la historia de la humanidad" . <br />De los arquetipos dependen las últimas y mas profundas motivaciones de la mente y la conducta humana individual y colectiva . Las pautas culturales en última instancia dependen de los arquetipos . Son los sustratos universales y perennes de toda la vida psicológica individual y colectiva . El núcleo central de los significados contenidos en los arquetipos no es definible, por ser esencialmente inconsciente, por lo que solo se puede circunscribir la forma de sus contornos a través de los mitos, leyendas, religiones y otras actividades humanas colectivas e históricas .<br />Lo que se hereda en los arquetipos son los patrones subyacentes a la formación de símbolos, no los mismos símbolos . Los símbolos expresan conscientemente la parte de configuración de los arquetipos inconscientes subyacentes . Las imágenes y las ideas en las que se expresan los arquetipos, que son los patrones fundamentales en la formación de símbolos, se manifiestan en una gama simbólica que abarca<br />experiencias tan diversas como los sueños, el arte, las mitologías y religiones, las llamadas experiencias "paranormales" y gran infinidad de actividad humana .<br />Algunos importantes arquetipos:<br />- La Madre y Madre Tierra: representa la materialidad del sujeto.<br />- La Sombra: representa la parte negativa del sujeto, el inconsciente reprimido.<br />- El Anima y el Animus: parte femenina presente en el hombre, y parte masculina en la mujer, respectivamente. Generalmente son reprimidas en cada sexo.<br />- El Tesoro: representa la meta y la plenitud deseada por la persona.<br />- El Mandala: representación de la armonía perfecta de los opuestos, su integración total en el psiquismo<br />- Maná: representación de la espiritualidad.<br />Jung decía que no existía un número fijo de arquetipos que pudiésemos listar o memorizar. Se superponen y se combinan entre ellos según la necesidad, y su lógica no responde a los estándares lógicos que entendemos.<br />Para Jung, al igual que Freud, la interpretación de los sueños es fundamental para entender o encontrar el problema de la persona, pero Jung, a diferencia de Freud, planteaba que en los sueños también estaba escondida la solución a dicho problema.<br /><br />Entendiendo las tres teorías recién expuestas, podríamos decir que el inconsciente se expresa de modos bastante difíciles de interpretar. Guarda aspectos de la niñez que marcan al individuo sin ni siquiera éste saberlo, mantiene una imagen de sí mismo dada por sus propias experiencias y por la que los padres le impusieron. El inconsciente busca su salida más involuntaria a través de los sueños. Digo involuntaria, porque el inconsciente puede hacerse presente a través de hipnosis, asociaciones libres, y otros métodos utilizados por el psicoanalista. Pero los sueños se sueñan (mientras se duerme), queriéndolo o no. <br />Estos sueños expresan el inconsciente y la función del psicoanálisis es hacerlos conscientes, para entender de qué se tratan. Si el individuo se hace consciente de si mismo, de sus problemas y sus enfermedades, podrá, él mismo, generar un cambio. La imagen que tiene de sí podrá volver a crearla si él lo desea. Y es en este momento donde me alejo del psicoanálisis por un momento, y le entrego el poder absoluto al Yo, al individuo, al ser consciente, o como quiera llamársele. Si uno es consciente no hay nada que no pueda hacer.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">3. El Sueño Consciente </span><br />Soñar es inherente en todo ser humano. Existen los sueños que expresan los deseos del inconsciente, como hablamos anteriormente, que se muestran simbólicamente y que el psicoanalista interpreta. Estos son los sueños que tenemos al dormir. Pero también tenemos otro tipo de sueños: el sueño consciente. Estos se manifiestan cuando estamos despiertos, y generalmente se confunden con deseos, necesidades o pura imaginación. “Mi sueño es poder volar”, ese es un tipo de deseo que tiene una persona de hacer algo que le es simplemente imposible, al menos por sus propios medios naturales de ser humano. “Mi sueño es tener… una casa, un auto, ese juguete, plata”, ese tipo de sueño se relaciona con una necesidad de algo, generalmente material. Decir esto no es soñar propiamente tal, pero extrañamente en el lenguaje entre las personas se entiende como tal. Soñar jamás ha sido sinónimo de querer, de necesitar o de imaginar, pero cuando uno duerme y sueña, muchas veces ese sueño realiza esos deseos de una manera que la persona misma interpreta como realidad, cuando olvida o no sabe que los sueños son símbolos del inconsciente. De esta manera, y recurriendo, en cierto sentido a la psicomagia, es cuando mi hipótesis toma forma. Se deben realizar estos sueños en forma consciente. Cumplir estos deseos, saciar estas necesidades y hacer que la imaginación cobre vida, es lo que se intenta hacer a través de la fotografía representando estas situaciones metafóricamente, y comunicándose con el inconsciente, a través de la retórica y símbolos. El inconsciente considerará este mensaje como real, en la medida que le sirva y funcione. Si lo toma como real, la persona se sentirá realizada, confiada y aliviada, porque se habrá desecho de su sueño incumplido. Toda necesidad, deseo o sueño no realizado es perturbante.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Alejandro Jodorowsky</span><br /><span style="font-weight: bold;">Psicomagia</span><br /><br />“La psicomagia consiste en dar consejos para solucionar problemas, aplicando de forma no supersticiosa las técnicas de la magia. Los elementos con los que se cuenta son toda clase de actos simbólicos que puedan se propuestos a una persona.<br />Lo primero de lo que tenemos que ser conscientes es de que cuando una persona tiene un problema hay que introducirla en su problema, para que sea consciente de él. Hay que llevarla al límite de su problema, no apartarla enseguida de él, sino enfrentarla a sus miedos. Una vez superados éstos, la angustia desaparece y la persona puede remontar. Si uno tiene miedo de algo, hay que enfrentarle a ese miedo. Esto no es algo original: hay que poner a la persona frente a su angustia. A partir de ahí, hay métodos concretos para ayudarla. En el caso de que una persona haya sufrido toda su vida, lo único que puede hacerse es dejarla morir y que renazca de nuevo. Esto se hace metafóricamente, por ejemplo cambiándole el nombre y haciéndole una tarjeta de visita nueva.”<br /><br />Jodorowsky me da la razón, con respecto a lo que hablábamos anteriormente del hacerse consciente de uno mismo y de los problemas, y que de esa manera la persona podrá hacer lo que quiera. La psicomagia no pretende solucionar los problemas por arte de magia, es necesario que la persona quiera sanarse y esté dispuesta a hacerlo. Si no, una terapia metafórica jamás funcionará. Con la representación fotográfica pasa algo parecido: si la persona accede a fotografiarse en su deseo, es necesario que crea en él. No estamos hablando de creencias espirituales o esotéricas, es más que nada creer en uno mismo, y creer en que podrá cumplir su sueño, aunque en la realidad lo vea como algo imposible. Esa es la gracia de todo, que si no se puede de una manera, tendrá que ser de esta otra, pero la esperanza no se volverá a perder.<br /><br />A continuación citaré otro extracto del libro de Jodorowsky, ”Psicomagia”, donde explica la función de la psicomagia:<br /><br />“Usted suele decir que curar es todo menos un juego surrealista…pero en sus recetas de psicomagia hay mucho de juego y hasta de humor.<br />Hay algo de humor, pero lo que ocurre es que en el momento que hacemos algo que nunca hemos hecho, ya estamos en el camino de la curación. Hay que romper las rutinas. Como hablamos del lenguaje del inconsciente o de los sueños, estos actos pueden resultar extraños en apariencia. Es el camino contrario al seguido por Freud con el psicoanálisis y los sueños. El psicoanálisis anota los sueños y los interpreta a la luz de la razón, va de lo inconsciente a lo racional. Yo voy al revés: tomo lo racional y lo vuelco al lenguaje de los sueños, introduciendo los sueños en el lenguaje de la realidad. Los actos psicomágicos equivalen a construir sueños en la realidad. Si estas cosas no suceden, hay que hacer que sucedan. La realidad busca la liberación onírica, y hay que hacer que pase algo para que alguien se cure. Todo lo que sale de lo racional hace reír o espanta. Risa o espanto son sólo reacciones para salirse de lo común.”<br /><br />Tomando textualmente las palabras de Jodorowsky podrán darse cuenta de que él invita a invertir el proceso freudiano del análisis de los sueños y el inconsciente; afirmarse de lo consciente y llevarlo a través del lenguaje de los sueños, los símbolos y las figuras retóricas, al inconsciente. Qué ocurriría si de todas la teorías psicológicas de Freud, Lacan y Jung recién planteadas sacáramos cada uno de los tópicos más importantes para nuestra investigación y lo mezcláramos con las ideas de Jodorowsky, invirtiendo la concepción del análisis del inconsciente, haciendo más fuerte lo consciente, lo real, dándole importancia y prioridad al yo. Teniendo todo eso por un lado, le unimos por otro el arte fotográfico donde no sólo se puede practicar como arte-expresión (utilizando la cámara y la película para expresar cosas), sino como una vivencia ficticia, donde el sujeto es fotografiado realizando su sueño. Es decir, cumple su sueño, y la fotografía pasa a ser muestra palpable de eso. La persona tendrá su fotografía y no olvidará jamás su experiencia.<br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">4. Imagen Retórica</span><br /><br />Retomando la teoría de Jung sobre inconsciente colectivo, podremos dilucidar que en cierta manera toda la humanidad está unida bajo ciertos patrones de entendimiento. Mitologías, religiones e incluso gustos son impuestos y compartidos por todos, inconscientemente, a través de la cultura. Jung hablaba de arquetipos (de madre, maná, la sombra, anima y animus etc), los que más allá de ser puro instinto, como Freud lo llamaba, son necesidades instintivas inherentes en todos los hombres. Son instintivas en un comienzo, cuando se es bebé, pero extrañamente se repiten en todos a lo largo de la vida.<br /><br />Otro tema importante en relación al inconsciente colectivo se refiere a cómo diferentes áreas de la comunicación se han hecho cargo de ella, como la semiología o, más directamente, la publicidad. La semiología o semiótica es la ciencia que trata de los sistemas de comunicación dentro de las sociedades humanas. Saussure fue el primero que hablo de la semiología y la define como: "Una ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social"; añade inmediatamente: "Ella nos enseñará en qué consisten los signos y cuáles son las leyes que lo gobiernan...".<br /><br />Ésta se hace cargo del lenguaje, verbal y no verbal, todos los signos y sus códigos. Por otra parte, la publicidad ha estudiado semiótica para utilizarla como herramienta principal para entender y comunicarse con el inconsciente colectivo de las personas. Es así como los publicistas crean necesidades de tener ciertos productos a las personas a través de imágenes y lingüística. Saben exactamente cómo combinar símbolos que llamen la atención consciente del comprador, y que se queden en el inconsciente de éste generando una necesidad inexistente de tener aquel producto. Este inconsciente es colectivo, porque la publicidad está ahí, en la mirada de todos. Claramente existe un público objetivo para cada producto a publicitar, nunca es para todos, pensando en todo el mundo; pero sí está destinado a todos los que calcen con ese público objetivo.<br /><br />El lenguaje publicitario se apoya principalmente en las figuras retóricas. Esta se podría dividir en el lenguaje lingüístico y en el visual, es decir, de imágenes. A continuación, veremos de qué se trata esto, hablando específicamente sobre la retórica de la imagen.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Jacques Durand</span><br /><span style="font-weight: bold;">“Retórica e imagen publicitaria”</span><br /><br />Basándonos en el texto de Jacques Durand, “Retórica e imagen publicitaria”, nos adentraremos un poco en el universo de la imagen ficticia, donde el lenguaje y la comprensión de éste juegan un papel fundamental en lo que es la fotografía publicitaria. En nuestro caso queremos lograr imágenes que publiciten la realización (personal) de ciertos sujetos que se fotografíen en sus sueños o deseos. Por lo tanto, lo más importante es que estas imágenes no sean literales, que contengan un mensaje, y que éste sea comprendido y adquirido. Ese mensaje debe comunicar, y para que la comunicación sea más efectiva, o bien, más punzante, se utilizará un leguaje diferente: un lenguaje retórico, que creará imágenes retóricas.<br /><br />Para comprender mejor esto, en primer lugar habrá que definir qué es retórica, a lo que Durand responde como “El arte de la palabra fingida”. La retórica juega con dos niveles de lenguaje: el propio y el figurado. Al propio se le podría definir como real, simple y directo, y si es así, ¿por qué habríamos de necesitar un lenguaje más complejo, indirecto y ficticio, como el figurado, para comunicar o expresar algo? ¿Por qué para decir una cosa se dice otra?<br />Durand resume y ejemplifica esta problemática: “estamos ante dos proposiciones: una es la real pero no tiene sentido (o más bien:… no tiene el sentido) y la otra tiene un sentido, pero no existe.<br />Se echará un poco más de luz si (como Freud en “El chiste”) se hacen intervenir los conceptos de deseo y censura. Tomemos en ejemplo: ‘Me casé con un oso’, declara una lectora en el correo del corazón de Bonnes Soirées (11 Febrero 1968). Esta proposición, en su literalidad, transgrede algunas normas, aquí de orden jurídico, social, sexual: no es lícito, en nuestra sociedad, casarse con un animal. Esta transgresión desempeña un doble papel. En primer lugar, la improbabilidad de un rechazo real de las normas, en el contexto en que se encuentra, advierte al lector que no debe atenerse al sentido literal y lo conduce a restablecer la proposición inicial: ¡Mi marido es (salvaje como) un oso’ o, simplemente, ‘Mi marido es salvaje’. Pero, por otra parte, incluso cuando es fingida, la transgresión aporta una satisfacción a un deseo prohibido y por ser fingida, aporta una satisfacción no castigada.” <br /><br />En el caso de la imagen, que es lo que nos atañe a nosotros, pasa algo muy similar con el lenguaje de palabras, con la diferencia de que las “normas infringidas” se refieren más a una realidad física y visual, como lo es la representación fotográfica.<br /><br />“La imagen retorizada, en su lectura inmediata, se emparenta con lo fantástico, el sueño, las alucinaciones: la metáfora se convierte en metamorfosis, la repetición en desdoblamiento, la hipérbole en gigantismo, la elipsis en levitación, etc.”<br /><br />Algunos métodos para la creación de imágenes retóricas es aplicar las siguientes operaciones:<br /><br />• Operaciones fundamentales:<br /> -Adjunción, se añaden uno o varios elementos a la proposición (implica como único caso la repetición: adjunción de elementos idénticos).<br /> -Supresión, se quitan uno o varios elementos a la proposición.<br /><br />• Operación derivadas:<br /> -Sustitución, que se analiza en una supresión seguida de una adjunción (se quita un elemento para reemplazarlo por otro).<br /> -Intercambio, que comprende dos situaciones recíprocas (se permitan dos elementos de la proposición).<br />Este método es sólo uno de los caminos utilizados a la hora de crear imágenes de esa categoría. Es muy utilizado por publicistas cuando deben crear campañas e imágenes creativas que de una u otra manera deben lograr convencer a la gente de que el producto publicitado es bueno, conveniente y necesario. Son imágenes que, dado el “surrealismo” que las caracteriza, llaman la atención del espectador y, si está muy bien lograda, quedará en su registro inconsciente y jamás la olvidará.<br /><br />La concepción de una “retórica general”, ya presentida por Freud y Lacan, fue formulada por Roland Barthes: “es probable que exista una sola forma retórica, común por ejemplo al sueño, a la literatura y a la imagen” (Comunicacines: La Semiología, Tiempo Contemporáneo, 1970) <br /><br /><br />Fotográficamente hablando, en los inicios de la fotografía (siglo XIX) se crearon las famosas Cartas de Visita que eran imágenes que se sacaban las personas para presentarse en sociedad con otras personas. Sin darse cuenta, ellos ya apelaban a una fotografía llena de símbolos, que representaban quienes eran y su posición social.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Las Carte-de-Visite</span><br /><span style="font-weight: bold;">Cartas de visita</span><br /> .<br />“Hacia 1854, Disdéri patentó una cámara fotográfica con una modificación que lo llevaría rápidamente a la obtención de una gran fortuna. Esta cámara estaba dotada de varios objetivos (6, 8 y hasta 12 en algunos casos, en vez de la cámara tradicional de un solo objetivo). Esta modificación le permitió impresionar, en la misma placa donde antes sólo cabía una única imagen, hasta 12 pequeñas fotografías de 9x12cm, aproximadamente, a la que llamó Carte-de-Visite ("tarjeta de visita") y cuyo éxito fue instantáneo.<br />En la Carte-de-Visite el personaje solía aparecer retratado en diversas poses, captadas por cada uno de los diferentes objetivos de la cámara, para finalmente obtener una placa fotográfica con varias imágenes, que luego se copiaba a un papel y se recortaba.<br />Ahora el burgués podía llevarse varios pequeños retratos al precio de una única placa, luego los firmaba y llenaba con sus datos personales, repartiéndolos entre la gente de su clase a modo de presentación personal, como hoy se hace con las tarjetas personales.” <br /><br />Es importante destacar que los personajes se retrataban conscientemente con elementos que hablaran de lo que ellos eran en la foto: si el caballero era un gran ilustrado, al menos un libro aparecería en sus manos, o cerca de él; o si la dama era de clase alta saldría sin duda con el vestido más elegante y con algún peinado refinado, incluso podían añadir algún elemento que simbolizara si es que la señorita era virgen o no. Esto se mantiene hasta el día de hoy con las fotos familiares, por ejemplo, en que el niño saldrá impecable, con su ropa limpia, zapatos brillantes (los que podrían ser sus “zapatos de foto”), cara lavada y su mejor sonrisa, aunque, hipotéticamente, el niño haya estado jugando en el barro hace cinco minutos. Con esto queremos demostrar a los lectores que, sin darnos cuenta, desde los inicios de la fotografía hasta ahora siempre ha existido esa simbolización de las imágenes, de demostrar quiénes eran a través de elementos que sirvieran de identificación. Algunos, como los publicistas, sacan provecho de ello y crean imágenes más simbólicas y retóricas que a la larga hacen que los consumidores se identifiquen con ellas, logrando en algunos casos el fin último, que es creer en el producto en cuestión, porque se identifica con él.<br /><br />Si esto mismo lo aplicamos a la idea principal de esta investigación, podríamos decir que es fundamental, al realizar las fotos, que el sujeto a fotografiar esté apoyado en ciertos elementos (cada elemento añadido dependerá de cada uno) que sustenten directa y simbólicamente su deseo a cumplir. De esta manera, al ver la imagen, se identificará con ella, haciéndola propia.<br /><br /><br /><br />Fotografía de Disderi, André Adolphe Eugène (1819-1889) (Paris)<br />Inventor del formato conocido como Carte de Visite<br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">5. Arte Terapia</span><br /><br />Jodorowsky, como mencionábamos anteriormente, es el propulsor de la psicomagia. Y ésta se caracteriza por curar a través del arte. Dice que todos los actos psicomágicos son obras de arte que surgen de la imaginación. Ahora bien, quisiéramos hablar, como último tema, sobre el Arte-terapia. Este método de curación se basa en la expresión del problema a través del arte, y desde ahí su propia curación.<br /><br /><span style="font-style: italic;">“La diferencia fundamental de esta terapia (la psicomagia) con el psicoanálisis es que éste fue creado por gente que procedía de la universidad y de la ciencia, mientras que yo he creado una técnica que viene del arte. Yo digo que un científico no puede ser terapeuta. La curación es obra de artistas y poetas. Si no, no puedes curar”</span><br /><br /> Alejandro Jodorowsky<br /><br /><br /><br />Los dibujos y cuadros infantiles adquieren cada día mayor importancia dentro del proceso terapéutico. Al hablar de terapia, hay que aclarar los objetivos, medios y criterios de ésta.<br /><br />La terapia artística está subordinada al psicoanálisis, porque esta escuela ve en los dibujos y cuadros la posibilidad de manifestar los conflictos inconscientes. Freud, el fundador del psicoanálisis, parte de un aparato psíquico con tres instancias (Ello, Yo y Súper yo), a las que asigna distintos contenidos y funciones.<br /><br />El principio terapéutico está orientado a establecer como objetivo curativo el descubrimiento de las tendencias inconscientes (represiones), nacidas de una conciliación nula o insuficiente de intereses o deseos psíquicos contrapuestos. Los medios terapéuticos clásicos son las interpretaciones de sueños y de asociaciones en los adultos. La posibilidad terapéutica del dibujo infantil se basa también en la interpretación.<br /><br /><br />¿Porqué los dibujos infantiles son adecuados como medio terapéutico?. Los dibujos y cuadros muestran distintas cualidades comunicativas y constituyen en especial una forma de comunicación no verbal. El proceso de dibujo/pintura puede ser averbal, lo que significa que dentro del cuadro se realiza sin agregar comentario alguno, o paraverbal, que implica que el proceso se acompaña de explicaciones (Spiz 1960). Esta forma específica de comunicación a través del dibujo y la pintura está ligada al “Lenguaje de las imágenes”, en contraste con el lenguaje verbal de los adultos.<br /><br />Los niños de cuatro a once años pueden expresar mejor sus conflictos internos a través del dibujo y la pintura que por medio del lenguaje verbal. Esto se debe a que su lenguaje es todavía poco diferenciado, aunque también, a que el proceso gráfico permite expresar las situaciones conflictivas del Yo sin censura ni control consciente. Las representaciones de dibujos y cuadros no pertenecen sólo a lo inconsciente, sino también a lo consciente. Hay que partir de la base de que los pensamientos que se ponen de manifiesto en un dibujo en forma de recuerdos o de representaciones mentales, no son, en modo alguno, una producción exclusiva del inconsciente.<br /><br />Si un niño hace un dibujo libre, dejándole elegir los medios de expresión que prefiera. Tal situación no es nueva para él respecto a su experiencia en el jardín infantil o en el colegio, al igual que la elección del tema será el que tenga más a mano. Así representa, por ejemplo, la situación familiar tal como él la vive. La parte que podría considerarse como producto del inconsciente es la disposición y concretización de los roles que el niño presenta gráficamente, los cuales le serían muy difíciles de explicar verbalmente. En términos psicoanalíticos, el dibujo permite una satisfacción parcial de los afectos, fantasías, etc. porque los exterioriza.<br /><br />Otro aspecto de esta terapia apoyada en el arte es la que concierne a los problemas de adultos, disminuidos psíquicos o minusválidos, ya que solamente el hecho de «crear» es reconfortante y positivo; producir una imagen o un objeto artístico, propio, es lo que se denomina el placer de la creación. No hay que olvidar por otra parte que la interpretación, aun siendo más complicada con los adultos, ya que tienen más barreras psicológicas, puede traer consigo la evidenciación del problema y así la solución. <br /><br /><br />La definición de Arte Terapia propuesta por la Asociación Americana de Arte Terapia es la siguiente:<br /><br />El Arte Terapia proporciona la oportunidad de expresión y comunicación no verbal, por un lado mediante la implicación para solucionar conflictos emocionales como para fomentar la autoconciencia y desarrollo personal. Se trata de utilizar el arte como vehículo para la psicoterapia, ayudar al individuo a encontrar una relación más compatible entre su mundo interior y exterior.<br /><br /><span style="font-weight: bold;">6. Fotógrafos que han utilizado la fotografía con fines terapéuticos</span><br /><br />Hay algunos fotógrafos que ya han implementado la fotografía como medio de expresión artístico en cierto tipo de personas. Si bien no hablan de arte terapia, algunos han inventado el término fototerapia, y otros simplemente creen en el poder de la fotografía como un medio expresivo y representacional. Estos caso son muy interesantes y los veremos a continuación:<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Evelyn Ruman</span><br /><span style="font-weight: bold;">Autoimagen Marginal</span><br /><br />Esta fotógrafa realizó su trabajo junto a personajes marginales en Chile: mujeres adultas esquizofrénicas, doblemente discriminadas por su condición de ser mujer y de “estar locas” (en el Instituto Psiquiátrico José Barack Hortwitz, 1993-1995); mujeres adolescentes, niñas mujeres que transitan de los sistemas carcelarios a las calles.<br /><br />“Ellas son seres excluidos y recluidos, y las instituciones que las cobijan, queriendo asistirlas, las despojan de su individualidad.”<br /><br />Los retratos que le tomó a estas mujeres fueron intervenidos por ellas mismas. Usaron el color y la línea como una manera, un intento por recuperar su identidad perdida.<br /><br />La explicación del por qué de este trabajo la formula concretamente Yessica Ulloa en la presentación del libro, donde da a entender en profundidad la real necesidad de estas mujeres por recuperar su identidad y la necesidad de Evelyn de fotografiar-ayudar:<br />“En nuestros tiempos paralelo, mujeres de edades distintas se encuentran recluidas en lugares que parecen sin retorno. Ellas perdieron incluso el impulso de mirar el cielo o su propia bondad fundamental, para volar en libertad.<br />Evelyn Ruman nos habla de ellas, nos hace recordarlas. Y mucho más que eso, ella se coloca en el cruce de experiencias de estas mujeres para devolverles una identidad perdida. Como un ángel que no ha dejado de mirarlas desde el cielo, aún si ella ha estado bien en la tierra…<br />El taller de fotos, es una cita con el amor a sí mismas, que comienza en el reconocerse y sigue un trayecto hacia la propia valoración. Las texturas y los colores van abriendo sensaciones. La sesión de retratos es una fiesta donde se celebra el “yo”. Y luego viene el verlos, el verse. Todos conocemos la emoción de inquietud antes de la revelación de una fotografía, que viene de querer querernos.<br />La intervención de los retratos por las niñas y mujeres es una acción expresiva, en el sentido del arte, y una manifestación de signos, que produce la comunicación. Esta intervención establece vínculos y diálogos. Cada una de ellas consigo misma, entre ellas, con Evelyn, acompañante cómplice e intuitiva. La fotografía se convierte en un espacio de múltiples lecturas y transformaciones.<br />Jugando con su imagen, ella aprenden que pueden modificar su propia realidad y recobran la confianza.”<br /><br />(aca van 6 fotos, pero nose porque no pude meterlas)<br /><br /><span style="font-weight: bold;">Paula Ubilla</span><br /><span style="font-weight: bold;">“Proceso de desnudo, mujeres chilenas (cuerpo pudor)”.</span><br /><br />Esta fotógrafa retrató desnudas a mujeres “comunes y corrientes”, ellas sabían que no calzaban con el estereotipo de la belleza femenina. Por eso, al principio, les resultó muy difícil pero poco a poco fueron reencontrándose con sus cuerpos y descubriendo su belleza. Y fue eso lo que les permitió recuperar emociones y experiencias que tenían en el olvido.<br />Las fotografías fueron realizadas en distintos lugares emblemáticos de Santiago: Puente Alto, La Victoria y Lampa, entre otros. Una muestra variada de cuerpos y personalidades Así, Paula Ubilla concluye que “sin vestiduras somos todos iguales”.<br /><br />"Llegue a través de una profesora, porque empecé a dar recados a toda la gente si sabían de mujeres que se quisieran desnudar. Esta profesora me contó que tenía un grupo de apoderadas que eran muy simpáticas. Cuando las conocí, les explique que quería mostrar cuerpos comunes y corrientes. Mi tema es la dignificación de estos cuerpos, ellas eligieron el contexto, una casa", señala la fotógrafa.<br /><br />CONVERSANDO CON PAULA<br /><br /> ¿Desde cuando te dedicas a la fotografía?<br /> - Primero estudié cuatro años. En ese momento la fotografía era para mí un medio de trabajo, nunca lo había asociado como algo más hasta que empecé a elaborar este proyecto.<br /><br /> ¿En qué momento haces el giro en este oficio que te lleva a fotografiar cuerpos desnudos de mujeres pobladoras?<br /> - Llegó un momento en que veía las noticias relacionadas con la violencia en la casa y me tocó también estar con gente que trabaja con mujeres maltratadas. De repente dije, ¿qué puedo hacer si lo único que sé es hacer fotografía? ¿Cómo puedo trabajar con mujeres? Veía que hay mucho maltrato, mucha discriminación y empecé a elaborar este proyecto, era súper difícil, pensé que no era viable, pero en la medida que empecé a leer de género, de psicoanálisis, comencé a trabajar con las emociones y a pensar en qué me pasaba a mi cuando yo me sentía discriminada. Así partí con este proyecto. Nadie me creía y por eso empecé a decirle a los amigos y conocidos que necesitaba gente que se quisiera desnudar. Quería probar esta teoría y así me contacté con un grupo de mujeres de Conchalí a través de una profesora que me dijo si acepta una van a aceptar todas. Llegué donde ellas y les planteé el proyecto. La gente asocia el desnudo con lo pornográfico o que una las va a utilizar en otro sentido y lo único que me dijeron fue que tenía que ser en su lugar, en la casa de una de ellas y que estaba descontado internet, porque ellas sabían de los retoques que hacían.<br /><br />¿Cómo describirías este trabajo?<br /> - Amo mi proyecto. Descubrí la fotografía como un medio de cambio, ese era mi sueño y no pensé que podría hacerlo real.<br /><br /> ¿Qué pasa con las mujeres cuándo les propones que se desnuden frente a tu cámara?<br />- Las primeras me preguntaron para qué quería hacer esto, y otras qué provecho sacaba yo haciendo este trabajo. Les dije que lo único que quería era experimentar y ver qué pasaba al desnudarse, qué sensaciones y emociones venían, y eso daba origen a una foto. Hasta que no lo experimentaron no creyeron y después muchas lloraron, al sentirse libres, contentas, me decían que nunca habían vivido eso y fue el medio que descubrí para ayudar a que se liberaran.<br /><br /> ¿Algunas de ellas tienen hijos y maridos ¿qué pasa con ellos, las apoyan?<br /> -Hubo maridos que les dijeron que hicieran lo que quisieran, otros que no quisieron y hubo gente que se inscribió pero no fue porque el marido les prohibió porque son puras “tonteras y cochinadas”. Alguna gente fue osada, que aunque el marido no quiso, lo hicieron igual y se sentían felices de haberlo hecho, porque lo que habían sentido ahí no era descriptible para contarlo, había que vivirlo.<br /><br /> ¿Como enfrentan el tema de la exposición, de verse y que otras personas las vean?<br />-Eso es lo más maravilloso porque son ellas las modelos. Para la primera exposición llegaron a un lugar donde todo el mundo quería hablar con ellas, fueron las reinas de la noche y jamás en su vida habían sido consideradas, entonces ellas por primera vez salían del anonimato y era una cosa increíble, estaban en las nubes. En la segunda exposición fueron con sus familias, pero ningún marido acompañó, porque creo que les pesaba mucho el hecho que no fueran regias según el canon que ellos ven en la publicidad de cerveza cristal, y resultó que para ellas fue un cambio increíble y los hijos orgullosos, porque veían que todo el mundo se les acercaba y las felicitaba.<br /><br /> ¿Cuánto tiempo llevas en este proyecto?<br /> -Como te decía llevo tres años y medio, ahora estoy empezando a trabajar con los hombres también, porque he descubierto que les pasa lo mismo, en esto hay una cosa súper importante, aquí no se pierde el pudor, se pierde la vergüenza, el pudor es algo innato en hombres y mujeres, pero con los hombres me ha costado más porque soy mujer. Lo que para las mujeres fue una garantía, los hombres no asumen que una va a tomarles fotos hasta que están ahí, entonces se empiezan a sentir bien. Primero empezamos con el contexto, todo el rato voy dialogando e induciendo, porque no les digo que posen para mí, no es una sesión fotográfica en la que posan y se van, a mi lo que me importa es que ellos vivan algo, que se reconozcan, que saquen emociones, y salen emociones que ni siquiera pensaban. Ellas y ellos me hablan de sus cosas que luego dicen- no sé por qué te cuento esto, es algo que empieza a fluir-.<br /><br />(aca van otras 6 fotos)<br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">7. Conclusión</span><br /><br />Hemos hablado de sueños, psicoanálisis, inconsciente, símbolos, publicidad , imágenes retóricas y arte. ¿Y con qué fin? Con el fin de ilustrar con argumentos teóricos que la imagen fotográfica, con todas sus cualidades, podría influir en el desarrollo de autoestima y confianza de algún sujeto. Podemos concluir que esta investigación se ve sustentada bajo un pensamiento de carácter más bien científico, sustentado por diversos autores. Pero no hay que olvidar que el inconsciente colectivo de las personas se maneja también por un pensamiento mágico. Este pensamiento es culturalmente primitivo, y en esta época y mundo occidental, aún se mantiene. El pensamiento mágico le da poder a los objetos, a las imágenes y a los ritos. Un ejemplo simple de entender, se da cuando una persona rompe un pololeo y luego, al ver fotos de su ex pololo lo recuerda y llora o se enrabia, o quien sabe, tal vez quede indiferente. A lo mejor se lleva la foto a su pecho, para sentirlo más cerca, o bien, si tiene rabia, es probable que rompa la foto, o la esconda o la pise. Reaccionar de cualquiera de estas formas, asumiendo que el objeto es real, teniendo al frente sólo un pedazo de papel, muestra que detrás de todo ello lo que hay es un “pensamiento mágico”.<br />Por muchas teorías científicas que sustenten esta investigación, el pensamiento mágico es un pilar fundamental. Proveerá esta práctica fotográfica de magia o de religiosidad; es el poder de creer. Si una persona se somete a esta representación deberá creer en ella, y tener ganas de sanarse. Si una persona no quiere cambiar, no cambiará. Y si una persona quiere realizar su sueño, entendiendo que es tan solo una representación irreal, pero confía en sus resultados, seguramente lo logrará.<br /><br />Todavía no se hablará de una Fototerapia. No es la intención de este trabajo imponer una nueva manera de curación de nada. Lo que este trabajo plantea, es que la fotografía puede generar esperanzas. Realizar lo irrealizable te enseña que no hay nada que no se pueda lograr.<br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">8. Bibliografía</span><br /><br /><br />• Darian Leader y Judy Groves, “Lacan para principiantes”. Era naciente SRL. Buenos Aires, Argentina. 1995<br /><br />• Durand, Jacques: "Retórica e imagen publicitaria", Ed. Tiempo contemporáneo 1973<br /><br />• Fernández, Mª Isabel. “Arte, individuo y sociedad” cap. Creatividad, arte terapia y autismo. Un acercamiento a la actividad plástica como proceso creativo en niños autistas. ISSN 1131-5598, Nº 15, 2003<br /><br />• Jodorowsky, Alejandro. Psicomagia. Ediciones Siruela S.A., 2004, Madrid<br /><br />• Ruman, Evelyn. Autoimagen marginal, LOM, Santiago, Chile. 1998<br /><br />• www.e-torredebabel.com/Uned-Parla/Asignaturas/IntroducciónPsicologia/ResumenManual-Capitulo6.htm<br /><br />• http://lenguajealdia.blogspot.com/2007/06/la-semitica.html<br /><br />• http://www.psicologia-online.com/ESMUbeda/Libros/Suenos/suenos3.htm<br /><br />• www.leedor.com/notas/1019---carte-de-visite.html. Por Hernán Pesis, 2005<br /><br />• http://www.cfrivero.com/autores/disderi.htm<br /><br />• http://www.tvn.cl/programas/cinevideo/2002/paulaubilla.asp<br /><br />• www.chiloeweb.com<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-6190350508607213855?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Fran Cheyrehttp://www.blogger.com/profile/07171104768391710290noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-40423771886405861962007-12-02T10:44:00.000-08:002007-12-02T10:50:23.846-08:00Introducción<br />Primeros alcance<br />El nuevo voyeu<br />El verlo todo<br />Conclusión<br />Bibliografía<br /><br />Introducción<br /><br />Este trabajo pretende hacer un alcance acerca de la nueva modalidad de ver que existe en la cotidianidad utilizando al voyeur como sujeto de análisis. El mirar socialmente ha desviado la vista hacia nuevos temas de interés pero lo mas importante es el medio que actualmente esta utilizando para poder percibir esta información, que en al actualidad esta llegando de manera sintetizada.<br /><br />El trabajo apuntara hacia un modelo reflexivo y de análisis dentro de la cultura urbana y las nuevas tecnologías y su directa implicancia en la conducta de lo que en la actualidad significa mirar, en esa relación es donde se pretende encontrar factores implícitos que muestren el porque y el como de esta mutación del mirar, donde existe un antes y un después desde el perdido moderno al contemporáneo.<br /><br />El voyuer si bien plantea distintas acepciones sociales acerca de sus conductas y devenires acá simplemente se prentedera un visión general de su conducta a partir de su definición etimológica hasta paradigmas sociales tecnológicos.<br /><br /><br /><strong> Primeros alcances<br /></strong><br />Etimológicamente el término Voyeur proviene de la palabra francesa “voir” que significa mirón u observador. Socialmente el término responde a una consideración de este como una actitud meramente sexual vinculada ya, bajo términos de la psicología, a un cuadro psicopatológico. Este, considerado como una enfermedad, plantea el caso de aquel que solo logra la excitación mediante la masturbación y la observación de terceros practicando sexo. Pero, bajo mi consideración, la práctica voyeurista abarca un rango más amplio que el asociado netamente a lo sexual y es el de la satisfacción de la libido visual, la cual siempre ha sido instintivamente necesaria de satisfacer por el hombre.<br /><br />En nuestra sociedad el mirar es algo necesario. Vivimos en una cultura basada en lo visual; lo anterior se grafica concretamente por ejemplo, en el éxito mediático de la televisión frente a la radio; nuestro órgano primario de supervivencia es el ojo, con él poseemos control de la realidad espacial y nos desenvolvemos mas tranquilamente. El mirar se torna algo cotidiano, tan así es que nuestra memoria visual es la mas desarrollada dentro del organismo; podemos identificar objetos sin haberlos vistos en años para después incluso reproducirlos. Es quizás en eso donde recae la necesidad del poder observar cosas distintas, cosas que no sean de nuestra cotidianidad, pero que sin embargo se vuelven necesarias, como lo es el hecho en si de acercarse solamente a observar un accidente o toparse con una pelea callejera; y a pesar de que nuestra presencia es parte del entorno, nos escodemos junto a las masas que observan atentas. Esas pequeñas cosas son parte de nuestra necesidad voyeurista, de poder espiar en la cotidianidad ajena y hacernos cómplices sin ser parte de ella. Román Gubern en su texto “Del bisonte a la realidad virtual” hace alusión a una definición psicoanalítica acerca de la pulsión escópica, que es el apetito de por la visualidad, característico de la inteligencia humana.<br /><br /><br />Un ejemplo claro es lo que ocurre en Estados Unidos donde algunos hoteles rascacielos junto a la mentita y la toalla de cortesía incluyen unos binoculares sobre el velador para observa lo que pasa en otros departamentos o la explosión de paginas en Internet mostrando cuerpos femeninos plantea distintas problemáticas acerca de la visualidad de lo voyeur.<br /><br />El voyeurista responde a la satisfacción instantánea del mirar, no existe una reflexión acerca del contenido de lo observado sino que apela simplemente al goce. Esa es la relación es la que no aborda la psicología al referirse meramente a lo voyeur como una sicopatología sexual, la neurobiología en cambio establece 3 capas de cortezas cerebrales que se aproximan a una definición mas amplia. Es a lo que se refiere Juan David Parra acerca de los estudios del neurólogo Paúl MacLean. “Esta teoría de la triple capa cerebral de MacLean puede servirnos entonces para comprender este hecho social del consumo de imágenes que revelan la vida intima de la personas. Según esta teoría de la neurociencia el cerebro esta dividido en tres capas (semejantes a tres computadoras) La primera constituye el complejo R o complejo reptil que es la base del cerebro, en la cual toda la constitución física del cerebro es análoga, casi idéntica y emparentada en alto grado, en términos de evolución al cerebro de un reptil. Encima de esa capa<br />–conviviendo con ella- pero sin ser lo mismo, esta el complejo de Lo límbico que es el cerebro evolucionado de los mamíferos. Este permite al ser vivo preocuparse por sus crías, le permite jugar y sentir algunas emociones. La tercera parte es el complejo C, que es la corteza cerebral y que diferencia al hombre del resto de los animales, es la capacidad de simbolizar y de razonar.”1 El espectador o voyeur activaría la primera corteza cerebral, donde en ese nivel no existe un análisis de la conducta solamente recepción de estímulos. A partir de esta hipótesis se plantearía que el mirón simplemente seria un espectador pasivo, sin reflexión, que digiere imágenes sin ni un filtro, esta conducta se asemejaría al concepto de voyeur contemporáneo que se quiere explicar.<br /><br />__________________________________<br />1 Cocimano, Gabriel, 2005, Inercias de la sociedad voyeur. El sujeto-espectador en la era actual,<br /> http://www.cibersociedad.net<br /><br /><br /><br /><strong>El nuevo voyeur</strong><br /><br /><br />En el periodo moderno el voyeur era un personaje absolutamente distinto al que habita en la actualidad, este, definido como flâneur (que en francés significa paseante) es un termino acuñado por Walter Benjamín en la poesía de Baudelaire y también presente en las narraciones de Poe. El flâneur es un personaje voyeurista que adopta el observar dentro de la ciudad como una conducta abstracta, sintiéndose en un espacio invisible recorre espacios y conductas con la mirada, tratando de entender el entorno. Así bien el mirar en esa época esta ligado al caminar y al movimiento, el mecanismo de experiencia voyeur recae en cuanto una persona podía recorrer dentro de la ciudad. Por el contrario en la actualidad el voyeur es completamente distinto, cambio de entorno y dejo la mirada fija en un objeto. Este muto principalmente por los avances tecnológicos en imágenes técnicas y sistemas de reproducción como también de capitación, pasando de un observador personal a uno masivo si dejar lo privado.<br /><br />En un comienzo se podría decir que son los medios impresos los que comenzaron a llevar las imágenes hacia el espectador, la visualidad en ese momento permitía al voyeur recorrer la ciudad con la mirada en un papel agarro por ambas manos, sentado en algún medio de transporte descontextualizándose del entorno. El siguiente objeto que ya llevaría el voyeur a un nivel más abúlico seria el de la televisión para luego desencadenar su objeto favorito el Internet.<br /><br />Los medios de imágenes técnicas nacen y comienzan a ser un centro de atracción, información visual comprimida en un soporte barato que nos permite ver algo muy similar a lo real en un corto plazo. Esto dio paso a la masificación y una visualidad colectiva donde el voyeur cada vez anclaba más sus pies para que la imagen viniese hacia él. El observador cambio su entorno y el pasear por una imagen fija.<br />La insospechada y continua evolución de tecnologías trajo la imagen animada, donde en un comienzo, como evento de fin de semana, era lo que significaba ir al cine, pero posteriormente se instauro la televisión dentro de los hogares. Esta trajo el mundo a la comodidad, el voyeur muto nuevamente y se encerró a percibir su exterior, su entorno, el mirar se transformo en algo abúlico, donde no existe necesidad de experimentarlo para saberlo. El espectador cambio la ventana o el pepping tom (mirar a través de la cerradura) por los nuevos sistemas de imágenes que nos entrego la modernidad. Pero en ninguna instancia el voyeurista abúlico dejo de lado la privacidad, la televisión le entrega todo un océano de imágenes para la soledad de la sala de estar o la habitación, siendo así, la gente era atraída hacia sus aparatos receptores.<br /><br />Román Gubert en su libro el simio informatizado hace alusión al nacimiento de la televisión: “Cuando en 1933 Vladimir Zworykin presentó su revolucionario tubo iconoscopio, que hizo posible la televisión electrónica, no lo hizo como un medio de comunicación de masas, sino como un "medio para aumentar la amplitud de la visión humana", llegando a proponer la instalación de una cámara de televisión en un cohete para la observación de lugares inaccesi&shy;bles”2. A pesar de que la televisión estaba naciendo, dentro de su primera función ya se explicaba cual seria su devenir.<br /><br />En televisión existe el término llamado zapping, que es considerado el cambiar de canal cuando la imagen ya no produce satisfacción, la inmediatez de la transformación, que representa a la cultura post moderna en constante cambio. El zapping se ha convertido en una forma de observar la imagen, cambios secuenciales rítmicos visuales donde el observador sintetiza la información que es entregada en saltos. Este forma de viajar a través de canales es característico de nuestra sociedad contemporánea, finalmente la visualidad se convierte en un zapping constante donde nunca se introduce en ningún tema. Dentro de la televisión en el programa por excelencia voyeur es el tema de los reality show, donde se muestra a personas viviendo la cotidianidad, vigilados por decenas de cámaras y micrófonos. En este tipo de visualidad aparece un voyeur diferente al que solo observa y siente para el, nace un voyeur emocional (emovoyeur) donde la idea es que compatibilice con el protagonista.<br /><br />________________________________<br />2 el simio informatizado Román Gubert pag 108 capitulo V dicción electrónica<br /><br /><br /><br />Claramente los nuevos medios de recepción de imágenes han llevado al voyeur a<br />un nuevo nivel, si bien aun en la intimidad del anonimato existe un voyeur que ahora puede tener un contacto o una relación con lo observado.<br /><br />Internet es la fuente que se dedica a condensar toda la información que el ser humano esta recopilando, armados cada uno con sus propias cámaras de foto y video, la gente regala sus imágenes al mundo para que cualquiera pueda ver todo lo que ofrece la existencia, cosas que pensamos nunca alcanzaríamos a apreciar de manera sencilla. Desde nacimientos a muertes, el carácter genero real es lo absorbe en su mayoría a los espectadores voyeures, esa complicidad de imagen sucia e imagen imperfecta le entrega la emoción al espectador de que eso esta sucediendo y que prácticamente no es un acto discutible.<br /><br />El voyeur de Internet tiene una relación donde tiene ahora la posibilidad de ser un exhibicionista de su entorno para que los demás sean voyeures de su realidad, para que e cierta manera la existencia de esa persona sea un poco mas gratificante, porque hay generaciones que se han criado con la imagen de su par de la misma manera que con su par. Desde este punto uno puede hacer una reflexión y encontrar que las misma imágenes que las personas suben de su vida son observadas por ellas mismas entrando en la categoría de autovoyeur, que mas bien seria una especie de autosatisfacción sensorial, un suerte de masturbación.<br /><br />Estos medios en si vinieron a saciar nuestra necesidad voyeurista<br /><br /><br /><br /><br /><strong>El verlo todo</strong><br /><br />El ser humano posee la característica de la búsqueda del conocimiento, ha estudiado todo su entorno tratando de entenderlo científicamente, llevándolo a ver cosas que el ojo normal no podría mediante microscopios y telescopios, la cámara cumple la función de situar la vista donde muchas veces no puede llegar el hombre.<br /><br />“Nunca un medio ha estado tan perfectamente casado con su sujeto como la cámara lo está al voyeurismo.”1 es lo que afirma un autor anónimo acerca de esta estrecha relación de modernidad y necesidad. Claramente desde la creación del telescopio por Galileo, el ser humano a tenido la posibilidad de acercar realidades lejanas para (de modo ausente) ser parte de ellas, saber de ellas, pero no involucrarse en el momento. Los sistemas ópticos han podido entregarle la capacidad del voyeur de alimentarse desde otras realidades, funcionando estos como extensores.<br /><br />Los mercados y las avanzadas tecnologías han situado cámaras por todas partes para distintos fines, creando un universo impresionante de imágenes, de distintos<br />tipos y contenidos. En el universo de las imágenes prácticamente se puede encontrar de todo, programas computacionales como “GoogleEarth” invitan al usuario a recorrer el mundo por medio de imágenes satelitales, o un nuevo consolador que apareció en el mercado sexual que posee una cámara en la punta hablan de esa necesidad humana de verlo todo, percibir realidades a las cuales no somos capaces de participar.<br />______________________________________________<br />1 <a href="http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/voyeur/introsp.html">http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/voyeur/introsp.html</a><br /><br /><br /><br /><strong>Conclusión.<br /></strong><br />En la actualidad el voyeurista se transformo en un ente abúlico, a diferencia del periodo moderno donde el voyeur era caracterizado por el flâneur este voyeur se ve inmerso en un océano de imágenes que colapsan de manera sintetizada en la comodidad del hogar, este acto en si podría ser catalogado como una exofobia canalizada por la visualidad. El ser humano cada vez se esta haciendo dependiente de la información sintetizada olvidándose de su cuestionamiento, simplemente digiere, es en cierta manera la gula de la visualidad, la glotonería del consumo por el ojo, en muchos casos no hay discriminación. Ya que desde un primer nivel el ojo reprime a los otros sentidos y el hombre ha sabido explotarlo a partir de la conducta del consumo, este consumo es lo que ha generado una dependencia a la visualidad, en cierta manera, es como una adicción a las imágenes de lo ajeno, a lo que no nos pertenece, escapando de su propia cotidianidad e introduciéndose a cotidianidades paralelas, en cierta manera eso es lo rentable de la imagen de lo ajeno. Nos muestra algo del cual nunca podremos vivir y es la vida de otros.<br /><br />En la actualidad limites de la visualidad están regidos claramente por las nuevas tecnologías, mas allá de la moralidad establecida, es un ser dependiente del mecanismo, el hombre en la actualidad se ha hecho dependiente de la imagen exótica, de lo que no acostumbra a ver y eso, ahora, solamente se lo ha podido entregar las nuevas tecnologías. El primer hombre en la luna, la segunda guerra mundial, la caída del muro de Berlín, las torres gemelas. El ser humano ha sabido sentarse frente a una vitrina de emociones que por muy distinto que sea al voyeur moderno sigue satisfaciendo la mirada desde una sociedad distinta.<div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-4042377188640586196?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Voyeurismo en la actualidadhttp://www.blogger.com/profile/14224211460365695546noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-80693604803496780882007-11-30T21:36:00.000-08:002009-08-12T11:48:18.777-07:00<span style="font-weight: bold;">El Kitsch en la Fotografía Latinoamericana.</span><br /><br />ESTEBAN ARIAS ZUÑIGA.<br />Fotótografo Profesional.<br />Licenciado en Cine Documental.<br /><br /><br />Índice.-<br />Introducción.<br />¿Qué es el Kitsch?, Definiciones de Kitsch (marco teórico)<br />Kitsch en la cultura de masas, modernidad y posmodernidad<br />De lo hibrido a lo Kitsch, identidad Latinoamérica (Religión, Folclore y kitsch).<br />Fotografía y Kitsch.<br />Fotógrafos.<br />Conclusión.<br /><br /><br /><br /><p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style="font-weight: bold;">Introducción.</span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span></span><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span></span><span style="" lang="ES">Encontrar los múltiples índices, que demarcarían una estética latinoamericana posmoderna, dentro de la fotografía más reciente, es una de las premisas esenciales para abordar esta investigación. Dentro de estos índices la selección de una característica general, surgió como una duda permanente, respecto de la génesis de su naturaleza, esta característica es el Kitsch, elemento presente en gran cantidad de obras de elaboración actual y sin dudas<span style=""> </span>predominante dentro de las sociedades “tercer-mundistas” por así decirlo.</span><span style="" lang="ES"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>Dado esto podemos decir que dentro de la condición postmoderna, la fotografía como método de representación ya ha<span style=""> </span>rebasado lo limites que la relegaban a una tipología de sus géneros (tales como retrato, paisaje, documental, etc.), y con ello se ha generado una intertextualidad dentro de los alcances que definían la fotografía, ya sean estéticos, teóricos o meramente de su condición de documento.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">De este modo la imagen fotográfica en Latinoamérica, ha pretendido durante la primera mitad del siglo pasado establecer una relación con la realidad y con lo representado, como atributos de un paternalismo heredado a las altas sociedades Europeas y Norteamericanas, clave en el proceso identificatorio de las sociedades latinoamericanas; esta apelación aceptar la mezcolanza de factores que vendrían a conformar la identidad es un proceso influenciado por disolución de las diferencias territoriales respecto del folclore, el culto religioso y lo popular propiamente tal.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>Con ello la fotografía contemporánea y el delineamiento de sus propias fronteras se ha dado paso a una fragmentación y dispersión de la mirada, a los diversos ámbitos de la cultura, es así como en esta época surgen paradigmas que definen de algún modo a la sociedad, de un tiempo a esta parte el <i style="">kitsch</i> se hace presente en el lenguaje artístico como una conjunción de “Hibrides” y de mixtura.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>La alta y explicita subjetividad, es sin duda uno de los puntos más importantes para abordar el arte contemporáneo, más allá de las temáticas o soportes, es claramente el <i style="">kitsch</i>, como expresión artística más bien estilística dentro del arte y, en lo que nos concierne, la fotografía latinoamericana actual. En estos intentos se hace presente lo ritual y lo popular adosado a los gustos desmesurados, y de aquí se desliga que el <i style="">kitsch</i> se yuxtapuesto al mal gusto o la ironía y el absurdo, elementos claves en la creación actual y a través de los cuales se delinearía la estética posmoderna.</span></p><p class="MsoNormal"><br /><span style="" lang="ES"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style="font-weight: bold;">¿Qué es el Kitsch?, Definiciones del Kitsch</span><b style=""><span style="font-weight: bold;">.</span><o:p></o:p></b></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Este capítulo tiene como objetivo desglosar el concepto de <i style="">kitsch</i> dentro de que define el pensamiento moderno, con tal de establecer una correlación con la variedad de autores que tratan el tema, ya sea desde un punto de vista más globalizado, lo que sería definir el espectro del kitsch entendido desde su origen y desarrollo europeo, o más focalizado a lo que concierne a Latinoamérica.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">El concepto de “kitsch”, dentro de su recurrente devenir moderno ha sido tratado por distintos pensadores contemporáneos, con esto las aristas que demarcan lo que es kitsch se han definido insoslayablemente en lo que respecta a todos los ámbitos de la “cultura urbana-modernista”, y sus definiciones fluctúan desde su etimología, estructura, definición, clasificación y análisis, hasta su incidencia filosófica, antropología, sicológica y sociológica en lo que respecta a la vida cotidiana actual demarcada por los mass-media, la capitalización, la sociedad moderna y los bienes de consumo. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Con esto dilucidamos, que los conceptos de <i style="">kitsch </i>y de <i style="">cultura de masas</i>, han sido imprescindibles para establecer el concepto de posmodernismo, lo primero frecuentemente citado en las obras y lo segundo incorporado a la mayoría de las obras eruditas durante el advenimiento de dicho periodo, la interpenetración de los conceptos de cultura erudita, cultura de masas y kitsch han resultado gran parte de lo que es hoy en día la definición de arte moderno</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn1" name="_ftnref1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span style="" lang="ES">. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">En esta multitud de nociones nos encontramos con uno de los primeros precursores del concepto, con el cual se hizo famoso en los 70’s, es Abraham Moles, con el texto “<i style="">El Kitsch: El arte de la felicidad”</i>, donde estructuraliza el concepto y lo define como un fenómeno Psico-Social. Moles, nos presenta un texto el cual enfatiza en la multiplicidad de elementos que definirán lo kitsch, lo hace a través de gráficos e imágenes que corresponden con su completo desglose.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES-TRAD">Moles, enumera cinco principios de los objetos Kitsch</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn2" name="_ftnref2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES-TRAD">5</span></span></a><span style="" lang="ES-TRAD">: En primer lugar se encuentra el principio de <b style=""><i style="">inadecuación</i></b>, es decir un distanciamiento con la funcionalidad de ese producto. Habla de que el objeto se encuentra al mismo tiempo bien y mal ejecutado, bien porque está bien acabado y mal porque la concepción original del producto se encuentra tergiversada El principio de <b style=""><i style="">acumulación</i></b> que ya se veía en el manierismo y el rococó, y contraria a la idea de pureza que se daba en el clasicismo. Muy relacionado con este principio se encuentra el de percepción sinestésica. Aquí se intenta que funcionen la mayor parte de los sentidos posibles, pone como ejemplo la ópera cómica que moviliza los ojos, lo oídos y los sentidos de lo lejano. El cuarto es el principio de la <b style=""><i style="">mediocridad</i></b>. El Kitsch queda como un arte de masa. Estos objetos crean la sonrisa del consumidor que como señala Moles se cree superior a ellos en el momento en que lo juzga. Por último el principio del <b style=""><i style="">confort</i></b>, creado gracias a la cercanía de estos objetos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span><span style=""> </span>Según Matei Callinescu, el kitsch, sería “la manera barroca de atribuirle un falso romanticismo a nuestra época”, ya que su esencia como sistema de imitación, expresada en la reproducción masiva de un elemento cualquier que este sea. </span><span style="" lang="ES-TRAD">Calinescu menciona tres características<span style=""> </span>del objeto Kitsch resumiéndolas<span style=""> </span>en tres aspectos: el de enviar un mensaje, producir masivamente el arte y por último que el consumidor de este objeto<span style=""> </span>acepte esta “mentira estética”</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn3" name="_ftnref3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES-TRAD">2</span></span></a><span style="" lang="ES-TRAD">. Para ser producible<span style=""> </span>y llegar a las masas, tienen que ser objetos baratos. Abraham Moles dice que reemplaza la transcendencia por el precio justo, sustituyendo los valores de<span style=""> </span>la felicidad, por los de la belleza transcendental.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES-TRAD">Dorfles, mencionando también a Hermann Boch y Ludwig Giesz</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn4" name="_ftnref4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES-TRAD">4</span></span></a><span style="" lang="ES-TRAD"> habla sobre el “hombre-Kitsch” el cual lo define como aquel que desconociendo el arte antiguo y moderno valora exclusivamente las cualidades políticas, lúdicas y agradables de un objeto. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES-TRAD">Eco, también hace referencia del kitsch, entrado en el concepto a través de la “Estructura del mal gusto”, y establece que el mal gusto en el arte seria la <i style="">prefabricación e imposición</i> <i style="">del efecto</i>, con lo cual lo kitsch, sería una especie de “mentira” o falta experiencia, que nos acerca al disfrute de lo estético, pero de un modo envasado, característico de un publico perezoso que desea participar “…en los valores de lo bello, y convencerse asi mismo que lso disfruta, sin verse precisado a perderse en esfuerzos innecesarios.” Así Eco establece al kitsch como una de las formas más aparentes de la cultura de masas, y por tanto cultura de consumo.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">La Brasileña Lidia Santos en su libro “<i style="">Kitsch Tropical</i>” establece: el kitsch como fenómeno del gusto, se identificaría con el mal gusto que se opone al buen gusto del arte. Con esto los medios de masas seria los promovedores de una mediación entra la sociedad tradicional y la sociedad moderna, en lo que el kitsch en Latinoamérica vendría a ser una respuesta realista a lo que fue el boom del realismo mágico durante los 60’s.</span></p><p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><br /><span style="" lang="ES"><o:p></o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style="font-weight: bold;">Kitsch en la cultura de masas, modernidad y posmodernidad</span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">La cultura de masas no es típica de un sistema capitalista.<span style=""> </span>Esta tiene origen en una sociedad en que el total de ciudadanos participa con igualdad de derechos en la vida pública, en el consumo, en el disfrute de las comunicaciones: nace inevitablemente<span style=""> </span>en cualquier sociedad de tipo industrial</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn5" name="_ftnref5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span style="" lang="ES">. De esto podemos plantear que la industrialización de la sociedad, desde los años de la revolución industrial,<span style=""> </span>autonomizo las distintas estructuras sociales como la política y las ciencias,<span style=""> </span>pero dejo al arte desplazado y relegado al academicismo monárquico, con lo cual su autonomía demoro en llegar hasta finales del siglo XX con las vanguardias artísticas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>De esta manera la modernidad estética,<span style=""> </span>se abre paso a través de nuevas y revolucionarias concepciones que llevan al hombre a constituir nuevos códigos de trabajo artísticos basados en la “inferior” cultura de masas. Las Vanguardias se descubrieron, renovaron y reinventaron a sí mismas identificándose con </span><span style="" lang="ES">las formas de expresión sociales a partir de los materiales degradados de la producción capitalista</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn6" name="_ftnref6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span style="" lang="ES">. Con esto la tradición artística que prevalecía hasta este punto de la historia, es rechazada cada vez con más violencia y los artistas se encargan de tantear y sondear el revolucionario camino vanguardista del “aun no”. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Con la era moderna comienzan las utopías y el impulso del artista de desprenderse del pasado, con tal fundar una “nueva tradición” que dé cuenta de la conciencia moderna, la cual siempre avanza hacia un “futuro” donde esta será reconocida. Sin embargo, la modernidad también se vuelve contra sí misma, y dramatiza su profundo sentido de crisis en la decadencia, denotada por los más desvalidos y abandonados por el mercado capitalista. Con esto la noción de modernidad se ve caracterizada en su sentido más amplio por un conjunto de valores que corresponden a (1) el tiempo mesurable de la visión capitalista (como una comodidad más o menos preciosa, vendida y comprada en el mercado) (2) el ámbito de lo personal y del yo, como una identidad del tiempo, es propio de una cultura moderna</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn7" name="_ftnref7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span style="" lang="ES">.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">De esta manera se puede establecer que la estructura de la vanguardia como nuevo paradigma artístico, que nace de una condición subcultural pretendió alcanzar metas utópicas y fundar nuevas reglas, pero como todo arte en la sociedad de masas, al pretender resolver y armonizar la experiencia social,<span style=""> </span>lo convierte en un espacio protegido, y por ceñirse a ello acaba siendo asimilado y sobrepasado como todas las experiencias subculturales.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">El establecimiento de una nueva burguesía, la migración rural hacia las ciudades y el rápido abandono de la cultura folclórica que los inmigrantes llevaron con ellos (la enorme diferencia del caso latinoamericano),<span style=""> </span>produjo sin duda la presencia de una nueva experiencia estética la cual comienza a dictaminar nuevos cambios en los procesos culturales. La nueva burguesía es capaz de adquirir o en estricto rigor de “consumir”,<span style=""> </span>lo que precise pues ya tiene el capital para hacerlo,<span style=""> </span>y con esto rápidamente se hace cargo adquirir cultura, ya sea por un afán de estatus, de gusto o apropiación. El concepto de mercancía, es sin duda imprescindible, ya que cuando comienza a capturar el ámbito de las artes, comienza a florecer un nuevo concepto que conoceremos como Kitsch.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Por ello el arte de la vanguardia (en contraposición del kitsch) sería un intermediario entre lo alto y lo bajo de la cultura de masas, el kitsch seria el regreso de la obra de vanguardia, desde donde tuvo su origen como material sustancial<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn8" name="_ftnref8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Es necesario especificar, que la estilización de la Vanguardia, dentro del campo de lo nuevo, renovado y revolucionario del arte,<span style=""> </span>tendencias como el cubismo y el surrealismo, al final se vieron absorbidas por la academia y con ello utilizadas y reutilizadas a modo de recetas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Así el kitsch, vendría a ser la contra respuesta de las vanguardias, seria de algún modo la asimilación y mercantilización de esta para las masas; aquí se genera la dicotomía clásica de contraposición, la Vanguardia y el Kitsch, como procesos que se necesitan mutuamente para cerrar el ciclo y se podría definir al kitsch como el regreso de la obra de vanguardia, donde tuvo el origen de su material sustancial, en los bajos márgenes sociales.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Sin duda el fenómeno moderno del kitsch nació para llenar un vacío, </span><span style="" lang="ES">la demarcación del tiempo del ocio fijado fuera de las horas de trabajo, con su promesa de diversión y placer concentrados dentro de ese tiempo, constituyeron una fuerza que presionaba por la formación de una supuesta cultura que se adaptara a las necesidades de una nueva clientela que necesita consumir. Con ello el nuevo trabajador urbano, sometido en la fabrica o la oficina a un régimen laboral estricto, compensa esta rendición de su autonomía personal con un ocupación intensa del tiempo que le quedaba libre, transfiriendo la búsqueda de<b style=""> </b><i style="">identidad individual</i><b style=""> </b><span style=""> </span>a las experiencias simbólicas y afectivas ahora definidas como especificas del ocio. Así la eficiente racionalidad moderna logro establecer la mezcla perfecta para el “nuevo individuo moderno”, y lograr la conversión de la cultura en una <i style="">mercancía reproducible</i>, y de este modo el individuo moderno se satisface<span style=""> </span>de su necesidad de cultura a través de la materialidad<span style=""> </span>del objeto de consumo.</span><span style="" lang="ES"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>La constitución de las vanguardias provocaron a corto plazo una apropiación de los códigos, y por parte de las elites que ya se sentían desplazadas, por este arte nuevo y feroz, se adjudicación estos nuevos signos, con lo cual se establece el ciclo modernista donde lo nuevo y vanguardista es desplazado por la reproducción masiva para ser esta nuevamente desplazada, por una nueva vanguardia.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES">Con el advenimiento de los nuevos avances comunicacionales, la culturización de las masas trae consigo la creación de distintos motivos populares, que son extendidos por la radio, la televisión y el cine.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><span style=""> </span>En lo que respecta a Europa, la concepción de lo kitsch fue utilizada por distintos pensadores para definir la situación posmoderna, en cuanto a una actitud de consumo más que una proposición o elección estética. Adorno sostiene que<span style=""> </span>la industria de la cultura es parte de un plan donde el arte es controlado y planeado según las necesidades del mercado, de algún modo parte del pensamiento marxista<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn9" name="_ftnref9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">Sin embargo la cultura de masas no es típica de un sistema capitalista.<span style=""> </span>Esta tiene origen en una sociedad en que el total de ciudadanos participa con igualdad de derechos en la vida pública de, en el consumo, en el disfrute de las comunicaciones: nace inevitablemente<span style=""> </span>en cualquier sociedad de tipo industrial</span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn10" name="_ftnref10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a><span style="" lang="ES">. De esto podemos plantear que la industrialización de la cultura como fenómeno social, es un paso decisivo en la constitución del Kitsch, como sistema icónico y simbólico, perfilando en lo <i style="">camp<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn11" name="_ftnref11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[8]</span></b></span><!--[endif]--></span></span></a></i> luego de la explosión del pop durante los sesentas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">La incipiente aparición de la cultura pop, y la producción artística de Andy Warhol, contribuyo a la utilización del desecho masivo, consecuencia de las sociedades de consumo, a través de nuevas propuestas artísticas, algo así como una nueva vanguardia, en donde se acentúa el discurso respecto de los medios de reproductibilidad y la re-utilización de las imágenes populares, tal es el caso de la imagen Marilyn Monroe, que de modo de un apropiación irónica es citada y vuelta a citar en muchas obras, aludiendo a su infinita y popular reproducción.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">Esta estructuración de estos elementos deriva en la propagación del arte conceptual como corriente, la cual vendría a ser propia de una época postmoderna, en donde el kitsch, ya no asume solamente la posición del mal gusto, sino que se asocia a una situación irónica del arte a una anti-estética, convirtiendo el mal gusto en buen gusto (estética de lo camp).</span></p><br /><p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><br /></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> <p style="font-weight: bold;" class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">De lo hibrido a lo Kitsch,<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%; font-weight: bold;" lang="ES"><span style=""> </span>Identidad Latinoamérica</span><span style="" lang="ES"><span style="font-weight: bold;"> (Religión, Folclore y kitsch)</span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">El arte latinoamericano vendría a exaltar la recepción que realiza la clase obrera de los productos de masa, a través de la parodia, a diferencia de que estos mismos usufructúan del deseo de poseer agentes, ya sean objetos de arte, vestimentas que definan una apreciación por el arte, independiente de su manufactura…)<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Históricamente, la cultura de masas no comenzó en Latinoamérica, esta sin duda es parte del plan de modernidad occidental, que llego acá de rebote a través de las conquistas y colonias que se extendieron en el territorio latinoamericano durante siglos, y es sin duda el momento a través del cual las culturas aborígenes del continente se mesclaron y secularizaron con las distintas culturas inmigrantes que llegaron al territorio. El mestizaje, por consiguiente es el primer origen de la hibridación cultural.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Hay que dejar en claro que el concepto de hibridación viene a explicar una ecuación propia del continente, la infinidad de cruces entre cultura, tecnología, artesanía, tradición e industrialización, son hechos que refleja la heterogeneidad multitemporal de la cual somos parte. Lo popular y lo culto como una dicotomía por la cual se desenvuelven las naciones latinoamericanas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Si bien habíamos dicho que Latinoamérica como continente habría “nacido moderno”, este enunciado apela a la disposición en la cual se encontraba occidente, con nuevos cambio y descubrimientos tecnológicos que decantaron en la revolución industrial. Sin embargo debemos esclarecer, que Latinoamérica fue descubierta por las naciones menos avanzadas en lo que a modernidad se refiere (españoles, portugueses), este factor es muy influyente al tratar de definir la situación latinoamericana claramente pre-moderna hasta ese momento.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Aquí debemos establecer, que el establecimiento de la cultura premoderna trae consigo, la construcción de todo un paradigma religioso en nuestro continente, el cual venia proveniente de los conquistadores, estos por su parte traían consigo, la pérdida de sentido, acusa de la reforma y La contrarreforma, situación por la cual la iglesia católica pierde su credibilidad dentro de la fe, lo que decanto en la creación del estilo barroco, atiborrado con formas irregulares que conllevan una apreciación solo estilística, más que una identificación ideológica.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Este hecho da pie a que la instauración de una cultura católica, mezclada con lo propio del nuevo mundo, se genere una concepción religiosa, casi pagana por el hecho de mezclar la indignidad, con lo estrictamente católico. Este síntoma de hibridación provoco más de un siglo de una producción artística basada en la religión, con un atraso considerable a las variantes históricas sucedidas, en Europa.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>El condicionamiento colonial sobrellevado por los pueblos latinoamericanos (históricamente revisado), solo que se quiebra con la llegada de la autonomía política de los países; la independencia les permite actualizarse y por así decirlo modernizarse. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Con el inicio de este nuevo ordenamiento, aparecen las distinciones entre lo culto y lo popular, que de algún modo se mantiene hasta nuestros días. Lo culto, en un principio fue representado por las capas sociales más aventajadas como la aristocracia y la pequeña burguesía, y fueron de algún modo los que definieron los valores estéticos, encargándose de la escasa cultura presente en los países latinoamericanos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Pero las tradiciones instauradas por el barroco, durante el proceso de mestizaje, logran establecerse dentro de la masa, en la forma denominada como folklore. El folclore sin dura genera lazos en la conciencia nacional de los pueblos y además, de los hitos históricos que lograron que la instauración de sistema de mercado se establece completamente dentro del continente. Esta situación de mezcolanza ha permitido hasta hoy subsistan “tradiciones religiosas”, catedrales barrocas, y fiestas conmemorativas, a lo largo de todo Latinoamérica, que oscilan entre lo folclórico y lo cristiano en una perfecta armonía y fervor.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Estas serian las razón de la hibridación tan presente en nuestra actualidad como hace 100 años, esta situación si bien no se fomentado, a perdurado y claramente ha influido en distintas disciplinas, así como también en las artes. Históricamente, las artes y el gusto estético fueron concebidos por las elites; las cuales formaron parte de los primeros gobiernos, y estos a su vez conformados por lideres educados en Europa, por ello, si bien había una modernización entorno a lo social, respecto del ámbito artístico y cultural Latinoamérica continuó, utilizando el modelo europeo en cuanto a su formación. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Mayoritariamente los artistas eran enviados a estudiar a Paris o Inglaterra, en donde las corrientes artísticas ya comenzaban un proceso de cambio, esto a fines del siglo XIX; los artistas por su parte se encontraban con el “nuevo/viejo mundo”, y sin duda comenzaron un proceso de adopción de nuevos paradigmas, en lo que refiere a pintura, escultura y arquitectura. Los nuevos gobiernos, con tal de generar una identidad propia comienzan a establecer los símbolos, que definirán el “<i style="">Patrimonio Nacional</i>”<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn12" name="_ftnref12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>, elementos tales como monumentos a la independencia, y obras relacionadas con lo mismo motivos, son enviadas a hacer a Europa, y con ello son traídos a su vez arquitectos que vendrán a proveer del buen gusto a las nuevas repúblicas incipientes.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Los artistas que vuelven luego de concretar los estudios, en el viejo continente, vuelven renovados con las ideas mas actuales respecto de obras y procesos culturales, lamentablemente el hecho de que estos artistas se hayan formado en las “Academias” de artes de distintos países (Paris, Italia, Inglaterra) produjo un retraso en relación a las vanguardias artísticas gestadas dentro de los movimientos sub-culturales, marginados por la academia, este retraso se tradujo en varias décadas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">De este modo dentro del siglo pasado, varios hechos históricos han definido las estructuras sociales adosadas al sistema socio-económico y político que impera actualmente, la brasileña Lidia Santos en su libro kitsch tropical comenta: “…<i style="">la industrialización, creciente desde los años treinta y cuarenta, había provocado una intensa migración interna del campo a la ciudad. En los años sesenta, el perfil de las sociedades agrarias, característico de la primera mitad del siglo XX en América latina, se sustituye rápidamente por el de las sociedades de consumo como consecuencia de la expansión del capitalismo multinacional. Los medios de comunicación de masas, instrumentos fundamentales para mantener el consumo en movimiento, se expanden proporcionalmente a todos estos cambios. Se amplían los mercados fonográficos y cinematográficos y aumenta de manera irreversible el alcance de la televisión, implantada en el continente a partir de los años cincuenta.”</i></span><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn13" name="_ftnref13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><i style=""><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[10]</span></b></span><!--[endif]--></span></span></i></span></a><i style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><o:p></o:p></span></i></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Frente a este nuevo panorama, en el cual se mezclan, por una parte el Estado, incorporando precariamente políticas culturales, por otro lado una incipiente industria cultural, preferentemente orientada a las masas, y por otro parte los grupos revolucionarios, los cuales junto a partidarios de regímenes populistas, intentaron llevar adelante la utopía de socializar la cultura moderna, con tal de reducir la desigualdad en lo que se considera bienes comunes, con tal de que la cultura sea compartida por un minoría, mucho más amplia que las anteriores. A fin de cuentas, ni el proyecto modernizador, ni las utopías revolucionarias, ni los tradicionalistas, tuvieron éxito<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn14" name="_ftnref14" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[11]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>En este marco nos encontramos con los grupos muralitas de México, una serie de manifiestos sudamericanos, por parte de brasileños, uruguayos y argentinos, grupos de artistas, que con nuevos conocimientos buscan la reivindicación de lo nacional dentro de nuevas propuestas artísticas nacientes. Nace con ello el concepto de “<i style="">indigenismo”,</i> que vendría a incorporar a las propuestas artísticas una carga de nacionalismo, un ejemplo claro de esto es el movimiento muralista mexicano, compuesto por Rivera, Orozco, Sequeiros y Tamayo, contribuyeron a fomentar la identidad nacional junto con una ideología indigenista, revolucionaria e izquierdista, contraria las hegemonías tradicionalistas arraigadas de la nación, representado imágenes en donde el pueblo logra el triunfo a la opresión, el pueblo y su religión, Cristo mulato, son parte de los símbolos reivindicadores propios de este movimiento, que en el sentido difusivo logro perpetrar un arte orientado a la masa y al pueblo obrero, al estamparlo en las calles del país.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Por otro lado, en Sudamérica, se lograron instaurar distintos movimientos que pretendían, en cierto sentido, la misma experiencia modernizadora respecto del desarrollo artístico. Manifiestos tal como el Invencionista, Madi, Neoconcreto y<span style=""> </span>Antropófago, por nombrar algunos, fueron proyectos que intentaron dar cabida a un nuevo arte nacional y desvinculado de la tradición, este afán condujo a que muchos artistas lograran la ruptura con la representación y pudieran experimentar dentro de otros ámbitos. Se caracterizaron, por buscar la autonomía, y de ese modo pasar a ser movimientos completamente modernos. El manifiesto Antropófago de </span><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Oswald Andrade</span><span style="line-height: 115%;" lang="ES">, quizás unos de los mas lucidos, contribuye invitando a adoptar una actitud antropofagia, en el sentido de alimentarnos del <i style="">otro hombre</i> (conquistador), y construir un arte, a partir de todo lo que nos inunda y concierne, la hibrides propia de los pueblos latinoamericanos.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Hasta este momento, la creación y las propuestas culturales se encontraban activas y despiertas, la radio como medio masivo de difusión y la incorporación de la televisión en los años 50’s, trajo consigo a mucha gente interesada en la una nueva sociedad moderna que se estaba asentando. Las políticas de estado con un alto interés por alfabetizar<span style=""> </span>a la población, contribuyo a la creación de escuelas, y universidades con tal de promover la cultura dentro de sus sociedades. Las comunicaciones unen e inspiran la condición nacional y patrimonial, clave para el éxito de los gobiernos populistas. Aquí comienza la separación entre la cultura de masas, y una cultura artística basada en la producción intelectual. El público sin una educación universitaria se vio desplazado al ámbito del conocimiento cotidiano, ya que no estaban habituados a diferenciar lo formal y lo funcional, lo bello y lo útil. Por ello el ámbito del arte, que ya no estaba relegado solo a minorías elitistas, sino que se encuentra ejercido por grupos burgueses con educación universitaria<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn15" name="_ftnref15" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[12]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Como respuesta a esta situación nació el movimiento Tropicalista, de mano de artistas brasileños, de distintas disciplinas, tomando como base combatir el extendido <i style="">nacionalismo popular</i> que manifestaban los medios masivos, a diferencia de los demás países donde el arte lo exacerbaba. Este movimiento se perfila como uno de los primeros que ironizo con la situación social cultural, que se disponía símbolos acerca de lo nacional autentico como un patriotismo vacio impuesto por las dictaduras<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn16" name="_ftnref16" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[13]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Latinoamérica en su extensión a sufrido un retraso de las respuestas artísticas postmodernas; agregado a esto, los periodos dictatoriales, sufridos por la mayoría de los países latinoamericanos han sido un aporte a esta falta de experimentación.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span>Actualmente las propuestas latinoamericanas, deambulan entre los mismos temas, búsqueda de identidad, ritos urbanos, recuperación de lo propio, etc, estas mismas interpelaciones reivindicativas contienen a su vez un alto grado de esnobismo, y el sobre uso de estas pretensiones se traduce en obras que tratan de integrar los rituales indigenistas como rituales propios.</span></p><br /><p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style=""> </span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><o:p> </o:p><span style="font-weight: bold;">Fotografía y Kitsch.</span><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: left; text-indent: 35.4pt;" align="left"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">La relación entre fotografía y kitsch es necesaria abordarla antes de enumerar a algunos de sus exponentes, esta relación se encuentra lejos de los primeros exponentes de la fotografía, ya que en sus comienzos esta se entendía y trabaja del mismo modo representativo que la untura, o intentaba hacerlo. Esta relación comienza pasado la mitad del siglo XX, cuando la fotografía se adosa a las demás artes, siendo considera como una de ellas, y comienza a trabajar con el <i style="">conceptualismo,</i> al igual que otras técnicas.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">En este punto, vale hacer una revisión y volver atrás un poco, para citar el tema de la autenticidad de las obras; este concepto se asocia a una valoración estética y filosófica, y su criterio designa la originalidad, elemento al cual se asocian los orígenes y caracteres autóctonos de cada sociedad, concebidos en el folclore<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn17" name="_ftnref17" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[14]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>. Walter Benjamín, puntualizó en la<span style=""> </span>reproducibilidad técnica de los medios artísticos,<span style=""> </span>y expuso a este hecho una <i style="">pérdida del aura</i>, lo que apela a la perdida de la unicidad y autenticidad de la obra, se puede decir que este hecho de la modernidad, se ve reflejado en como la invención de la fotografía despoja a la pintura de la función representativa, por lo cual, esta comienza a emigrar a otros campos de estudio, tal como “el arte abstracto” o “no figurativo”, con lo cual viene unido a una situación de crisis del arte en el siglo XX<a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftn18" name="_ftnref18" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="ES">[15]</span></span><!--[endif]--></span></span></a>.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">Esta supuesta crisis del arte, y esta pérdida de orientación y sentido, serian la cuna para la autonomía del arte, con lo cual se desarrollaron extendida mente los aspectos formales de las disciplinas artísticas. Aquí la cultura de masas haría su asidero en la industria de la cultura. Con la aparición del pop, en los 60´s comienza la utilización de lo kitsch dentro de las artes. Andy Warhol, seria hacia esta parte uno de los primeros en realizar la crítica al a industria y los medios masivos a través de sus distintas obras, que reflejan la reproducción y consumo, de productos e imágenes en un mismo rango. Con esto la dicotomía entre arte y kitsch, se a establecido como una tendencia, y actualmente la utilización de esta modalidad, se encuentra en boga en lo que respecta al caso chileno).<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="" lang="ES">Para volver con la fotografía, en referencia al kitsch, esta ha sido mayoritariamente utilizada como herramienta técnica, para contribuir con discursos plásticos (el caso de Warhol y sus serigrafías) más que como lenguaje, y en el caso latinoamericano, no son demasiados los artistas que usufructúan de lo kitsch dentro del lenguaje fotográfico. La utilización del kitsch comenzó en los 80´s por parte de los fotógrafos latinos, luego de los procesos dictatoriales, como veremos en el posterior ítem, y respecto de caso chileno, ya a fines de los 90´s, como consecuencia de la fuerte censura cultural sufrida en el pais; esto explicaría por que la respuesta chilena al kitsch llegara tan tardíamente, como ejemplo de esto se encuentra la similitud entre el trabajo de Nelson garrido en los 80’s, y el trabajo de Zaida Gonzales en el 2005, aunque similares, se nota la correspondencia ideología y la carga intelectual, respecto del primero y el ultimo de los trabajos.</span></p><br /><p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><br /></p><span style="font-weight: bold;">Fotógrafos.<br /><br /></span>Para establecer de este modo la relación entre el fenómeno del kitsch, he seleccionado una serie de fotógrafos que constituyen sus obras dentro de la estética de lo kitsch, y que por ende dejan de manifiesto la condición hibrida presente en las sociedades latinoamericanas; dentro de sus propio espectro social. Las temáticas son variadas, y abordan el kitsch desde distintos puntos, ya sea, a través de su contenido, a través de la propia estética fotográfica. Importante es recalcar que las imágenes corresponden a trabajos que explicitan la temática kitsch dentro de su propuesta estilística, y en donde la utilización, ya sea de modelos o de una producción, conlleva una reflexión que tiende a calificarse de contemporánea, por su carga irónica y en algunos casos hasta burlesca, claras con sus pretensiones criticas y artísticas. A continuation los enumero:<br /><br />• Daniela Rosell<br />• Luis Molina-Pantin<br />• Marcos Lopez<br />• Nelson Garrido<br />• Penna Prearo<br />• Vik Muniz<br /><br /><br /><br /><br /><span style="font-weight: bold;">Daniela Rosell.</span><br /><br />En su trabajo “Ricas y Famosas” Daniela Rossell precipita la tradición de la mirada exagerada, artificial y condescendiente, expuestas por los fotógrafos clásicos, respecto de las clases desvalidas; al tiempo que permanece fiel a su esencia volviéndola al revés. Centra su mirada etnográfica, no en las vidas cotidianas de los humildes y en sus tradiciones y costumbres inmemoriales, sino en su propia clase social; los oligarcas cuyo poder económico y político mantiene a los humildes en su sitio.<br />La fotografía mexicana se ha acercado a menudo a la vida colectiva del mundo latinoamericano, por medio de una peculiar mezcla de objetividad etnográfica y una fascinación embelesada por aspectos de la realidad que lindan con lo barroco, e incluso con lo surrealista; un ejemplo mexicano claro es Manuel Álvarez Bravo.<br /><br />Los personajes de Rossell se revelan como lo que son o como lo que les gustaría que se pensara que son. Del mismo modo que su riqueza les permite consentirse físicamente, tener una vida de consumo manifiesto y de manifiesta sexualidad, también los defiende de tener que hacer frente a cualquier visión hostil del mundo. Los reconocemos como integrantes de la compleja red social de la que esos despliegues que son un grumo, un síntoma, un cascabel, una alegoría carnavalesca. Estos interiores cuasi barrocos ubican a sus habitantes en un mundo de espejos enfrentados e imágenes engañosas: un mundo en el que se ha rechazado deliberadamente cualquier sensación de áspera realidad. Rossell parece haber encontrado mucho que aprender de estas mujeres a las que otros desdeñarían como a parásitos sociales.<br /><br />¿Qué operación realiza Rosell, en esta serie de fotos?, Ella transita por los recovecos de un sector mexicano adinerado (al cual pertenece), donde se encarnan, cristalizan, coleccionan, miles de deseos coleccionistas, una libido posesiva y fetichista , y los encuadro y reinterpreto con sesgos inquietantes y provocadores. Consiguio seducir a los Habitantes de estos espacios (mayoritariamente mujeres) para que aparecieran representándose a sí mismos, jugando e ironizando con sus desmesuras. En estas imágenes la fotógrafa nos retrata un entorno propio, con una mirada que nos deja claro el auto discernimiento y conciencia de su situación.<br /><br />La estética que en algunos de los ámbitos capturados por Rossell es llevada a su cima no es otra que la que marca y demarca muchas elecciones decorativas entre gustos comunes en nosotros. Por más que unos cuantos nos adjudiquemos un “buen gusto” tenemos que reconocer que la cultura visual en Latinoamérica, y particularmente en este caso en México, es de este modo. El templo chillón, el altar de muertos, la sala de museo de la abuela, el taxi del tío, el aparador de la pastelería, dialogan, resuenan, riman con lo que los ricos no europeizados hacen en sus casas.<br /><br />Daniela Rossell logra un gran mérito al reconocer el valor de documentar de la desconcertante, irritante, profusa forma que adopta nuestro imaginario visual y corporal cuando no tiene límites.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t4IJSVAjI/AAAAAAAAAKQ/7RB4iGZEJCM/s1600-h/ryf3.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t4IJSVAjI/AAAAAAAAAKQ/7RB4iGZEJCM/s400/ryf3.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141835480900633138" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t4HZSVAiI/AAAAAAAAAKI/iPMcYKw6Ekc/s1600-h/ryf2a.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t4HZSVAiI/AAAAAAAAAKI/iPMcYKw6Ekc/s400/ryf2a.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141835468015731234" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t5hpSVAkI/AAAAAAAAAKY/QOA62bNi3w8/s1600-h/ryf4.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t5hpSVAkI/AAAAAAAAAKY/QOA62bNi3w8/s400/ryf4.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837018498925122" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t5iJSVAlI/AAAAAAAAAKg/cWi7Y4MyeaM/s1600-h/ryf7.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t5iJSVAlI/AAAAAAAAAKg/cWi7Y4MyeaM/s400/ryf7.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837027088859730" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8e5SVAxI/AAAAAAAAAMA/kMheMCoqDCs/s1600-h/ryfdef.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8e5SVAxI/AAAAAAAAAMA/kMheMCoqDCs/s400/ryfdef.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840269789168402" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7GJSVAsI/AAAAAAAAALY/QxWVkZFKprU/s1600-h/ryf14.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7GJSVAsI/AAAAAAAAALY/QxWVkZFKprU/s400/ryf14.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141838745075778242" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7GpSVAvI/AAAAAAAAALw/J_fpOU3YrTA/s1600-h/ryf15.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7GpSVAvI/AAAAAAAAALw/J_fpOU3YrTA/s400/ryf15.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141838753665712882" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7G5SVAwI/AAAAAAAAAL4/OhlC_VjE5CA/s1600-h/ryfa.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t7G5SVAwI/AAAAAAAAAL4/OhlC_VjE5CA/s400/ryfa.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141838757960680194" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6epSVAqI/AAAAAAAAALI/mThQ43NS1gE/s1600-h/ryf12.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6epSVAqI/AAAAAAAAALI/mThQ43NS1gE/s400/ryf12.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141838066470945442" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6fJSVArI/AAAAAAAAALQ/SyrKVTwGgmM/s1600-h/ryf13.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6fJSVArI/AAAAAAAAALQ/SyrKVTwGgmM/s400/ryf13.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141838075060880050" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6IZSVAoI/AAAAAAAAAK4/uIOmM1Lfhw4/s1600-h/ryf10.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6IZSVAoI/AAAAAAAAAK4/uIOmM1Lfhw4/s400/ryf10.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837684218856066" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6IpSVApI/AAAAAAAAALA/wekT7HDxK-Y/s1600-h/ryf11.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t6IpSVApI/AAAAAAAAALA/wekT7HDxK-Y/s400/ryf11.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837688513823378" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t53pSVAmI/AAAAAAAAAKo/r5RJto5wIo0/s1600-h/ryf8.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t53pSVAmI/AAAAAAAAAKo/r5RJto5wIo0/s400/ryf8.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837396456047202" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t535SVAnI/AAAAAAAAAKw/Bs4hCTY7yiE/s1600-h/ryf9.gif"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t535SVAnI/AAAAAAAAAKw/Bs4hCTY7yiE/s400/ryf9.gif" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141837400751014514" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">Luis Molina-Pantin.<br /><br /></span>Vive y trabaja en Caracas, Venezuela. Fotógrafo y video-artista. En su serie, "Inmobiliaria, Escenario", Molina Pantin colecciona imágenes de sets de televisión de teleseries, ya que son una representación idealizada que también contribuye a la construcción de realidades sociales. Estos son lugares comunes -piezas de casa, salas de hospital- y ficticios, al mismo tiempo. La serie "Inmobiliaria", permite ir hacia la realidad y la ficción del espacio urbano, que se cruza en aquellas dimensiones.<br />Luis Molina-Pantin, a partir de la década de los noventa desarrolla una obra con un sentido muy particular de construir una representación de la realidad tan aproximada, que al fin confunde ambas. El fotógrafo-artista esta vez se apropia, registra espacios de la televisión para desnudar en los ojos del espectador el contexto que habitualmente ha sido enmascarado en los escenarios de un canal de televisión y de donde proceden las telenovelas como realidad idealizada. Esos que "hacen ver" en la pequeña pantalla, en toda su aparatosidad, la realidad cotidiana, generadora de infinitos conflictos en función del amor y el sufrimiento, la eterna lucha por el poder y el reconocimiento social.<br />En la serie Inmobilia, como "imagen real de una realidad ficticia", la verdad/ficción produce un campo de fruición, donde todas las faltas de referencias humanas en los escenarios vacíos podrían interpretarse como forma del territorio íntimo del melodrama. Molina-Pantin bajo la unión paradójica de una agudeza analítica, programática y un espíritu emotivo de sus propuestas plásticas, atraviesa esa delgada y frágil capa que conecta lo real con lo ficticio, de la aventura ciudadana. Muestra también el concepto básico de la proximidad, pues trata de inferir realidad mediante la proximidad formal de la obra y el propio reconocimiento de lo representado, instalándose asimismo como vivencia cotidiana del espectador. Un nuevo impulso otorgado al desarrollo de las artes plásticas nacionales partió de la necesidad de romper el aislamiento y de adecuar su mirada de alcance más amplio. Los artistas trabajan en numerosas direcciones dentro de la pluralidad de caminos abiertos en el arte de nuestros días.<br />El trabajo de Luis Molina-Pantin, si bien configura aspectos que relatan la trascendencia que establecen los espacios, dentro de la dicotomía de lo real y lo ficticio, el hecho que su operación estética se concentre en la decoración, de espacios que demarcan una situacion, independiente de su relevancia y/o uso, demarca una condición inclusive más acentuada, dentro de los sets de las telenovelas, hitos de los medios comunicacionales populares durante el siglo xx. El uso de estos espacios “falsos”, conformarían por extensión, dentro del rango de lo kitsch, citando incluso de su falsedad, lo etimológico del mismo termino.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9C5SVA2I/AAAAAAAAAMo/BkC2C8XFVRE/s1600-h/Luis_Molina_Pantin_0021.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9C5SVA2I/AAAAAAAAAMo/BkC2C8XFVRE/s400/Luis_Molina_Pantin_0021.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840888264459106" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9C5SVA3I/AAAAAAAAAMw/O2-7F615cno/s1600-h/rivera1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9C5SVA3I/AAAAAAAAAMw/O2-7F615cno/s400/rivera1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840888264459122" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8e5SVAyI/AAAAAAAAAMI/rd_gVzKAAjw/s1600-h/Luis+Molina-Pantin+El+apartamento+de+Osmel+Sousa+Presidente+de+la+organozacion+Miss+Venezuela+2000+120+x+100+cm2221.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8e5SVAyI/AAAAAAAAAMI/rd_gVzKAAjw/s400/Luis+Molina-Pantin+El+apartamento+de+Osmel+Sousa+Presidente+de+la+organozacion+Miss+Venezuela+2000+120+x+100+cm2221.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840269789168418" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8fJSVA0I/AAAAAAAAAMY/T7ZeSMjF_7k/s1600-h/Luis_Molina_Escena_1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8fJSVA0I/AAAAAAAAAMY/T7ZeSMjF_7k/s400/Luis_Molina_Escena_1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840274084135746" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8fZSVA1I/AAAAAAAAAMg/pkqRmCePjEI/s1600-h/Luis_Molina_Pantin_1_big.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t8fZSVA1I/AAAAAAAAAMg/pkqRmCePjEI/s400/Luis_Molina_Pantin_1_big.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141840278379103058" border="0" /></a><br /><br /><span style="font-weight: bold;">Marcos López.</span><br /><br />Sin duda, Marcos López es uno de los mayores exponentes en lo que a kitsch se refiere, su interés se ve reflejado a lo largo de toda su obra, y no en un serie puntual; y dentro del ámbito de la fotografía contemporánea, es sin duda uno los máximos de los referentes en lo que refiere a la identidad “criolla argentina.<br />Las imágenes que en sus fotos se debaten entre lo kitsch, el humor, la ironía y el dolor de la identificación ineludible. López abraza una fascinación ineludible por los variados personajes populares dentro del género del retrato, tal como las reinas populares, los futbolistas o los mismos remiseros.<br />El fotógrafo da cuenta de su realidad diaria, con la cual convive, y logra exorcizar los variados estereotipos de una “argentinidad popular” a través de una estética de colores saturados y puestas en escena artificiales, centrada en el sarcasmo y la ironía, que inevitablemente remite a la década menemista y que integra su trabajo "Pop Latino".<br />La Literalidad y lo explicito toman en las imágenes de López una exaltación por los lugares comunes, esta mirada es una reflexión sociopolítica de la época, y su caso propio del peronismo y del menemismo, así como también de América latina, de la periferia, de las prostitutas y los inmigrantes que compulsan las grandes ciudades.<br />Su interés por el Sur y el subdesarrollo y su identidad, se pueden ver claramente y sintéticamente en la su obra más representativa, “el asado criollo”.<br /><br /><br /><span style="font-size:78%;">Biografía<br /><br />1958, Nace en Santa Fe, Argentina.<br />Estudios<br />1976-1982 Ingresa a la Universidad Tecnológica Nacional (Regional Santa Fe) donde estudia ingeniería. Comienza a tomar fotografías en 1978. En 1982 abandona los estudios universitarios para dedicarse por completo a la fotografía.<br />1981 Colabora en Santa Fe con el historiador e investigador Luis Priamo en el rescate, preservación e impresión de placas de vidrio de fotografías antiguas.<br />1982 Obtiene una beca de perfeccionamiento otorgada por el Fondo Nacional de las Artes. Se traslada a Buenos Aires y asiste a una serie de Talleres de prestigiosos fotógrafos argentinos y extranjeros que nos visitan.<br />Entre 1982 y 1983, realiza un ensayo documental en el Hospital Neuropsiquiátrico José T. Borda y trabaja en un taller psicoterapéutico de un año de duración con los pacientes.<br />1984 Participa en la creación del grupo Núcleo de Autores Fotográficos, junto a 12 colegas (Pintor, Grossman, Perez Aznar, E.Gil...). Trabajan durante tres años generando un ámbito para la discusión, la crítica y la investigación de la fotografía como medio de expresión, realizando también diversas exposiciones.<br />Se conecta con artistas plásticos de otras disciplinas (L. Maresca, M. Schvartz...) y participa en la concepción y realización de proyectos colectivos: "La Kermesse", "Lavarte", "La Conquista", etc.<br />Trabaja en fotografía documental y colabora con diversos medios independientes que se publican en Bs. As.: "Expreso Imaginario", "Banana", "Alfonsina", "El Porteño", "El Angel", etc.<br />1989 Integra la primera promoción de becarios extranjeros de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba. Reside un año y medio en Cuba como alumno de la Escuela donde realiza documentales para cine 16 mm y video.<br />Vuelve a la Escuela cubana invitado por Gabriel García Márquez para asistir a un Taller de Guión para TV de dos meses de duración que dicta el escritor.<br />Trabaja en Buenos Aires como realizador de documentales y en varios largometrajes como asistente de iluminación y fotógrafo de filmación.<br />1993 Se publica en Buenos Aires "Retratos", su primer libro.<br />Después de esto comienza a investigar con el color, desarrolla la serie POP LATINO.<br />2000 Editorial La Marca, de Buenos Aires, publica “Poplatino”.<br />2001 Curador, junto a Valeria González, de la Exposición "Al Sur del Sur". Ocho fotógrafos argentinos en el marco de PHOTOESPANA O1, en Casa de América, Madrid.<br />Entre 2001 y 2002, crea y desarrolla en su estudio un grupo de reflexión estética y de producción fotográfica donde participan como docentes invitados Humberto Rivas, Pedro Meyer, Daniel Barraco, Tatiana Parcero, entre otros.<br />2002 Es invitado por el MEIAC, Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo, para fotografiar el Carnaval de Badajoz, junto a fotógrafos españoles (Alberto García Alix, Ricard Terre, etc) para la colección permanente de MEIAC.<br />Invitado al Festival Backlight 02 en Tampere, Finlandia. Da conferencias y dicta un taller en la Escuela de Media Arts de esa ciudad.<br />2003 La Universidad de Salamanca publica “Sub-realismo Criollo”<br />Invitado a los Encuentros Colombianos de Fotografía, en Medellín.<br />2004 Invitado al “Foro de Fotografía Latinoamericana” en México DF, organizado por el Centro de la Imagen. Expone sobre la perspectiva de los fotógrafos en la última década y dicta un taller a alumnos avanzados.<br /><br />Su obra es representada por la Galería Luís Fernando Pradilla en Madrid, la Galería Ruth Benzacar de Buenos Aires, y Galería KBK Arte Contemporáneo de México. Estas galerías muestran regularmente su trabajo en las principales Ferias de Arte Contemporáneo (Chicago, Art Basel Miami, Paris Photo, Arte BA, Feria MACO de México, FIA de Caracas y ARCO de Madrid).<br /><br />Actualmente trabaja en su estudio de la calle Finochietto, en Barracas, Buenos Aires.<br /><br /><br />* Biografía Tomada de la Web del autor, http://www.marcoslopez.com/marcosbiografia.htm<br /><br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9a5SVA4I/AAAAAAAAAM4/Lt7TqV2_a-I/s1600-h/AsadoCriollo.0.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9a5SVA4I/AAAAAAAAAM4/Lt7TqV2_a-I/s400/AsadoCriollo.0.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141841300581319554" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PJSVA9I/AAAAAAAAANg/tzZKX_hNm5k/s1600-h/la+reina+del+trigo.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PJSVA9I/AAAAAAAAANg/tzZKX_hNm5k/s400/la+reina+del+trigo.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141842198229484498" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVA-I/AAAAAAAAANo/98o5CzizaSE/s1600-h/mozo+en+la+quiaca.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVA-I/AAAAAAAAANo/98o5CzizaSE/s400/mozo+en+la+quiaca.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141842202524451810" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVA_I/AAAAAAAAANw/ATC7wgNVPAc/s1600-h/Plaza+de+Mayo.+Bue.+1996..jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVA_I/AAAAAAAAANw/ATC7wgNVPAc/s400/Plaza+de+Mayo.+Bue.+1996..jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141842202524451826" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVBAI/AAAAAAAAAN4/Sm6iYohR84w/s1600-h/Reelecci%C3%B3n.+Bue.+1995.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PZSVBAI/AAAAAAAAAN4/Sm6iYohR84w/s400/Reelecci%C3%B3n.+Bue.+1995.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141842202524451842" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PpSVBBI/AAAAAAAAAOA/I7giOh3pYso/s1600-h/Taxista+en+la+Quiaca.+Argentina+1996.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t-PpSVBBI/AAAAAAAAAOA/I7giOh3pYso/s400/Taxista+en+la+Quiaca.+Argentina+1996.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141842206819419154" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bJSVA5I/AAAAAAAAANA/4pOGhwkaDVc/s1600-h/Casa+en+Jujuy.+1996..jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bJSVA5I/AAAAAAAAANA/4pOGhwkaDVc/s400/Casa+en+Jujuy.+1996..jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141841304876286866" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bZSVA6I/AAAAAAAAANI/-oPK0mD-rLY/s1600-h/che+guevara.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bZSVA6I/AAAAAAAAANI/-oPK0mD-rLY/s400/che+guevara.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141841309171254178" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bZSVA7I/AAAAAAAAANQ/Qv_zUFXM-Pg/s1600-h/el+jugador.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bZSVA7I/AAAAAAAAANQ/Qv_zUFXM-Pg/s400/el+jugador.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141841309171254194" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bpSVA8I/AAAAAAAAANY/IXh6e1W01vA/s1600-h/gardel+preocupdo.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t9bpSVA8I/AAAAAAAAANY/IXh6e1W01vA/s400/gardel+preocupdo.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141841313466221506" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">Nelson Garrido.</span><br /><br />A diferencia de los autores anteriores, Nelson Garrido durante toda su carrera ha acarreado una obsesión por la iconografía religiosa, lo popular y lo folclórico, con las claras exacerbaciones que sus imágenes nos presentan. Ya desde los años 80’s la producción estética de este fotógrafo a deambulado a través del morbo, el erotismo, mezclado con lo profano y lo sacro-religioso, de la mezcla cultural religiosa indigenista de Centroamérica. Lo eclesiástico se ve claramente fragmentado con lo pagano, y a su relación con la sensación de una repulsión política-moral, aumentada a través de pedazos de carne, figuras de santitos y fluidos varios.<br />Sus configuraciones tratan instalaciones a fotografiar, donde la dirección de arte es muy cuidada, y en las cuales las referencias religiosas son más que evidentes, la utilización de elementos de la historia del arte, es una clara referencia, en donde podemos encontrar con citas a autores como el Bosco, Goya y Giotto, por nombrar algunos.<br />Su interés por lo barroco contribuye a citar a las mismas situaciones que fotografía, modelos masturbándose, posees grotescas, vienen a contrariar el dogma de lo religiosamente incorrecto, en una religiosidad desgastada, y la exacerbación de lo plástico y las figurillas baratas contribuyen a dan el toque kitsch que rebalsa de algún modo todo lo kitsch que ya posee la imagen. Un Evo y una Adana, con el manifiesto literal de un deseo de contestación, de un modo vulgar y simple.<br />En la crítica que realiza va en contra del oficialismo y los aspirantes a pertenecer al mercado del arte, del cual acusa “me da nauseas” y de lo segundo agrega “dan cólicos, en un país de farsantes todo es posible sobre todo para aquellos que se creen el cuento de las etiquetas, de los premios, de los aplausos, de la crítica, del vanguardismo, etc.”.<br />El artista establece una relación ideo-religiosa con el espectador el cual puede establecer fácilmente relaciones con lo icónico y lo simbólico, junto con la asociación de satírica y sarcástica de los motivos. De este modo Garrido se convierte en un claro referente de lo que realizara la fotógrafa chilena Zaida Gonzales, en la actualidad, solo con un desfase de 20 años.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBEpSVBMI/AAAAAAAAAPY/gcj3jD55_U8/s1600-h/sangre+nuestra+que+esta+en+al+tierra.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBEpSVBMI/AAAAAAAAAPY/gcj3jD55_U8/s400/sangre+nuestra+que+esta+en+al+tierra.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141845316375741634" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_M5SVBGI/AAAAAAAAAOo/yoxwW-hb70w/s1600-h/La+Masacre+de+los+Inocentes+%282001%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_M5SVBGI/AAAAAAAAAOo/yoxwW-hb70w/s400/La+Masacre+de+los+Inocentes+%282001%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141843259086406754" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBEpSVBNI/AAAAAAAAAPg/Ng1127MbKfE/s1600-h/Santa+Erotica+%281990%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBEpSVBNI/AAAAAAAAAPg/Ng1127MbKfE/s400/Santa+Erotica+%281990%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141845316375741650" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBE5SVBOI/AAAAAAAAAPo/_hDkGeDhVWo/s1600-h/Santa+Liberata+%281990.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBE5SVBOI/AAAAAAAAAPo/_hDkGeDhVWo/s400/Santa+Liberata+%281990.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141845320670708962" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBE5SVBPI/AAAAAAAAAPw/9bD8Ls7gZL4/s1600-h/Santa+Lucia+%281989%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBE5SVBPI/AAAAAAAAAPw/9bD8Ls7gZL4/s400/Santa+Lucia+%281989%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141845320670708978" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBFJSVBQI/AAAAAAAAAP4/QwogQFr5oGo/s1600-h/Santa+PanAm+%281990%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uBFJSVBQI/AAAAAAAAAP4/QwogQFr5oGo/s400/Santa+PanAm+%281990%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141845324965676290" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__5SVBJI/AAAAAAAAAPA/R0IrtMEuT_0/s1600-h/San+Martin+de+Porra+%281989%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__5SVBJI/AAAAAAAAAPA/R0IrtMEuT_0/s400/San+Martin+de+Porra+%281989%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141844135259735186" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__pSVBHI/AAAAAAAAAOw/h-Tgg_jtKEI/s1600-h/La+Sonrisa+de+Santa+Liberata+%281989%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__pSVBHI/AAAAAAAAAOw/h-Tgg_jtKEI/s400/La+Sonrisa+de+Santa+Liberata+%281989%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141844130964767858" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__5SVBII/AAAAAAAAAO4/pM6kU0VPKLs/s1600-h/San+Martin+de+Porra1+%281989%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t__5SVBII/AAAAAAAAAO4/pM6kU0VPKLs/s400/San+Martin+de+Porra1+%281989%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141844135259735170" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uAAJSVBKI/AAAAAAAAAPI/3m_-Wr6jVms/s1600-h/San+Sebastian+%281989%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uAAJSVBKI/AAAAAAAAAPI/3m_-Wr6jVms/s400/San+Sebastian+%281989%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141844139554702498" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uAAJSVBLI/AAAAAAAAAPQ/eyyBIxaU7Bg/s1600-h/San+Sebastian+%281990%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uAAJSVBLI/AAAAAAAAAPQ/eyyBIxaU7Bg/s400/San+Sebastian+%281990%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141844139554702514" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MZSVBCI/AAAAAAAAAOI/eiEpvq_vTIM/s1600-h/El+Asesinato+del+Ni%C3%B1o+Jesus+%281993%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MZSVBCI/AAAAAAAAAOI/eiEpvq_vTIM/s400/El+Asesinato+del+Ni%C3%B1o+Jesus+%281993%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141843250496472098" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MpSVBDI/AAAAAAAAAOQ/1ZXXyb0jdsQ/s1600-h/El+Nacimiento+del+Ni%C3%B1o+Jesus+%281993%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MpSVBDI/AAAAAAAAAOQ/1ZXXyb0jdsQ/s400/El+Nacimiento+del+Ni%C3%B1o+Jesus+%281993%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141843254791439410" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MpSVBEI/AAAAAAAAAOY/lEXv7xCXmfw/s1600-h/El+Santo+Ni%C3%B1o+Jesus+de+Atoche+%281990%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_MpSVBEI/AAAAAAAAAOY/lEXv7xCXmfw/s400/El+Santo+Ni%C3%B1o+Jesus+de+Atoche+%281990%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141843254791439426" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_M5SVBFI/AAAAAAAAAOg/hwyfiGj0Pgs/s1600-h/La+Autocrucificcion+de+Nelson+Garrido+%281993%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1t_M5SVBFI/AAAAAAAAAOg/hwyfiGj0Pgs/s400/La+Autocrucificcion+de+Nelson+Garrido+%281993%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141843259086406738" border="0" /></a><br /><span style="font-weight: bold;">Penna Prearo.</span><br /><br />Este fotógrafo brasileño se adhiere a esta selección fotográfica gracias a uno de los trabajos que ha realizado, el cual tiene el nombre de “São todos filhos de Deus” (Todos somos hijos de Dios); este trabajo consiste en una operación básica pero ruptural que consiste en hacer retratos de grupos sociales, cubriendo el rostro de cada retratado con la imagen del rostro de Jesucristo. Esta operación se enmarca dentro de una trabajo previo realizado por este fotógrafo llamado “A outra face” (la otra cara), en cual también se fotografían personas en distintas situaciones pero con una bolsa de papel en la cabeza.<br />Cabe mencionar que las obras anteriores de este fotógrafo corresponden a cuestionamientos que oscilan entre lo documental, el reportaje y el tratamiento formal de la imagen, sin mucha incidencia en lo propiamente latinoamericano .<br />De algún modo Prearo, logra con estos dos trabajos establecer un discurso referente a la propia situacionalidad latinoamericana, incluyendo así conceptos tales como la individualidad, la des-personalización, la identidad, el que hacer urbano y los grupos sociales. En este relato simple y coloquial, la imagen interepela a una estética convencional, fotografías tomadas dentro del cotidiano, en una situación performatica, y este escenario devela lo irónico y lo paródico, de manera increíblemente espontanea.<br /><br /><br /><div style="text-align: center;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC75SVBWI/AAAAAAAAAQo/qqtaZM2qXnc/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img6.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC75SVBWI/AAAAAAAAAQo/qqtaZM2qXnc/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img6.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141847365075141986" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC8JSVBXI/AAAAAAAAAQw/ehOqn8M-YOU/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img7.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC8JSVBXI/AAAAAAAAAQw/ehOqn8M-YOU/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img7.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141847369370109298" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC8pSVBYI/AAAAAAAAAQ4/Syx8vCd1pRQ/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img8.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC8pSVBYI/AAAAAAAAAQ4/Syx8vCd1pRQ/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img8.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141847377960043906" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC85SVBZI/AAAAAAAAARA/Qu3II8YzHsk/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img10.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC85SVBZI/AAAAAAAAARA/Qu3II8YzHsk/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img10.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141847382255011218" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC85SVBaI/AAAAAAAAARI/-jUHRanjDz4/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img9.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uC85SVBaI/AAAAAAAAARI/-jUHRanjDz4/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img9.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141847382255011234" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4JSVBRI/AAAAAAAAAQA/9yvU5Mt54VU/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://3.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4JSVBRI/AAAAAAAAAQA/9yvU5Mt54VU/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141846201139004690" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBSI/AAAAAAAAAQI/pf9bQo4z7f8/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img2.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBSI/AAAAAAAAAQI/pf9bQo4z7f8/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141846205433972002" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBTI/AAAAAAAAAQQ/kDTLirAPGrE/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img3.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBTI/AAAAAAAAAQQ/kDTLirAPGrE/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img3.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141846205433972018" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBUI/AAAAAAAAAQY/cU8QdJrfbCY/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img4.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4ZSVBUI/AAAAAAAAAQY/cU8QdJrfbCY/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img4.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141846205433972034" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4pSVBVI/AAAAAAAAAQg/dLrkamD6T1g/s1600-h/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img5.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uB4pSVBVI/AAAAAAAAAQg/dLrkamD6T1g/s400/S%C3%A3o+todos+filhos+de+Deus+img5.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141846209728939346" border="0" /></a><span style="font-style: italic;">São todos filhos de Deus</span><br /></div><br /><div style="text-align: center;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWZSVBbI/AAAAAAAAARQ/OY_TNPddSOg/s1600-h/img2.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWZSVBbI/AAAAAAAAARQ/OY_TNPddSOg/s400/img2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141850019364930994" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWpSVBcI/AAAAAAAAARY/aI30WYV5QwY/s1600-h/img4.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWpSVBcI/AAAAAAAAARY/aI30WYV5QwY/s400/img4.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141850023659898306" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWpSVBdI/AAAAAAAAARg/3NUD__Iz16A/s1600-h/img5.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFWpSVBdI/AAAAAAAAARg/3NUD__Iz16A/s400/img5.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141850023659898322" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFW5SVBeI/AAAAAAAAARo/l3d8Pzd1Ggg/s1600-h/img6.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFW5SVBeI/AAAAAAAAARo/l3d8Pzd1Ggg/s400/img6.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141850027954865634" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFW5SVBfI/AAAAAAAAARw/ZuOmJXVFQqQ/s1600-h/img7.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uFW5SVBfI/AAAAAAAAARw/ZuOmJXVFQqQ/s400/img7.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141850027954865650" border="0" /></a>A outra face<br /></div><div style="text-align: center;"><br /><br /></div><span style="font-weight: bold;">Vik Muniz.</span><br /><br />También brasileño, el único artista visual propiamente tal de los cuales he enumerado. El hecho de agregarlo en esta selección de fotógrafos, sin que este lo sea, es dado que su producción artística, si bien no es fotografía en lo puritano, su discurso refiere a las mismas temáticas antes tratadas, mas sus configuraciones estéticas tienden a una propuesta fotográfica, con una preocupación más enfatizada en lo pictórico/formal. Es imprescindible establecer que si bien, su producción ha sido realizada extensamente fuera de su país natal, su trabajo remite a una conciencia propiamente latinoamericana, desde su sistema de producción hasta la obra final.<br />En si lo que la obra que configura este artista, es soportada en distintos materiales, ya sea chocolate, azúcar, papel, polvo, figuritas platicas, soldaditos de juguetes etc. Su preocupación por el espacio pictórico, lo ha llevado a trabajar de manera sistemática con la historia del arte, y con ello realizar reproducciones de distintas obras magistrales a través de otros soportes. El mismo autor se reconoce como un copista que agrega algo propio a cada obra que esta copiando .<br />Su preocupación se centra en lo reproductivo, y con ello problematiza a través de materiales de la vida cotidiana, las grandes obras; esta parodia logra hacer que una pintura como el Cupido de Caravaggio resulte tan graciosa y kitsch al ser reproducida en pequeños juguetes plásticos; con esto engaña y obliga al espectador a remitirse a un clásico pero lo invita a que escudriñe con la mirada, lo original y lo falso, y con ello la verdadera composición de este, como un proceso identificatorio reivindicativo de nuestra propia hibridez cultural.<br />La propuesta de Muniz sin duda, logra que en un ambiente tan extremadamente lleno de imágenes, uno deba detener la mirada para contemplar lo estructural y configurativo, y con ello, a través de simples elementos, establecer una relación entre lo contradictorio de lo real y la representación y, paseando así por ideas más complejas, ideas tales como los medios de reproducción frente lo artesanal.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3ZSVBgI/AAAAAAAAAR4/9lyTQVC7wr4/s1600-h/Cupid,+after+Caravaggio.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://4.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3ZSVBgI/AAAAAAAAAR4/9lyTQVC7wr4/s400/Cupid,+after+Caravaggio.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141853884835497474" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3pSVBhI/AAAAAAAAASA/74TbGAVLJDg/s1600-h/Death+of+Loyalist+Militiaman+Frederico+Borrell+Garcia,+after+Robert+Capa,+1937.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3pSVBhI/AAAAAAAAASA/74TbGAVLJDg/s400/Death+of+Loyalist+Militiaman+Frederico+Borrell+Garcia,+after+Robert+Capa,+1937.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141853889130464786" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3pSVBiI/AAAAAAAAASI/wt0I-mDgK0A/s1600-h/Brushstroke+2,+after+Roy+Lichtenstein.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://1.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI3pSVBiI/AAAAAAAAASI/wt0I-mDgK0A/s400/Brushstroke+2,+after+Roy+Lichtenstein.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141853889130464802" border="0" /></a><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI35SVBjI/AAAAAAAAASQ/3Pud2vEQjkU/s1600-h/Double+Mona+Lisa,+after+Warhol+%28crema+de+cacahuate+%2B+confitura%29.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI35SVBjI/AAAAAAAAASQ/3Pud2vEQjkU/s400/Double+Mona+Lisa,+after+Warhol+%28crema+de+cacahuate+%2B+confitura%29.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141853893425432114" border="0" /></a><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI35SVBkI/AAAAAAAAASY/hMpAfg-JooY/s1600-h/erogl%C3%ADfico.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="http://2.bp.blogspot.com/_y1Hqs5Fins4/R1uI35SVBkI/AAAAAAAAASY/hMpAfg-JooY/s400/erogl%C3%ADfico.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5141853893425432130" border="0" /></a><br /><div style=""><!--[if !supportFootnotes]--> <hr width="33%" align="left" style="font-size:78%;"> <!--[endif]--> <div style="" id="ftn1"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref1" name="_ftn1" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[1]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Santos, Lidia</span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES">, Kitsch tropical, los medios de literatura y arte en América latina, Iberoamericana, Madrid, 2001, p. 93<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn2"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref2" name="_ftn2" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">5</span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> <b style="">Moles</b>, Abraham, <i style="">El kitschier arte de la felicidad, </i>Pianos, Barcelona, 1990, p71-77<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn3"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref3" name="_ftn3" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">2</span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> <b style="">Calinescu, Mateo </b>Cinco caras de la modernidad: modernismo, vanguardia, decadencia, kitsch, posmodernismo, tecnos, Madrid, 1991,p 91.<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn4"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref4" name="_ftn4" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">4</span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> <b style="">Dorfles,G</b>, <i style="">El Kitsch: Antología del mal gusto, </i>Lumen, Barcelona,1973,p15.<i style=""><o:p></o:p></i></span></p> </div> <div style="" id="ftn5"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref5" name="_ftn5" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[2]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;">Eco, Umberto</span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" > <i style="">Apocalípticos e integrados ante la cultura de masa</i>, Editorial Lumen, , Barcelona, 1968, p.51<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn6"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref6" name="_ftn6" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[3]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;">Crow, Thomas</span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" >, el arte moderno en la cultura de lo cotidiano, AKAL, Madrid, 2002, p.10<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn7"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref7" name="_ftn7" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[4]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;">Calinescu, Matei </span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" >Cinco caras de la modernidad: modernismo, vanguardia, decadentismo, kitsch, posmodernismo ,tecnos, Madrid, 1991,p.16<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn8"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref8" name="_ftn8" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[5]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> Op cit 24<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn9"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref9" name="_ftn9" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[6]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> Adorno, Theodor (2001). <i style="">The Culture Industry</i>. </span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" >Routledge</span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES"><o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn10"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref10" name="_ftn10" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[7]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Eco, Umberto</span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES"> <i style="">Apocalípticos e integrados ante la cultura de masa</i>, Editorial Lumen, , Barcelona, 1968, p.51<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn11"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref11" name="_ftn11" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[8]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES"> Tomando lo camp, respecto de una sobrevaloración de lo kitsch, que convertiría el mal gusto en buen gusto, este tema lo explica detenidamente susan sontag en su ensayo, “notas sobre lo camp”.<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn12"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref12" name="_ftn12" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[9]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Canclini, Nestor </span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES">Culturas Hibridas, <i style="">Estrategias para entrar y salid de la modernidad, </i>Gibralbo, 1990, Mexico,D.F.,p 149<i style=""><o:p></o:p></i></span></p> <p class="MsoFootnoteText"><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn13"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref13" name="_ftn13" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[10]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Santos, Lidia</span></b></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES">, Kitsch tropical, los medios de literatura y arte en América latina, Iberoamericana, Madrid, 2001, p. 93<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoFootnoteText"><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="ES"><o:p> </o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn14"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref14" name="_ftn14" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[11]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> Op cit. p 135.<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn15"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref15" name="_ftn15" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[12]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> Ibid p 143-148.<o:p></o:p></span></p> </div> <div style="" id="ftn16"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref16" name="_ftn16" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[13]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> Op cit p 60.</span></p> </div> <div style="" id="ftn17"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref17" name="_ftn17" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[14]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> <b style="">Op. Cit. </b>p 85<i style=""><o:p></o:p></i></span></p> </div> <div style="" id="ftn18"> <p class="MsoFootnoteText"><span style="font-size:85%;"><a style="" href="http://www.blogger.com/post-edit.g?blogID=2447748052681661729&amp;postID=8069360480349678088#_ftnref18" name="_ftn18" title=""><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US"><span style=""><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="line-height: 115%;" lang="EN-US">[15]</span></span><!--[endif]--></span></span></span></a></span><span style="line-height: 115%;font-size:85%;" lang="EN-US"> </span><span style="font-size:85%;"><b style=""><span style="line-height: 115%;" lang="ES">Heinz Holz, Hans</span></b></span><span style="line-height: 115%;" lang="ES"><span style="font-size:85%;">, <i style="">De la obra de arte a la Mercancía.</i> Ed. Gustavo Gili, 1979, Barcelon</span><o:p></o:p></span></p> </div> </div><div class="blogger-post-footer"><img width='1' height='1' src='https://blogger.googleusercontent.com/tracker/2447748052681661729-8069360480349678088?l=textoscriticos.blogspot.com' alt='' /></div>Estebanhttp://www.blogger.com/profile/05076663305738001159noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2447748052681661729.post-18400476867330445512007-11-30T10:55:00.000-08:002007-11-30T10:57:37.493-08:00<p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;">INDICE<o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;">1.- </span></b><b style=""><span style="font-size: 14pt;">INTRODUCCIÓN <o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;">2.- </span></b><b style=""><span style="font-size: 14pt;">El AUTORRETRATO</span></b><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;"><span style=""> </span></span><span style="font-size: 14pt;">a) ¿Qué es el autorretrato?<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>b) ¿Cuáles son las principales definiciones para autorretrato?<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>c) ¿Cuál es la importancia del espejo, en el autorretrato?<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;">3.- </span></b><b style=""><span style="font-size: 14pt;">EVOLUCIÓN HISTORICA DEL AUTORRETRATO EN </span></b><st1:personname productid="LA PINTURA"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">LA PINTURA</span></b></st1:PersonName><b style=""><span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;"><span style=""> </span></span><span style="font-size: 14pt;">a) Manierismo <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>b) Barroco<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>c) Clacisismo y Neoclacisismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>d) Romanticismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>e) Impresionismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>f) Expresionismo abstracto<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>g) Cubismo <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>h) Surrealismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style=""> </span><span style="font-size: 14pt;">I) Pop art<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-family: Arial;">4.- </span></b><st1:personname productid="LA METAMORFOSIS DEL"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">LA METAMORFOSIS DEL</span></b></st1:PersonName><b style=""><span style="font-size: 14pt;"> AUTORRETRATO</span><o:p></o:p></b></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">5.- LOS NUEVOS CODIGOS UTILIZADOS EN EL AUTORRETRATO FOTOGRAFICO:<o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;"><span style=""> </span></span><span style="font-size: 14pt;">a) Morbo <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>b) Erotismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>c) Pornografía<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>d) Fetichismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>e) Sadismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 14pt;"><span style=""> </span>f) Masoquismo<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">6.- EL AUTORRETRATO EN FOTOGRAFIA Y SUS EXPONENTES. <o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;"><span style=""> </span></span></b><span style="font-size: 16pt;" lang="EN-GB">a) </span><st1:place><span style="font-size: 16pt;" lang="EN-GB">Nan</span></st1:place><span style="font-size: 16pt;" lang="EN-GB"> Goldin<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;" lang="EN-GB"><span style=""> </span>b) David Nebreda<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;" lang="EN-GB"><span style=""> </span>c) Orlan<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 16pt;">d) Gottfried Helnwein<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 16pt;">e)</span><span style="font-family: Arial;"> </span><span style="font-size: 16pt;">Arnulf Rainer</span><span style="font-family: Arial;"><o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 16pt;">f) Ana Mendieta<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 16pt;"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">7.- DEVELANDO EL AUTORRETRATO <o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-indent: 35.4pt;"><span style="font-size: 16pt;"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 14pt;">8.-CONCLUSIÓN:<o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><span style="font-size: 16pt;"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 16pt;">1.- </span></b><b style=""><span style="font-size: 14pt;">INTRODUCCIÓN <o:p></o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal"><b style=""><span style="font-size: 14pt;"><o:p> </o:p></span></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style=""><span style="font-size: 14pt; font-family: Arial;"><span style=""> </span></span></b><span style="font-family: Arial;">Desde hace siglos que el hombre primitivo da comienzo a pintar sus deseos e impresiones, plasmando su huella a través de la imagen, la cual denota y connota diversas interpretaciones y simbolismos inherentes a su visión de mundo. La fotografía como eje de representación se remonta a la pintura y tomando como punto de referencia el autorretrato, los autores contemporáneos han logrado reinterpretar el concepto de éste. Mostrando obras condicionadas y extravagantes, bajo distintas circunstancias socioculturales. Si bien en la época de la pintura el autorretrato buscaba representar la permanecía de la existencia o plasmar la identidad, como un legado a generaciones futuras o simplemente para la observancia del paso del tiempo. Sin embargo, la evolución de la fotografía relacionada con el autorretrato en un período social como el actual, donde se acrecienta el individualismo, cumple o busca cumplir otros fines que el autorretrato vinculado a la pintura. El autorretrato de hoy en día tiene como fin principal el ego en pos del liberalismo, lo morboso y el erotismo, ya que el sujeto mantiene una actitud vanidosa del “mírenme” que no se encuentra lejos del “ámenme”, y de paso evidencia un lenguaje innovador, transgresor y que no es posible dar definición o clasificación alguna entre los estilos del autorretrato ya conocidos bajo los términos de la estética de la pintura. Logro trascendente que ha permitido el fácil acceso a los medios técnicos fotográficos, si tomamos en cuenta la fotografía digítal.<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial;"><span style=""> </span>El presente trabajo es una ventana sobre la mutación que han sufrido tanto los valores del autorretrato, como también los medios técnicos, atendiendo a los valores del sujeto hacia la imagen, la vanidad, el ego, en definitiva la soledad del ser humano en la época de la hipercomunicación, donde hay un fácil acceso al consumo y medios, pero una intrigante barrera en la comunicación interpersonal. Si bien la imagen actual del autorretrato sustituye las normas pictóricas clásicas, el valor de ésta no carece de ideología. El morbo y el erotismo, son un nuevo código para entender el autorretrato en la fotografía contemporánea, ya que es en éste medio donde se logra hacer más explicito un nuevo lenguaje visual, que permite entender las peculiares ideas de sus exponentes. Ya que posiblemente con este aparato el fotógrafo, transformará en imágenes sus fantasías y pulsiones más íntimas y primitivas. <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial;"><span style=""> </span>El desnudo, el flagelo o el fetichismo son temas que pueden ser tratados solo con la crudeza realista de la fotografía, para que ojala ayuden a crear conciencia sobre la desvirtuada relación que se hace sobre el <i style="">erotismo</i> y la <i style="">pornografía</i>, sobre un autorretrato artístico y uno morboso. Así es como los autorretratistas tienen nuevas motivaciones, no es tan solo un pretexto o un soporte para la imaginación. Para nuevas metáforas el artista inflige transformaciones al rostro humano, convirtiéndose en nuevo elemento de experimentación, en donde el artista deja de lado su ego, hasta llegar a una obra acabada, donde él es el objeto cautivándonos por lo horroroso, lúdico o experimental de su obra. Alejándonos de la delicada pincelada minuciosa que es testimonio de la perfección del pintor detrás de su lienzo, que con estilo clásico toca, siente y plasma el débil reflejo que pasa delante de sus ojos.&